[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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Presentación
Comienza el verano y aunque el fin de curso siempre es duro, desde Ecos de Asia hemos tratado de amenizarlo con interesantes y refrescantes artículos de lo más variado. Así, entre estas páginas (y tras una portada que nos lleva al más cosmopolita Seúl) encontraréis arte, historia, literatura, pero también algún que otro detalle original que, esperamos, os sorprenda.
En esta ocasión, podréis ver un predominio de artículos que tienen como tema Oriente o Asia en general, y que nos aportarán una visión más amplia del “lejano Este”. Por supuesto también viajaremos a algunos países como Corea, China, la India, o el siempre presente País del Sol Naciente.
A comienzos de junio, Carolina Plou Anadón nos sorprendía con un artículo referente a las influencias orientales presentes en la música de Bruno Oro, el televisivo actor de Polònia y, esta misma colaboradora, dio comienzo a una apasionante serie que nos llevará a través de La Ruta de la Seda. Otras series hallaron su continuación en este mes, como la referente a las Grandes tumbas Tang, conducida por María Gutiérrez y Pablo Begué, o el análisis político de Héctor Tome Mosquera en ¿De dónde sale el pacifismo japonés? II. David Lacasta continuó ilustrándonos sobre las campañas japonesas en Corea, esta vez a través de la cinta coreana The Admiral, Roaring Currents (2014), mientras que Marisa Peiró Márquez siguió desvelando los mecanismos empleados en la animación japonesa infantil con Momotaro va a la guerra II. Así mismo, Elísabet Bravo puso fin a su terrorífica serie sobre el cineasta Paul Naschy con Un hombre lobo español en Japón III.
No todo iban a ser despedidas en este fin de curso sino que, de la mano de Carolina Plou y María Gutiérrez, comenzamos dos series nuevas relativas al contacto y las influencias entre Oriente y Occidente. La primera, os trasladará a vuestra más tierna infancia con la teleserie de animación Las tres mellizas, mientras que con la segunda desearéis volver a ser niños para atesorar todas las muñecas de resabio oriental de El reflejo del otro I.
El mundo del audiovisual viene representado en este número por dos artículos de Laura Martínez referentes al drama coreano Princesa (2013) y Aisha (2010), una reinterpretación del clásico de Jane Austen, Emma, en clave hindú. Para poner
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Historia y Pensamiento
La Ruta de la Seda I. Los comienzos: desde la Antigüedad al siglo III d.C.. Por Carolina Plou. 4
Grandes tumbas Tang II: Características generales. Por Pablo Begué y María Gutiérrez. 8
¿De dónde sale el pacifismo japonés? II. Por Héctor Tome. 12
Cine y Televisión
The admiral roaring currents (2014) y la segunda campaña japonesa en Corea. Por David Lacasta. 19
Aprendiendo Asia I: un, dos, tres, la bruja nos envía a Oriente. Por Carolina Plou. 23
Princesa (2013) la delicadeza de la belleza herida. Por Laura Martínez. 29
Momotaro va a la guerra: infancia, propaganda y animación II. Por Marisa Peiró. 33
Un hombre lobo español en Japón. La aventura de Paul Naschy en el País del Sol Naciente III. Por Elísabet Bravo. 39
Cuando Emma se puso el sari: Aisha. Por Laura Martínez. 44
Música y escenarios
Influencias orientales en la faceta musical del polifacético Bruno Oro. Por Carolina Plou. 50
Cultura Visual
De la cartela a YouTube: un acercamiento a la publicidad japonesa. Por Pablo Begué. 55
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punto y final al mes, os recomendamos sumergiros en el mundo de la sugestión publicitaria nipona con el artículo de Pablo Begué: De la cartela a Youtube.
Estos artículos vienen, como es habitual, aderezados por críticas cinematográficas y reseñas literarias de nuestros colaboradores María Gutiérrez, David Lacasta, Ana Asión, Laura Martínez, Carolina Plou, o Elisabet Bravo. A ello debemos añadir la reseña del último videojuego de Tomb Raider a cargo de Marina Royo, y de la serie anime Sailor Moon Crystal por María Gutiérrez.
Nos despedimos así, deseándoos a todos un feliz verano, lleno de viajes a Oriente. Pero eso será ya en el siguiente número.
Fdo. La Dirección.
Ecos de Asia somos:
Dirección y coordinación: Marisa Peiró, Carolina Plou.
Tesorería: Marisa Peiró.
Secretaría: Carolina Plou.
Responsable edición web: María Gutiérrez, Marisa Peiró.
Responsable edición en pdf: Carolina Plou.
Comité de redacción: María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou.
Comité científico: Ana Asión, Elísabet Bravo, María Galindo, María Gutiérrez, David Lacasta, Laura Martínez, Marisa Peiró, Carolina Plou, Claudia Sanjuán.
Colaboradores en materia web: Alberto Clavería y Fernando Sánchez.
