1. Michelangelo Merisi Caravaggio
Pintor proveniente de Italia perteneciente del Barroco, reconocido no solo por su
pintura si no que también por los fuertes episodios que le ocurrieron en la vida. Fue un
artista manierista y rey del tenebrismo, hizo uso del claro oscuro en las figuras y
objetos que pintaba, hacia del realismo su principal objetivo trataba de mostrar un
reflejo del propio espectador. Rechazaba la belleza, pintaba las cosas tal cual las
veían sus ojos, para el fue ir por el camino de la verdad. Caracterizaba sus cuadros en
escenas tales como bodegones, teatros o mesas con naturaleza muerta. Ya desde el
principio se notaba que le gustaba representar juegos de luces y sombras, las utilizaba
para darle volumen y profundidad a los dramatismos que intentaba representar.
Principalmente pintaba obras de tipo religioso y trabajaba para grandes comités de la
época. Algunas de sus obras maestras fueron rechazadas por las iglesias ya que les
parecían muy vulgares y excedían de naturalismo deseado. Aunque si existían
quienes se opian al clero y si veían la belleza de sus pinturas tal cual como las veía
Caravaggio aunque no eran la mayoría.
En sus obras se puede interpretar muy bien la acción dramática que quería
representar. También conocido por utilizar óleo en la mayoría de sus obras y trabajar
sobre lienzo.
Para sus trabajos no solo hacia de lo religioso algo vulgar si no que también rompía
con uso de personas contratadas o bellas, al contrario de esto Caravaggio presentaba
en sus cuadros a personas enfermas, en mal estado o prostitutas de la calle.
El tenebrismo en ese momento estaba caracterizado por los contrastes de luz de luz
violentos, se denomino así también por la gran cantidad de sombras y oscuridad que
brindaban esas pinturas. Se utilizaban para darle intensidad, y resaltar el volumen y la
profundidad de los personajes.
1.2 Vocación de San Mateo
En esta obra se pueden distinguir los planos, el superior regido por una venta y el
inferior en donde están las personas. La luz que proviene del lateral derecho, no
parece una luz dorada y nada mas da la sensación de ser un personaje mas en esta
obra, esta sirve para representar aun mas el dramatismo de la pintura, aunque en el
fondo aparecen las tinieblas o sombras, estas son las que le dan profundidad volumen
a los personajes. Se ve nota que en esa época el negro era un color base en las
pinturas y los colores iban por arriba. Toda esta representación da sensación de que
esas personas están en una penumbra repleta de oscuridad cortada por ases de luz
blanca con un toque dorado que dan realismo a las caras y los gestos que estaban
haciendo los personajes en ese momento.
Parece ser que en esta pintura el artista no busco un tipo de hombre determinado si no
que juntabas a los jóvenes con los mas viejos, vestidos con ropa de la época en la
que estaba situada la obra y se nota la interpretación del color, los colores se ven
representados oscuros ya que así los veía el pintor, como se nombro antes era
realismo puro y por falta de luz se notan unos verdes y rojos mas oscuros de lo
normal.
2. Annible Carracci
Pintor Barroco italiano y principalmente polo opuesto de Caravaggio, a Carrcci le
aceptaron las pinturas desde el primer día, el para los ojos del clero si sabia
representar lo idea y la belleza, para el no todo lo real debería ser representado en
sus obras, el se dedicaba a corregir la naturaleza, quitaba todo tipo de imperfecciones
y le interesaba representar las cosas como deberían ser o como le gustaría verlas a
los demás. Se lo consideraba un pintor ecléctico porque le gustaba representar en sus
obras las características que las le gustaban de otros artistas ya reconocidos,
buscaba equilibrio en sus obras y para eso estudiaba la composición de cada una, le
gustaba la estructura clásica de las personas a las que pintaba no buscada conmover
al espectador y al contrario de Caravaggio hacia uso de la luz de una maneras mas
uniforme, el rechazaba los contrastes, se ve claramente que fue un hombre al que le
gustaba el dibujo ya que representaba con gran claridad sus obras.
