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Paulina Jaramillo

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Paulina Jaramillo

BIOFRAFÍAPaulina Maricela Jaramillo Yaguana nació elmartes 7 de abril de 1987, en Loja Ecuador. Es la cuarta hija del Sr Marlon Jaramillo Vivanco, y de Fanny Yaguana, ambos descendientes lojanos.Paulina tiene seis hermanos y hermanas: Fanny, Freddy, Danilo, Jorge, María Alexandra y Jessica.La pareja Jaramillo Yaguana, se caso en 1979 y se fueron a vivir 1995 en Catacocha, cabezera cantonal, del cantón Paltas, de la misma provincia de Loja.Lugar donde Paulina y sus hermanos se educaron hasta la secundaria en el Colegio Fiscomisional Marista.En el año 2005 Paulina viaja a Quito, para continuar con sus estudios superiores.Con la idea de estudiar arquitectura, antes de descubrir el maravilloso mundo del diseño, en el cual se encuentra sumergida hasta el día de hoy,

CONTENIDOS

Biografía................................................2

Dedicatoria.............................................3

Qué son los estilos gráficos....................4

Pop Art...................................................5

Art Noveau............................................6

Expresionismo........................................7

Galería....................................................8

Futurismo..............................................10

Arte Gótico...........................................11

Barroco.................................................12

Cinema 4D...........................................13

Art Decó...............................................14

Bibliografía..........................................15

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Paulina Jaramillo

DEDICATORIA

Dedico ante nada este trabajo a Dios porque se que

el es quién me está guiando dia a día, sabe de mis

esfuerzos diarios , a mis padres también porque han

aportado, mucho para que no me quede en el camino,

y a mis maestros que estoy segura hacen lo posible

para que todos sus conocimientos sean nuestros

también.

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Paulina Jaramillo

ESTILOS GRAFICOS

PRINCIPALES ESTILOS GRAFICOS DE LOS

SIGLOS XV Y XX

Desde la aparición de los primeros tipos mó-viles en el siglo XV hasta nuestros días, la creación tipográfica ha trazado un camino paralelo a la creación artística. En unos casos la tipografía ha actuado de dinamizador y propagador de las corrientes artísticas, y en otros han sido la experimentación de los movimientos artísticos la que ha servido para descubrir a la tipografía nuevos caminos.

Renacimiento y clasicismo Si bien muchos manuales que tratan sobre la historia de la tipografía comienzan haciendo un repaso a los primeros alfabe- tos, bien es cierto que el punto a partir del cual podemos hablar propiamente de una historia de la tipografía es, obviamente, en el que se sitúa la invención de los caracteres móviles y la prensa. Esto es en el año 1450 y su inventor el im-presor alemán Johann Gutemberg, con lo que el período inmediata-mente anterior a este hecho, el período gótico, es el punto de partida ideal para nuestro viaje.

El Cinquecento italiano, el siglo XVI, en un principio dividido por historiadores tales como Vasari en Alto y Bajo Renacimiento, está hoy en día en desuso, tendiéndose actu-almente a comprender en Renacimiento Clas-icista, primer Manierismo y Manierismo tar-dío hasta 1600.

La diferencia que define al Cinquecento del Quattrocento es la nueva visión del mundo y también del hombre, con más estrecha rel-ación entre los países y el trasvase de las ideas y de los artistas, las pautas clásicas del mun-do antiguo se reducen, el panorama político se simplifica y toma una nueva dimensión la política la Iglesia, repuesta de la fractura del Cisma de Avignon, incrementando su poder temporal, que dio a Roma un papel primordial y una nueva edad de oro. Quedan oscureci-das ciudades como Padua, Urbino y Florencia perdió su papel avanzado de las generaciones del Quattrocento, sin dejar de ser crisol en la génesis del clasicismo. Lombardía, presenta el mismo panorama, aunque se adelantó a Flor-encia y a Roma en la génesis de la corriente. Venecia siguió manteniendo su preponderan-cia, a pesar del avance del imperio otomano.