ISSN 2341-0817
ÍNDICE DE CONTENIDOS
Varia
El reflejo del otro I: la interpretación de Oriente a través de la muñeca popular occidental. Por María Gutiérrez. 61
Crítica
Reseña literaria: La katana del lamento, de Fubo Hayashi. Por María Gutiérrez. 66
El castillo de los búhos. Por David Lacasta. 68
Crítica: When Marnies was there (2014). Por Ana Asión. 70
Crítica: Tomb Raider: Definitive edition. Por Marina Royo. 72
Crítica: The Pirates (2014). Por David Lacasta. 74
Crítica: Sailor Moon Crystal Edition. Por María Gutiérrez. 76
Crítica: Firestorm (2013). Por Laura Martínez. 78
Reseña literaria: Mi nueva primavera, de Kobayashi Issa. Por Carolina Plou. 80
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Ya tuvimos ocasión de recordar a través de un
artículo introductorio la trascendencia que la
Ruta de la Seda tuvo tanto para Oriente como
para Occidente. En esta ocasión, queremos
ocuparnos con más detenimiento de las
distintas etapas que experimentó este
itinerario.
Para remontarnos a la primera época de esta
ruta, debemos detenernos primero en la
procedencia de su producto estrella: la seda.
Los orígenes de la seda en China se vinculan,
de manera un tanto legendaria, con una
mujer, Lei-tsu, concubina del emperador
Huang-di,1 que quedó prendada del tacto del
capullo en el que se había refugiado un
gusano, y quiso confeccionarse un vestido.
Independientemente de esta leyenda, la
fabricación de la seda fue durante mucho
tiempo un secreto cuidadosamente guardado
por el enorme valor comercial que alcanzó
este tejido, hasta tal punto que estaba
prohibido desvelarlo bajo pena de muerte.2
1 Emperador legendario de la tradición china, uno de los Cinco Emperadores mitológicos que precedieron a la dinastía Xia, la primera dinastía de la historia de China. Se considera que Huang-di reinó entre los años 2698 a.C. y 2598 a.C. 2 En la actualidad ya no es ningún secreto: se trata de un proceso muy complejo, que se inicia con un correcto cuidado de los huevos, a una temperatura uniforme y muy suave. A las orugas se las alimenta con hojas de morera de características particulares, finamente picadas, cada media hora. Durante el crecimiento de los gusanos debe evitarse cualquier brusquedad: corrientes de aire, ruidos intensos u olores fuertes podrían arruinar el lote. Una vez crecidos los gusanos, se seleccionan los buenos hilanderos, a los que se coloca en lugares especialmente diseñados,
Desde el primer momento, la seda estuvo
reservada para la corte imperial, y era muy
valorada por su textura y voluptuosidad, así
como por su valor térmico (la capacidad para
resultar refrescante en verano y cálida en
invierno). Con el paso del tiempo, su uso fue
ampliándose y calando en la sociedad. Al
parecer, salió de China por primera vez en
forma de regalo, durante la dinastía de los
Han, entre los años 202 a.C. y 220 d.C., como
parte de las embajadas para establecer y
mantener relaciones diplomáticas con
pueblos como los xiongnu,3 los yuezghi4 o los
estimulando la formación del capullo. Justo en el momento en el que el capullo ha terminado de formarse, antes de que la crisálida lo rompa, se procede al escaldado. Con esto se consigue, por un lado, ahogar las crisálidas, y por otro, que se deshaga la sericina, la sustancia que mantiene el hilo pegado. Llegados a este punto, solo queda deshilachar el hilo de cada capullo para crear hilos más gruesos. 3 Los xiongu son un pueblo nómada de Asia Central, cuyo origen étnico constituye todavía hoy un misterio. Aunque existe una cantidad relativamente importante de información sobre este pueblo, toda ella procede de fuentes chinas de la época, con escasos vestigios de otro tipo. Durante la época de la Dinastía Han, mantuvieron un contacto tenso y hostil con China, que pasó en primer lugar por un sistema de matrimonios concertados (durante el cual se produjeron los obsequios de seda china), que no logró apagar las tensiones entre ambos estados, con lo que se llegó a una guerra abierta en el año 134 a.C., con el que China consiguió una fragmentación de los pueblos unificados bajo la bandera xiongu. En el año 53 a.C., éstos pasaron de ser un estado en igualdad de condiciones con China a ser un pueblo vasallo. Su desarrollo posterior se pierde en el tiempo; sin embargo, en la actualidad existen voces expertas que consideran a los xiongu los antepasados del pueblo huno. 4 Los yuezhi constituyen un misterio para los investigadores, que no terminan de ponerse de acuerdo sobre el pueblo al que hacen referencia. Hay teorías
La Ruta de la Seda I. Los comienzos:
desde la Antigüedad al siglo III d.C.
Por Carolina Plou
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wusun,5 que
amenazaban el
mantenimiento de la
dinastía Han.