La mayoría de sus obras eran del tipo mitológico, religioso y lo hacia al igual que
Caravaggio con óleo. También se lo consideraba un pintor manierista, por la armonía
con la que pintaba y se veía vitalidad en sus obras el pertenecía al clasicismo.
2.1 Triunfo de Baco y Ariadna
En esta obra se puede observa la gran diferencia entre la pintura de Caravaggio y esta
de Carracci, se pueden ver que el negro deja ser de el el centro de la atención con
ases de luces que lo atraviesan, esta vez se puede observar luz plena, repleta de
colores calidos con sombras que apenas aparecen para destacar detalles de la misma
obra. Además se puede destacar la manera en la que el pintor destaca los cuerpos
humanos desnudos, se nota tenia la intencion de representar la belleza en estas
personas, destaco sus cuerpos voluminosos además de querer destacar un triunfo
rodeado de personas que le dan poder. No los respresnto como unas personas
cualquiera si no como mitologicas y hasta sensuales con podes que llaman la
atención.
3. Edgar Degas
Pintor del siglo XIX neoclasicista en un principio y más tarde fundador del
impresionismo. Como tuvo una formación un tanto clásica con la cual rechazo el aire
libre para pintura como lo hacían otros artistas de la época, el se dedico a pintar en su
taller, le gustaba pintura temas variados, la mayoría de sus obras pasaron en teatros,
cafés, centros de danza y ballet, carreras de caballos, desnudos sobre todo de
mujeres en su mayoría buscaba prostitutas de la época.
El simplemente intentaba atrapar lo que estaba ocurriendo en el momento como si
fuese una fotografía, para esto utilizaba pasteles con colores de lo mas brillantes
trataba de pintar rostros con gran expresividad. Le apasionaban las escenas con luz
artificial algo que en ese momento ya no se estaba utilizando con frecuencia, ademas
de eso abndona formalmente el oleo para dedicarse plenamente al pastel aunque mas
tarde cuando empieza a hacer retratos de mujeres desnudas vuelve a hacer uso del
oleo
3.1 La clase de danza
La danza fue uno de los temas mas frecuentes en las obras de Degas, le gustaba
pintar ensayos y descansos. Este cuadro hace que una pintura se la parezca lo mas
parecida a una fotografía capto con lujos de detalles toda la escena, se perfecto como
un profesor da una clase mientras algunas alumnas escuchan y otras practican, se
nota que para representar esta imagen el artista tuvo que realizar varios bocetos, ya
que no debe ser de gran facilidad representar tantos detalles y además detalles físicas
como la realización física de las alumnas para ser representada con claridad de una
sola vez. Esto es lo que ayuda al pintor a poder detallar parte por parte de esta obra
de arte.
Para esto uso tonalidades un tanto pastel y una cantidad de reflejos lumínicos que
realzan la vestimenta de las bailarinas. Además de los colores tierras que apareen
resaltados con colores mas vivos visibles sobre todo en los lazos de las faldas de las
bailarinas.
Son increíbles los detalles que se encuentran en esta pieza, desde las bailarinas
terminando el ensayo, hasta las que ya acabaron, también aparece un pequeño perro,
un piano con una bailarina encima, todo hace parecer que fue una pintura espontánea
aunque no lo sea así.
Uno cuando ve esta obra piensa en el gran protagonista al maestro de las bailarinas
pero si uno mira con un poco mas de atención se puede destacar que la profundidad
es el protagonista parece un salón interminable, quizás sea por las líneas diagonales
con las que jugo para realizar el suelo del espacio hasta se llega a ver un gran parte
del zócalo del techo mientras que del otro lado no se puede apreciar esto hace mas
alusión todavía a que esto podría ser tranquilamente una fotografía, otras de las
cualidades que son protagonistas son los movimientos que pudo captar el artista y
además que la mayoría de las bailarinas tengas poses diferentes y todo esto también
gracias a la luz que ayuda a visibilidad de estas bailarinas, esta luz proviene de la
venta derecha del salón esto es así ya que el mismo pintor puso un espejo que la
refleja esto deja que el lugar parezca mas amplio y que se puedan ver bien todas las
bailarinas en sus puestos.