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Paulina Jaramillo Pop ArtEl Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos.1 El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de su contexto y aisla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

El arte pop fue un importante m o v i m i e n t o artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos p r o v e n i e n t e de la «cultura popular», tales como en anuncios p u b l i c i t a r i o s , libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto.3 El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se

les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

Estados Unidos y en el Reino unido tuvieron un motivo diferente.2 En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia

para contrarrestar el simbolismo personal del e x p r e s i o n i s m o abstracto.3 6 En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la

sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.6De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaismo. Mientras que el arte pop y el dadaismo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada.

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Paulina JaramilloArt Nouveau

El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina

“La maison del Art N o u v e a u ” , diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con d i s t i n t o s n o m b r e s según los p a í s e s : modernismo en España, Jugendstil en A l e m a n i a , Sezession (en Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluñaetc. Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía

Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias

de la vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Características generales del Art Nouveau:Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco,

N e o c l a s i c i s m o , R o m a n t i c i s m o , etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...E s t é t i c a m e n t e resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una

economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrialLas únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.

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Paulina JaramilloEspresionismo

El expresionismo surgió como una corri-ente artística que buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y prim-eros del XX como reac-ción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el re-nacimiento, pa r t i cu la r-mente en las anquilosadas academias de Bellas Artes.

El artista ex-presionis ta trató de rep-resentar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su natura-leza interna y de las emociones que despierta en el observador.

Para lograrlo, los temas se exageran y se dis-torsionan con el fin de intensificar la comuni-cación artística. En el campo de la publicidad comercial el expresionismo gozó de pocas oportunidades para aplicar sus principios, sin embargo en libros, revistas o posters y en pequeñas ediciones para bibliófilos y en los

panfletos políticos extremistas si se produ-jeron interesantes ejemplos con innovadores resultados.Desde un punto de vista formal la utilización de los distintos alfabetos no pasa de tener un objetivo informativo y universal pero refle-

jando el sentido individual daña-do por la indus-trialización y los políticos. Si bien el expresionismo produjo resulta-dos destacados durante un breve periodo, hasta hoy son visibles sus huellas. Se reconoce y val-ora el intento de crear una expre-sión personal sin consideración a las reglas del es-tilo dominante. Trabajando la piedra de lito-grafía o la made-ra los artistas se encontraban en disposición de dar forma a sus ideas. Los artis-tas expresionistas pronto integraron los productos de

esos experimentos tipográficos en su reperto-rio. El individualismo fue la fuerza por una parte pero la debilidad por otra pues las repeti-ciones y la no transmitibilidad a todas las áreas del diseño limitaron las posibilidades e impidieron que pudiera surgir un movimiento renovador amplio.

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GALERÍA

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GALERÍA

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Paulina JaramilloFuturismo

Con el comienzo del siglo escritores, pin-tores, diseñadores y tipógrafos se aventuran en la búsqueda de nuevos modos de expre-sión. El futurismo fue uno de los primeros movimientos que supuso una ruptura frontal con las formas tradicionales.

Los increíbles avances tec-nológicos de la época ll-evan a los futuristas a mitificar a la máquina y a convertir a la veloci-dad en su re-ligión. Como líder indis-cutible de este movimiento podemos de-stacar a Filip-po Tommaso M a r i n e t t i (1876-1944). Los diseña-dores intentan capturar la energía de la velocidad con arcos dinámi-cos y super-e s t r u c t u r a s en la página. Los textos se reparten por la página a modo de collage y forman formas constructivas, el método estándar de lectura desde hace siglos es cuestionado en muchos trabajos de los futuristas. Otro rasgo defini-torio de este periodo es que el tipo y las le-tras se convierten en elementos autónomos de diseño empleados de forma libre, se acu-de al fuerte contraste de formas y tamaños y el uso de la línea diagonal con el texto y la repetición secuencial del mismo hace surgir una tipografía de símbolos verbales.

En esta era de la velocidad nadie está intere-sado en el desarrollo de un alfabeto destinado

al uso corriente, son los tipos ya existentes los que sirven para cualquier propósito reducién-dolos, cortándolos y modificándolos, sirvién-dose para este fin de tipos romanos, sans serif o slab serif. Los futuristas rusos si bien tuvi-eron una vida efímera, si que sirvieron para

que a partir de el-los nacieran otros movimientos que llevaron la ex-ploración de la tipografía a nue-vos límites.