También se tienen
noticias de obsequios
diplomáticos de seda
enviados hacia el año
115 a.C. al Imperio
Parto.6 Esta
delegación, enviada
por el emperador
chino Wu de Han
(más conocido como
Liu Che, el guerrero)
se considera la
apertura de la Ruta de la Seda, aunque hubo
caminos precursores desde el Paleolítico.7
que los relacionan con los kushán, mientras que otros los emparentan con los tocarios. Existen también la hipótesis de que yuezhi fuese otra denominación para los wusun, y ambas denominaciones chinas equivaldrían a la denominación occidental de tocario. 5 Respecto a los wusun, se desconoce si fueron un pueblo independiente en convivencia con los yuezhi o si en realidad ambos eran uno solo. También existe muy escasa información sobre sus orígenes, usos y costumbres. Se cree (a través de las descripciones chinas) que podía tratarse de un pueblo caucásico, y que su modo de vida se fundamentaría en la ganadería y la cría de caballos. 6 El Imperio Parto, también conocido como Partia, tenía su núcleo central en el territorio actual de Irán, aunque en su expansión llegó a controlar regiones adyacentes entre las que destaca Mesopotamia, poco antes del momento de recepción de esta delegación. Desde mediados del siglo I a.C. los enfrentamientos con Roma supusieron un fuerte debilitamiento del imperio y el principio de su decadencia, que se prolongó hasta que a comienzos del siglo III d.C. los arsácidas, dinastía reinante en el Imperio Parto, fueron derrocados por los sasánidas encabezados por Ardacher I. 7 Se tiene conocimiento de comercio de piedras semipreciosas, como el jade (concretamente, nefrita) y el lapislázuli, desde el II milenio a.C. El Imperio Persa, en tiempos de Darío I (siglo V a.C.) contaba con un Camino Real con numerosas ramificaciones, que recorría casi tres mil kilómetros, desde la antigua ciudad de Susa (ubicada 240 kilómetros al este del Tigris) hasta Sardes, en Asia Menor, próxima a la costa
La primera etapa de la historia de la Ruta de
la Seda tiene como protagonistas, además de
a China y a los pueblos de Asia Central, a los
imperios Parto y Romano. La batalla de
Carras,8 que enfrentó a ambos en el año 53
a.C. (cuando Roma todavía era una
República), fue el primer conocimiento que
Occidente tuvo de la seda: tras la derrota, los
romanos supervivientes describieron unas
brillantes banderas que sus perseguidores
partos enarbolaban. Este conocimiento
simbólico inauguraría la relación y el interés
de Occidente por este producto.
La estabilidad política existente entre los
distintos núcleos políticos a lo largo del
recorrido (desde la China Han hasta Roma –
especialmente desde su constitución en
mediterránea. Una red de comunicaciones de magnitud parecida estableció Alejandro Magno en su imperio, llegando hasta Alejandría Escate, ciudad que él mismo fundó, cercana a la actual frontera de Tayikistán, que posteriormente se convertiría en un enclave fundamental de la Ruta de la Seda. 8 La batalla de Carras, que se saldó con una derrota para Roma, fue causada por la ambición del general Marco Licinio Craso, uno de los componentes del triunvirato que regía la República junto con Cneo Pompeyo Magno y Cayo Julio César. Craso invadió Partia sin consentimiento del Senado, protagonizando uno de los peores desastres militares de la República.
Mapa en latín con los principales recorridos de la Ruta de la Seda en época antigua (fuente: wikipedia).
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Imperio–, pasando por el Imperio Khusan al
norte del subcontinente indio) favoreció el
desarrollo de contactos a lo largo del
continente euroasiático. Se comerciaba,
fundamentalmente, con seda,9 pieles,
especias, perfumes, metales, tintes, muselina
de algodón, productos medicinales, piedras y
metales preciosos.
Pero no fueron únicamente contactos
comerciales los que se entablaron a lo largo
de la Ruta de la Seda entre los siglos I a.C. y
III d.C., sino que las relaciones diplomáticas
fueron especialmente fluidas: se tiene
constancia de una embajada india en Roma
en torno al año 20 a.C., del envío de un
embajador a China por parte de Antonino Pío
(138 – 161), de la presencia de acróbatas
romanos en China en torno al año 120…
Este ambiente resultaba especialmente
propicio para el intercambio de ideas, ámbito
en el que las religiones tuvieron un gran
protagonismo. En tiempos de Marco Aurelio
(161 – 180) llegó a Roma un filósofo indio,
que dio a conocer el brahmanismo.10 Del
mismo modo, en dirección contraria, el
budismo se expandió hasta penetrar en
China. El budismo había surgido en el siglo V
a.C. en la región de Gandhara, al norte de la
India. Esta zona estaba, en el periodo que nos
ocupa, dominada por la Dinastía Kusana.11 A
través de la Ruta de la Seda, llegaron a China
9 Diversas fuentes romanas hicieron referencia a estos contactos y al producto estrella que se adquiría: tanto Virgilio en las Geórgicas como Plinio en su Historia Natural hablan del país de los seres (denominación que recibían los chinos en el Imperio Romano), explicando que eran célebres por la “lana de sus bosques”, unos finos vellones que retiraban de determinados árboles después de haber regado previamente las hojas. 10 El brahmanismo es un estadio intermedio entre la religión védica (cuyo fin se establece en torno al siglo VI a.C.) y el hinduismo histórico. 11 Dinastía fundadora de un imperio entre los años 20 y 250 d.C., se cree que pudiera tener origen en una tribu yuezhi.
religiosos kusanos, que transmitieron las dos
ramas del budismo (hinayana y mahayana).
