Década 1950
Los 50 fueron una década en donde se apelaba a la artificialidad, las
mujeres no salían a la calle sin maquillaje ni joyas. El maquillaje
presentaba nuevos colores para que estuviera a tono con lo último de la
moda. En los años 50 era más importante que el maquillaje combinara
con la cartera que quien lo llevara. No importaba que el resultado se
viera artificial, algo que iba de acuerdo con el New Look.
Las mujeres cambiaban el color del pelo muy a menudo, se llevaba liso,
ondulado, largo o corto. El color más popular era sin dudas el rubio, se
usaban también los postizos, y muchas adolescentes recurrían a ellos
para imitar la famosa cola de caballo de Brigitte Bardot.
Las orejas siempre quedaban a la vista para poder lucir joyas como aros
grandes y con mucho brillo que se combinaban con collares de perlas de
una o dos vueltas.
Los pañuelos eran fundamentales para aquellas mujeres que conducían
autos descapotables, este se colocaba sobre el peinado que se pretendía
proteger.
Los guantes eran casi un accesorio obligatorio, a menudo eran del mismo
genero que el vestido.
Los cinturones anchos fueron el complemento mas importante de la
década, para comprimir y resaltar la cintura femenina.
Después de tiempos duros, el refugio fue el hogar. En los 50, el look de
amas de casa perfectas incluía combinaciones como el azul turquesa en
las sombras y el naranja en los labios. El peinado, de postizos tiesos por
la laca, reflejaba el mismo aire artificial del maquillaje. En esta década
vuelve el esplendor, triunfa el “New look” de Cristian Dior. La silueta se
vuelve a forzar con una cintura muy estrecha, la mujer avispa y por
contraste, mucho volumen en hombros, pecho y en la falda que aumenta
su vuelo, pero manteniéndose por debajo de las rodillas. Las mujeres
estaban hartas del estilo masculino y vuelven las curvas. Comienza el
culto a la belleza. Los zapatos se estilizan y son más puntiagudos,
abrigos de paño, bolsitos al codo, y las más elegantes sombrero o pamela.
Las jóvenes comienzan a dejar de ser clones de sus madres, inspiradas en
las actividades deportivas, los pantalones pitillo, las zapatillas de ballet,
el rok´n´roll etc.
Durante los años cincuenta, la mujer se vio de nuevo atrapada en un
estrecho corsé, tanto en sentido literal como figurado. Tras haber
apoyado a su marido durante la guerra, deseaba volver a ser totalmente
femenina, y para ello renunció sin saberlo a parte del terreno ganado
para meterse otra vez en la cocina: representaba el ideal de casita en el
campo, perfectamente decorada a la última, con electrodomésticos que
facilitaban las tareas y con un aspecto impecable desde la mañana a la
noche.
La silueta "New Look" también se reflejaba en la ropa de diario. Los
trajes volvían a ser la parte principal del ropero de muchas mujeres. La
mayoría de las faldas eran estrechas y llegaban a media pierna. Las
chaquetas eran entalladas y presentaban un pequeño faldón, así como
una solapa muy marcada, pero que no era muy larga.
Tenía mucha aceptación las combinaciones de falda y blusa o bien de
falda y conjunto, que consistía en un jersey y una chaqueta de punto
combinada, casi siempre del mismo color.
La parte superior iba muy ceñida y modelaba el busto, por lo que
requería un corpiño fuerte. Generalmente las mangas eran estrechas y
largas o llegaban hasta medio brazo.
Andy Warhol
Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22
de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue
un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel
crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa
carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad
mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura,
notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y
por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre
artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales,
celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y
pintorescos personajes urbanos.
Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el
futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". Esta frase de
cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y
el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.
Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus
obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es
objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y
documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la
película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la
fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más
influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.
Arte pop
El Arte Pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo
XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular
tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios
publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo
del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes
populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes,
separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1
además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural,
a menudo a través del uso de la ironía.1
El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos
movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte
postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los
ejemplos más tempranos de éste.2
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los
entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.3 De cualquier
forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del
expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de
hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.3 Del mismo
modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del
Dadaísmo.3 Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los
mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos,
satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas
considerados como precursores del movimiento pop están Marcel
Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino
Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes
motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo
Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arte
representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad
mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el
simbolismo personal del expresionismo abstracto.3 6 En contraste, el
origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la
ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería
dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual
estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores
que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la
prosperidad de la sociedad.6 El arte pop temprano de Inglaterra se
puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la
cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los
artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir
dentro de dicha cultura.6
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes
debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas
hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no
hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
Richard Avedon
Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera
profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda
para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de
Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras
revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo
de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar
la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el
mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el
contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y
creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas
compositivos previamente decididos.
En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con
las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió
el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos,
colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro
Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon
realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de
Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el
diario New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a
Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos
diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos,
de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un
inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de
plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de
personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller,
Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método
era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a
través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo,
el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más
sincera.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus
trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort
Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los
Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la
historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos
presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa,
presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en
fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como
siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o
de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido
observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante
una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.
Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189
poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando
alrededor de 17.000 placas de película. De ésta colección, escogió 123
retratos que conformarían la serie In the american west 1979 – 1984.
Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o
retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal,
que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos
familiares.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin
embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos
realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a
veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta
ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo
nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser
humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos
descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje,
fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que
claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976),
por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada
con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente
hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en
San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica
para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se
titulaba «On democracy», y se enfocaba en el proceso electoral del 2004
en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de
las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió
en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las
complicaciones médicas.
En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación
Hasselblad
Vogue Italia
Vogue (palabra francesa que en español quiere decir "Moda") es una
revista de moda y estilo de vida, que se edita en numerosos países. Es
una publicación mensual orientada principalmente al público interesado
en nuevas tendencias tanto de moda, como de lifestyle. Es considerada la
más influyente a nivel mundial puesto que se edita en 14 países. La
distribuye Condé Nast Publications,(piso 12), cuya sede está en la ciudad
estadounidense de Nueva York. La primera revista apareció en
aproximadamente en diciembre 17 de 1892 (empezando como una
revista semanal, después quincenal, y ahora mensual)
En el caso de vogue Italia su editora es Franca Sozzani