Destacar por ejemplo el im-pacto que las pinturas geomé-tricas de Kasi-mir Malevich tuvieron sobre El Lissitsky. Tam-bién corresponde a esta época el libro de Vladi-mir Maiakovsky “Una Tragedia” que diseñado por Vladimir y David Burliuk hacía un uso sorprendente de los espacios en blanco con fuertes contras-tes de tipos de letra, dirección y tamaño todo ello

dirigido a crear un impacto emocional en el lector y que puede ser considerada un ante-cedente directo del diseño posterior a la Revo-lución rusa.

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Paulina JaramilloArte Gótico

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos sig-los de la Edad Media, desde mediados del si-glo XII hasta la implantación del Renacimien-to (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en mo-mentos cronológi-cos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien dis-tinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejem-plos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

El neogótico

En el siglo XIX, el entusiasmo romántico por lo medieval (como reacción frente al neoclas-icismo academicista) y el historicismo, lleva a cabo amplias restauraciones de edificios medievales, llegándose a establecer el estilo neogótico, arquitectura realizada a imitación de la gótica medieval. Se sueña a partir de este momento con un renacimiento del arte medieval, llenándose de nuevo contenido al término “gótico” que empieza a distinguirse y

separarse claramente del románico.Fue destacada la intervención del arquitecto francés Eugène Viollet-le-Duc.

Flagelantes en un grabado del siglo XV. La religiosidad ex-tremada fue una de las reacciones a la crisis demográfica bajome-dieval. El grabado abrió nuevas posi-bilidades no sólo a la expresión artística, sino al desarrollo tec-nológico, a la comuni-cación de las ideas y a la popularización de la cultura, que culminó con la imprenta.

El arte gótico propia-mente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media. Se suele indicar que fr-ente al arte románico (que refleja una socie-dad ruralizada de guer-reros y campesinos), el gótico coincide con el máximo desarrollo

de la cultura urbana donde aparece la burgue-sía, las universidades y el florecimiento de las órdenes religiosas (monásticas como el Cister y mendicantes como franciscanos y domini-cos), así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y finalmente los pavorosos espe-ctáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la historiografía materialista, la transición del feudalismo al capitalismo).

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El Barroco fue un periodo de la historia de la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Re-nacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la influyente Iglesia Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimien-tos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma prot-estante.Como estilo artístico el barroco sur-gió a prin-cipios del siglo XVII y de Italia se irradió ha-cia la mayor parte de Eu-ropa. Du-rante mucho tiempo (si-glos XVIII y XIX) el término bar-roco tuvo un sentido peyorativo, con el sig-nificado de recargado, desmesura-do e irracio-nal, hasta que posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio d’Ors.

La palabra barroco fue inventada por críticos posteriores, más que por los practicantes de las artes en el siglo XVII y principios de si-glo XVIII, es decir, los artistas que plasma-ban dicho estilo. Es una traducción francesa de la palabra portuguesa “barroco” (en espa-ñol sería “barrueco”), que significa “perla de forma irregular”, o “joya falsa”. Una palabra antigua similar, “barlocco” o “brillocco”, es usada en el dialecto romano con el mismo sentido. También se le llama “barro-coco”. Todas ellas significan lo mismo. Otro interpre-

tación lo deriva del sustan-tivo “Baroco”, usado en tono sarcástico y polémi-co para indicar un modo de razonar artificioso y pedante. En ambos casos el término expresa el con-cepto de artificio confuso e impuro, de engaño, de capricho de la naturale-za, de extravagancia del pensamiento.El término “barroco” fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a dife-rencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII ). Fue finalmente rehabil-itado en 1888 por el his-toriador alemán de arte Heinrich Wölfflin (1864-1945), quién identificó

al Barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte “elaborado”.