Más allá de todo esto, puede percibirse
durante esta etapa una primera oleada de
influencia real de Occidente hacia Oriente.
Precisamente, es la región de Gandhara
donde se percibe esta influencia, a través del
desarrollo de una corriente cultural con unas
manifestaciones artísticas muy
características, estrechamente vinculadas a
las formas del arte grecolatino.
La iconografía de Buda (después de su fase
anicónica)12 parte de las representaciones de
los dioses y emperadores romanos. Son obras
financiadas y encargadas por comerciantes,
banqueros, mercaderes y funcionarios
menores de la administración. Esto es debido
a que el budismo mahayana era accesible a
todas las castas, ya que predicaba que el
Nirvana se podía alcanzar a través del
esfuerzo. Nos han llegado representaciones
escultóricas realizadas en todo tipo de
materiales: piedras duras (pórfido, esquisto),
y estucos, a veces a mano y otras con moldes;
en arcilla… Estaban policromadas, a imagen
de las esculturas griegas y romanas.
Utilizaron incluso materiales incrustados
para dar viveza a las imágenes. Se representa
a Buda como un ser apolíneo, idealizado, un
hombre joven dentro del canon policlético,13
figuras potentes, amplias, de porte atlético y
juvenil, con muchos otros elementos que
12 En un principio, de la esencia de Buda no se derivaba la necesidad de hacer imágenes. En el momento en que el Buda histórico muere, se produce una mitificación, que genera la necesidad de tener un objeto concreto que concentre la veneración. Durante una larga época (desde el siglo III a.C. hasta el II d.C., aproximadamente) era tabú representar a Buda como hombre, y todos los símbolos que se utilizaban en escultura búdica aludían al Buda Sakyamuni, el Buda histórico. 13 El canon de Policleto es un sistema de proporciones de la figura humana que busca el equilibrio ideal. La base de este canon es que el cuerpo sea siete veces la cabeza.
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conectan con la escultura grecolatina (pelo
rizado, pliegues de las ropas, el realismo
idealizado del arte helenístico, la frontalidad y
escaso movimiento…). Incluso hay algún
elemento cuya vinculación es aparentemente
más profunda: el moño o doble cráneo, que
algunos estudiosos vinculan con Apolo, como
ser iluminador. Las disposiciones y caídas de
las ropas también recuerdan a las esculturas
imperiales romanas.
Otra figura occidental que tuvo un gran
calado fue la de Heracles o Hércules, que se
asimiló iconográficamente a Vajrapani
(de vajra, rayo o diamante, y pani, en la
mano), uno de los más
tempranos bodhisattvas del budismo
mahayana.14 La iconografía es idéntica:
semidesnudo, muy fornido, con un paño,
14 Vajrapani es el protector y guía del Buda y simboliza su energía. Fue utilizado extensivamente en iconografía budista como una de las tres figuras protectoras que rodeaban a Buda. Cada una de ellas simboliza una de las virtudes del Buda: Manjusri (la manifestación de la sabiduría), Avalokitesvara (la compasión de Buda, Kanon en Japón), y Vajrapani, la energía de Buda.
armado. Esta imagen se trasladó
posteriormente a otras zonas geográficas,
concretamente a China y Japón, ya no como
bodhisattva, sino convertido en uno de los
reyes guardianes.15
Los putti o angelitos también llegan en la
Antigüedad a Oriente, convertidos en
personajes celestiales que acompañan a los
Budas y bodhisattvas. Conservan sus
elementos característicos: roleos,
cornucopias… Harían lo propio
otras figuras mitológicas, como
centauros, e incluso las figuras
de Atlas y de Boreas.16
A partir del siglo III d.C.
aproximadamente, se producen
una serie de cambios en el
panorama sociopolítico de la
Ruta de la Seda que
condicionan la naturaleza de
las relaciones que se establecen
a lo largo de este camino. Las
sucesivas etapas
protagonizarán el siguiente
artículo de esta serie.