4. Joseph Mallord William Turner
Artista Ingles, del 1775, amante del romántico otro gran fundador del impresionismo y
sobre todo un paisajista por excelencia. Es reconocido por ser el pintor de la luz, no
solo era conocido por sus pinturas en óleo si también por las que hacia con acuarelas.
Le interesaba la pintura sublime, les interesaba retratar los desastres naturas, así
como catástrofes, hundimientos de barcos y entre otros factores en sus lienzos.
Aparecen muchas obras con le poder violento del mar tirando barcos y hundiéndolos.
En sus pinturas representaba y generaba luminosidad, fluidez. Con el tiempo fue
dejando de lado el óleo y se centro en la luz pura este si que es la oposición de
Caravaggio.
Por otro lado la llegada de la pintura en pomo es la que permite a los artistas dejar sus
talleres para poder pintar con facilidad el mundo exterior que los rodeaba, es por ese
muchos de estos pintores eran paisajistas y Turner era uno de ellos.
Da la sensación de que Turner tenía una fascinación por el terror o un respeto por los
desastres que traía la naturaleza, de hecho es una repetición continua la cantidad de
obras que tratan sobre estos temas en su colección. Este artista deja completamente
el color negro como su fuente principal como lo hacían algunos de los artistas
anteriormente nombrados, el por su parte tenia una ausencia absoluta del negro de
hecho las sombras las hacia de una manera mas translucida y hasta con colores mas
calidos. Sus imágenes se vuelven un tanto mas abstractas mas mística muestra con
naturalidad algo a lo que los humanos le tienen mucho miedo ya que no hay nada de
pueda parara una catástrofe.
4.1 Lluvia, vapor y velocidad
Este cuadro esta hecho en lienzo con óleo, se que la figura principal es un ferrocarril
que va hacia donde estaría el espectador pasando por su propio vapor y por la lluvia
como bien lo dice el cuadro. Si se lo mira una sola vez pueden parecer muchas
manchas en este cuadro pero hasta se tomo el momento para hacer un barquito que
esta en el agua a la izquierda de este cuadro, también parece un pequeño puente, da
la sensación de ser como una especie de tren fantasma que se va perdiendo con el
tiempo. Las tonalidades de los colores claros dan un aspecto de profundidad.
Se podría decir que este cuadro se puede apreciar en dos partes, la inferior en donde
esta la tierra y se ve el barquito y el tren y por otro lado la superior en donde se puede
destacar el cielo. Y esto aparece gracias a las tonalidades y a la cantidad de
iluminación que se ve destacada en el cuadro, esto hace que el cielo contraste con el
suelo, para esta obra utilizo colores mas bien del tipo claros, amarillentos y entre los
mas oscuros aparece el azul todo esto en el cielo y en la tierra aparecen rojizos y
marrones que serian un tanto mas oscuros, al igual que Degas esta obra y los objetos
que la constituyes no parecen estar estancados como es el caso de las pinturas de
Carracci y Caravaggio en este caso se ve perfectamente que el objeto principal del
cuadro se encuentra en pleno movimiento y hasta se cree que es la primera veza que
aprecio un ferrocarril en una pintura. Esto da una fase por la cual se estaba transitando
en ese momento la era de la revolución industrial y obviamente contrastando esta
industrialización con lo que esta misma produce en el ambiente natural y los
problemas que van a afectando a la naturaleza que también son representados en sus
obras.
La verdadera figura principal en esta obra al igual que en la pintura de Degas es la luz
que le da unos efectos impresionantes en esta pintura, las pinceladas con las que
trabaja parecen ser rápidas y bien empastadas. Este cuadro no parece haber sido
rasqueteado en las pastes mas oscuras para llegar a los mas claro del lienzo.