Barroco

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Paulina JaramilloCINEMA 4D

Cinema 4D es un programa de creación de gráficos y animación 3D desarrollado originariamente para Commodore Amiga por la compañía alemana Maxon, y portado posteriormente a plataformas Windows, Linux y Macintosh (OS 9 y OS X).

Permite modelado (primitivas, splines, polígonos), texturación y animación. Sus p r i n c i p a l e s virtudes son una muy alta velocidad de renderización, un interfaz altamente personal izable y flexible, y una curva de a p r e n d i z a j e (comparado con otros programas de prestaciones p r o f e s i o n a l e s similares) muy vertical; en poco tiempo se aprende mucho.Una de las características más destacadas de Cinema 4D es la modularidad.

Partiendo de una versión básica de Cinema 4D pueden añadirse módulos especializados independientes en función de las necesidades del proyecto a realizar:Despliegue UV y creación de texturas por proyección directa sobre el objeto. Este módulo se integra a Cinema 4D desde la versión 10 pero está disponible como programa independiente (StandAlone)Iluminación global, cáusticas, oclusión de ambiente, profundidad de campo y otros efectos fotorrealistas, generador de cielos volumétricos. Este módulo, desde la versión 2.6, contiene también PyroCluster, una herramienta de generación de partículas complejas, llamadas volumétricas, como

humo, polvo, llamas, vapor, etc.El renderizado de Cinema 4D es verdaderamente impresionante ya que entre más complejo sea un diseño y más características se le agregan, este se verá más real. Una de las cualidades más sobresalientes es que permite realizar renderizados que se pueden guardar en diversos formatos como JPG, BMP, TIFF, etc. Incluso es posible guardar archivos PSD con

capas, con lo que es posible obtener capas individuales para sombras, color, brillo, etc, y trabajarla directamente en Adobe Photoshop o cualquier otro programa que acepte archivos PSD.De las características más notables es que se pueden renderizar videos en HD (High Definition).

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Paulina Jaramillo Art Decó

El estilo Art Decó se da a conocer en la Exposition Internacionale des Artes Dècoratifs et Industriels de 1925 celebrada en París. Entre las obras que se engloban bajo la denominación de Art Decó hay ciertos tipos y prácticas caligráficas que imprimieron un sello inconfundible a algunas obras de imprenta del período de entreguerras y sobre todo en el campo de la publicidad elegante en forma de revistas y carteles.

A través de las líneas geométricas básicas los principales motivos utilizados por este estilo eran patrones florales provenientes del Art Nouveau y los nuevos planteamientos del cubismo y el poscubismo. A diferencia de los seguidores de la “tipografía elemental” los diseñadores del Art Decó no querían cambiar la sociedad en la que vivían, al contrario ellos querían destacar el mundo del consumismo. Esto es evidente en revistas, libros y posters de la época y también en el mundo de la arquitectura, moda, mobiliario, etc.

Las creaciones tipográficas del Art Decó fueron diseños en general muy decorados y poco utilizables excepto para fines publicitarios. Eran alfabetos abstractos, geométricos y de formas elementales y muchos no estaban basados en la tipografía tradicional recurriendo en ocasiones a dotar a las letras de formas tridimensionales. El principio por el que se regían estos alfabetos era la decoración quedando la legibilidad en un segundo plano.

El cartelista más notable de este período fue A. M. Cassandre (1901-1968) y unas de las fuentes más utilizadas Broadway diseñada por Morris Benton y lanzada por America Typefounders y también por Monotype. La creatividad del período Art Decó está íntimamente ligada a otras manifestaciones de la época como

la electrificación universal, las líneas aerodinámicas y el comienzo del jazz.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo

formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia.

En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

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BIBLIOGRAFÍAPrincipales estilos gráficos de los siglos XV al XX. Internet. Una recopilación de José Ramón Penela ,editada por Angel E. Iglesias Delgado, Acceso 22septiembre 2009

art nouvea, Internet.todacultura.com, Acceso 22 septiembre 2009.

Algunas Pinturas, son Creación de Paulina Jaramillo

Resto de texto y fotos. Internet. wwww.google.com, Acceso, 22 septiembre 2009

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