15 Reyes guardianes, Guardianes del Mundo, Deva-raja, T‟ien-wang, Shi-tenno… son múltiples las denominaciones alusivas a los cuatro dioses que viven en el Monte Axial o Monte Meru. Son los guardianes de los cuatro cuadrantes del mundo y de la doctrina búdica (las Cuatro Nobles Verdades de Buda: existe el dolor y el sufrimiento, existe una causa del dolor, que es el deseo; el dolor puede cesar, se puede alcanzar el Nirvana, suprimiendo el deseo, y existe una vía o camino para liberarse del deseo: el Camino Santo de los Ocho Miembros). Reprimen a los malvados y protegen todos los lugares donde se enseña el Bien, y para ello ofrecen aspecto demoníaco, con sus cuerpos protegidos con armaduras y yelmos y coronas en sus cabezas. 16 Boreas es el dios del viento romano, y su iconografía se extiende hasta Japón, donde el kami o dios del viento sintoísta se representa con el mismo aspecto y atributos que la deidad occidental.
Comparativa entre una escultura clásica y una imagen de Buda.
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Mediante entregas anteriores pudimos
aproximarnos al contexto de la dinastía Tang,
que se extendió entre los años 618 y 907, un
momento de brillantez dentro de las
manifestaciones artísticas vinculadas con la
cultura china, como la pintura -y más
concretamente el género del paisaje-, la
poesía o la ópera. Este período se caracterizó
por la presencia de dos figuras de gran
importancia, como son el emperador Gao
Zong y la emperatriz Wu Zetian. A través de
esta segunda entrega queremos aproximarnos
a las tumbas propiamente dichas,
considerando toda una serie de características
generales.
En cuanto a las diversas tumbas y
enterramientos que se llevaron a cabo
durante los años de duración de la dinastía
Tang, en primer lugar vamos a detenernos, a
modo de introducción, en una serie de
características generales.
Sus precedentes nos remontan a los
enterramientos de gente de alta clase social,
realizados más de mil años atrás del Período
Tang, y consistentes en hoyos de grava con
bóvedas subterráneas, siendo la mayoría
réplicas de habitaciones, mansiones o
palacios, decoradas con imágenes de la vida
terrestre, de la enfermedad y el mundo de los
espíritus y el Más Allá. Además, en ellas se
encuentran representaciones de humanos,
animales, comida y objetos de uso diario, así
como de los rituales funerarios llevados a
cabo. Las tumbas de los Tang también fueron
Grandes tumbas Tang II:
Características generales
Por Pablo Begué y María Gutiérrez
Entrada al mausoleo de Qianling.
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diseñadas para
albergar al difunto
y sus necesidades
y, por supuesto, las
de mayor tamaño,
pertenecían a los
emperadores.
No obstante, no
podemos olvidar
mencionar la
influencia de las
artes de la dinastía
Han, anterior a la
Tang en el tiempo,
cuyas majestuosas
tumbas ocupadas
por los difuntos
emperadores,
fueron la fuente de
inspiración inicial para la forma externa de
los enterramientos imperiales de los Tang.
Encontramos así una organización simétrica
respecto al eje central, delimitada por puertas
en puntos concretos del muro externo y calles
dispuestas en los ejes norte/sur y este/oeste,
dividiendo la ciudad en tres sectores:
Residencial, administrativo y palacial,
separados todos ellos mediante muros, y
separados, a su vez, de los centros religiosos y
las residencias oficiales del norte de la capital.
La dinastía de los Han había construido
tumbas colosales para sus doce emperadores
con tumbas anexas para sus emperatrices
consistentes en un montículo piramidal
truncado de tamaño colosal realizado con
tapial, siempre de base cuadrangular. Así, se
enterraban los restos del emperador en unas
cámaras decoradas excavadas en la tierra.
Tenían numerosas fosas llenas con objetos de
enterramiento para apoyar los rituales de
carácter funerario, tal y como se comentará
posteriormente, y el mantenimiento de estos
espacios, así como un pozo, muros, puertas y
caminos procesionales, de los cuales el
principal conducía a la tumba del emperador.
Cada una de las tumbas de los emperadores
contaba con una tumba anexa destinada a su
emperatriz, realizada de manera similar
aunque a menor escala. Mientras la anterior
Dinastía Qin producía complejos de
mausoleos sólo para la figura del emperador,
las doce tumbas de los emperadores Han
fueron testimonio de la longevidad, el poder y
el prestigio de los que había disfrutado su
dinastía.
Entrada a la tumba de Zhaoling.
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Para los primeros gobernantes Tang, esta
longevidad y sustento de poder de los
antiguos emperadores se tomó como un
modelo a imitar, sin embargo, van a
introducir algunos cambios: donde los Han
habían dispuesto un eje este/oeste, los Tang
lo dirigirían norte/sur; de la misma manera,
la estatuaría funeraria y el aspecto externo
cobró unas
medidas
estandarizadas
bajo la dinastía
que nos ocupa.
La escala de sus
antecesores era
relativamente
modesta, a lo que
los Tang
añadieron una
mayor
explotación de
los recursos que
les rodeaban para
construir estas
gigantes tumbas
imperiales,
encontrando así
la intención del
emperador
Gaozu de
glorificar a su
propia familia.
Igualmente
atendería al deseo de su padre de ser
considerado como parte de una extensa
dinastía. Mantuvieron también las tipologías
de caminos rituales que dirigían hacia la
tumba del emperador y la emperatriz, además
de albergar una gran cantidad de bellas
esculturas talladas en piedra flanqueando este
camino, pudiendo encontrar pilares,
unicornios, figuras humanas, caballos,
leones…
De esta manera, Qianling, uno de los
primeros mausoleos de la dinastía Tang, se
construyó a unos 55 kilómetros al nordeste de
Chang‟an, con Yan Lide como responsable de
su diseño. A pesar de los deseos de Gaozu,
quien había deseado un tamaño de tumba
bastante superior al final, Qianling no fue del
todo modesto con las dimensiones (casi 150
metros cuadrados
de base),
haciéndola a su vez
más pequeña y
humilde que las de
los emperadores
Tang que le
sucederían.
Así, mientras los
primeros
emperadores
pertenecientes a la
dinastía Tang
mostraban sus
aspiraciones
dinásticas, los
siguientes buscaron
aumentar la
muestra de su
orgullo por la
continuación de
esta dinastía,
realizando varios
paralelismos con
las tumbas de los emperadores Han para
reforzar este punto.
Por su parte, la tumba de Zhaoling fue la
primera tumba del Período Tang en ser
construida en el interior de una montaña de
roca natural, reemplazando así la clásica
construcción de tapial. A finales del siglo VII
los elementos externos, que habían sido
diseñados a partir de la configuración de los
Han, terminaron por estandarizarse también
para los siguientes períodos.
Ejemplo de pieza de sancai respecto a tipología y policromía.
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Por último, y como ya hemos comentado, las
tumbas cuentan en su interior con una serie
de piezas y elementos que componen el ajuar
que acompaña al difunto en el Más Allá. Una
de estas piezas características son las
llamadas sancai. Sancai es el nombre que se
le ha dado a las cerámicas producidas durante
la dinastía Tang usando, o bien cerámica
blanca, o bien un tipo de arcilla granulada de
tonalidad amarillenta con la que se consiguen
un resultado similar a un esmaltado brillante
y multicolor. Aunque en un principio estas
cerámicas se denominaban “Tricolores”,
pueden tener únicamente un color, una
combinación de dos, tres o cuatro colores:
ámbar, marrón, verde, azul, crema, blanco,
amarillo y negro. Estos objetos suponen un
fenómeno inusual dentro de la producción
china, ya que las principales cerámicas usadas
en este momento se caracterizan por las
tonalidades verdes, negras o blancas. La
elección de estos colores propios
del sancai pudo venir influida por el contacto
con Oriente Medio. La mayor parte de los
objetos que se han encontrado hasta la fecha
pertenecen a tumbas, por lo que de ahí se ha
teorizado de manera general sobre su carácter
funerario.
Se desconoce el momento exacto en el que
el sancai aparece, las piezas más tempranas
pertenecen a la tumba de Zheng Rentai que
falleció en el 663, por otro lado, el ejemplo
más reciente fue encontrado en la tumba de
Peishi Xiaoniangzi Mu (✝850).
El sancaidesaparece durante el período
perteneciente a las Cinco Dinastías, pero se
retomará en la dinastía Liao (907 – 1125) y en
la dinastía Song (960 – 1279). La
cerámica sancai también se ha encontrado
fuera de China, es el caso de las piezas
encontradas en el Tôdai-ji de Nara o algunos
fragmentos en Sri Lanka, Egipto e Iraq.
Existen diversas teorías respecto a la función
de esta cerámica, pudiendo tratarse de
mercancías, o bien objetos de carácter
funerario o de uso cotidiano. Pueden adoptar
diversas formas: guardianes, hombres,
mujeres, caballos, camellos, utensilios,
muebles en miniatura… Se podría decir que
estos objetos vienen a representar la estética y
gusto del momento.
Tras este primer acercamiento a los
enterramientos propios de esta dinastía así
como a las piezas que componen sus ajuares,
en el siguiente artículo nos centraremos en
dos ejemplos concretos que ya hemos ido
mencionando a lo largo de esta entrega y su
precedente.
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Casi la mitad de Tokio se construyó sobre
basura compactada y prensada, territorio
ganado al mar. He ahí la metáfora del
pacifismo institucional japonés: toda su
base se cimienta en basura.
Como pudimos avistar en la anterior entrega
del artículo, el Japón reciente es un país que
no se caracteriza por haber conseguido
ningún logro político o social gracias a la
lucha y la movilización popular, sino que
recibió siempre sus avances por parte de
élites: la camarilla Meiji trajo el fin del
feudalismo; los parlamentaristas y
empresarios de principios del s. XX, la
democracia; y la constitución del pacifismo y
el sufragio universal y femenino fueron
impuestos por los estadounidenses. Todas las
manifestaciones de descontento popular
fueron debidamente aplastadas hasta su
degeneración, fueran campesinas, socialistas,
anarquistas o estudiantes. Lo que queda hoy
del partido comunista ha incluso aceptado al
emperador y la monarquía como institución.
Las luchas populares más importantes de esta
segunda mitad de siglo (Zengakuren17 aparte)
han sido sectoriales: la resistencia a la
construcción del aeropuerto de Narita y el ya
mencionado rechazo a la presencia miliar
estadounidense en Okinawa, y además no han
tenido ni gran respaldo ni efectos palpables.
17 Movimiento estudiantil de corte socialista y revolucionario que nació en la posguerra y tuvo su esplendor hacia finales de los sesenta, participando de las luchas contra el imperialismo norteamericano y tomando las calles y las universidades de todo el país. Consultar DOWSEY, S., Zengakuren, Ishi Press, Berkeley, California, 1970
Con estos datos, podemos deducir que lo que
lleva pasando en este último año
definitivamente está marcando un cambio de
tendencia. Las protestas iniciadas tras la
crisis de Fukushima y la lamentable gestión
de la misma han levantado una desconfianza
poco común ante los políticos y los intereses
empresariales. Las penosas condiciones de los
trabajadores en la planta nuclear, la pasividad
y lentitud de reacción de las autoridades para
gestionar el desastre, que dejó a gran parte de
la población de la que es el área más
ruralizada y empobrecida del país con la
única ayuda de los lazos comunales y los
tratos de favor con la yakuza, mostró
nuevamente la indefensión del pueblo nipón
ante el escaso compromiso del gobierno por
los problemas sociales de un país en el que la
competición es rutina y el fracaso no es una
opción.
La pasividad japonesa y su poco interés por
los asuntos de política ha de ser vista más
como un servilismo que como una decisión
consciente. Japón cuenta con la brecha
salarial entre ricos y pobres más baja de toda
Asia, y por ende, es una de las sociedades más
igualitarias del mundo en el plano monetario.
Pero estos “milagros económicos” esconden la
fuerte presión laboral, el enorme ratio de
suicidios y muertes relacionadas con el
exceso de trabajo (denominadas karoshi), la
aún gravísima discriminación social y
laboral de la mujer (considerada la más alta
entre países desarrollados), la existencia de
parias sociales los burakumin, pertenecientes
a un vetusto sistema de castas que no
existe de iure pero funciona de facto, la
¿De dónde sale el pacifismo
japonés? II Por Héctor Tome
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 13
invisibilización de los que no encajan con el
modelo de sociedad imperante (la casi total
destrucción planificada de la cultura ainu de
la isla norteña de Hokkaido durante la era
Meiji es un buen ejemplo, pero ahora mismo
tenemos también el racismo latente en todos
los aspectos socioeconómicos), o el mismo
sistema económico que funcionó basado en la
especulación pero que se ha mantenido en
crisis desde más veinte años y que la única
alternativa que presenta ahora a una nueva
juventud cada vez más alienada
por idols televisivos y ultraconsumismo son
los minijobs. Al final, el modelo económico y
social creado tras la posguerra se tambalea
sobre sus endebles bases y la falta de
opciones puede fácilmente conducir al
colapso a una civilización que ha mostrado
una extraordinaria capacidad de adaptación
al medio pero también exigente de una
rigidez y un sacrificio que, cada vez más, sus
habitantes parecen menos interesados en
aceptar.
El pacifismo y la
quietud zen que
contemporáneamente
se le han atribuido al
pueblo japonés, como
vemos, tienen detrás
una historia de
derrotas, fracasos y
brutalidades. Y lo peor
es que este pacifismo
aceptado por la
mayoría social está
gravemente
amenazado. No es ya
que el rechazo frontal
de la guerra y el
conflicto que presentan
los japoneses esté
fundamentado en la pasividad frente a
cuestiones tabú (la falta de comunicación y
atención a problemas psicosociales, la dureza
de sus sistema judicial y penitenciario, la
existencia velada de un enorme gasto militar
o la inexistencia de oposición a la pena de
muerte,18 que aún existe y se cobra decenas
de vidas cada año), es que además el nuevo
gobierno del PLD formado este pasado año ha
hecho enteros para lograr lo indecible: hacer
enfadar al japonés medio.
Para empezar el actual presidente, Shinzo
Abe, no es un rostro nuevo en la política
japonesa. Y su linaje tampoco. Su abuelo,
Nobusuke Kishi fue miembro de la camarilla
militar de la Segunda Guerra Mundial y lo
único que le salvó de ser juzgado por
crímenes de guerra fue el plan yankee para
reconstruir una derecha política fuerte en la
posguerra que garantizara estabilidad
estratégica al país (no por nada fue encargado
de firmar el Tratado de Seguridad Mutua
cuando ocupó el cargo de primer ministro).
Su tío abuelo Eisaku Sato fue Premio Nobel
de la Paz en la época en la que se les
18 Resulta también interesante destacar un informe elaborado por Amnistía Internacional, un poco antiguo, pero igualmente de actualidad, disponible aquí.
Manifestante rompe el retrato-parodia de Shinzo Abe durante uno de las protestas por la dimisión del primer ministro el año pasado. Fuente: The Malay Online.
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entregaban a gente como Kissinger. También
fue encargado de reprimir al Zengakuren y
cerrar la universidad de Tokio, ofrecer sus
servicios a la política exterior de EE.UU. bajo
los principios de “no proliferación nuclear”
mientras escondía acuerdos extraoficiales
para emplazar misiles nucleares americanos
si ello fuera necesario en la lucha contra el
comunismo y repatriar el archipiélago de
Okinawa, anexionándose de paso las Islas
Senkaku, motivo de disputa con China desde
aquella. Otro tío abuelo
suyo, Yosuke Matsuoka,
fue enérgico colaborador
del régimen militarista,
murió en prisión. Y
finalmente, su padre,
Shintaro Abe, es quien
sale peor parado de
todos, pues fue uno de
los implicados en los
escándalos de corrupción
de finales de los ochenta
que llevaron a la
dimisión de la mitad del
gabinete político y fueron
causa de que su partido
perdiera las elecciones
por primera vez en su
historia. En su favor debe
decirse que por lo menos
su abuelo paterno sí fue
opositor de las políticas
expansionistas de Tôjô, pero pongamos esta
herencia familiar aparte (aunque resulte
difícil, dado que Abe siempre ha hecho gala
de ella) y juzguemos la carrera política del
actual primer ministro por sus méritos
propios.
Abe ejerció de jefe de gabinete del Jun‟ichiro
Koizumi (que basaba su popularidad en una
dudable similitud física con Richard Gere más
que en unas políticas neoliberales
destructivas) con el cual solía visitar el
santuario de Yasukuni, principal lugar de
peregrinación filofascista del país, donde se
les rinde homenaje a los caídos por Japón,
entre los que se encuentran al menos 14
criminales de guerra de clase A como el
mismísimo comandante Tôjô. En esta época
Abe se empezó a hacer famoso por potenciar
la impunidad y el negacionismo más flagrante
en cuanto crímenes de guerra. Abe estuvo
detrás de la acusación de censura al canal
público NHK cuando trató de emitir un
programa acerca de las “mujeres de confort”
(eufemismo para referirse a las mujeres
raptadas y violadas por los soldados
japoneses durante la época militarista). Su
revisionismo acerca de éstos temas es bien
conocido, pues forma parte de la Sociedad
para la Reforma de los Libros de Texto de
Historia desde la cual ha negado el
esclavismo y los abusos sexuales sufridos por
cientos de mujeres y las redujo a “prostitutas
por elección”, lo cual le produjo no pocas
Desfile militar en el Santuario Yasukuni. El templo sintoísta se ha visto envuelto en constantes polémicas después de que en 1978 se incluyera entre los kamis venerados a los Mártires de Showa,
los cuales el Tribunal Militar Internacional del Lejano Oriente consideró en su momento criminales de guerra. Fuente: USA Today.
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críticas y acabó con unas torpes disculpas
oficiales.
Dado que la situación de Japón respecto a los
crímenes de guerra cometidos es bastante
ambigua (algunos países agredidos
consideran que no ha habido todavía unas
disculpas oficiales válidas) la terquedad de
Abe en estos temas sólo echa más leña al
fuego. Desde la citada sociedad también
aprovechó para negar que Manchukuo, el
territorio continental conquistado en los
treinta, fuera un gobierno títere (no obstante,
como antes se señaló, el gobernador fue su
propio abuelo), para criticar la “excesiva
educación sexual” en las escuelas y para
promover que los libros de Historia se
centren en “fomentar una conciencia
nacional” (muy al estilo del control que
ejercían los funcionarios de la era Meiji y los
militaristas). Ante estos hechos uno puede
llegar a plantearse incluso si Abe tiene algún
tipo de problema con el pasado o con las
mujeres de su pueblo, pues lo único que
quedaría por añadir para completar el cuadro
es su negación a suprimir la “ley sálica” que
impide que las mujeres hereden el trono, otra
fuente de fricción en su gobierno.
Como contrapunto, Abe ha impulsado una
serie de leyes bajo el nombre de
womenomics, que en esencia, tratan de saltar
el techo laboral que supone para las mujeres
el matrimonio (que suele acabar con la
proyección profesional de la mujer al
confinarla en la mayoría de los casos al
ámbito doméstico). No es tanto que Abe se
preocupe mucho por la emancipación
femenina, como que cada vez más y más
mano de obra es necesaria, y la pérdida de
casi la mitad de ésta en un trabajo no
reconocido como son los labores domésticos y
de cuidados no resulta rentable para los
dividendos empresariales, que preferirían que
la mujer (casada, madre o como sea) no
abandone nunca el engranaje laboral como
pieza simple y reemplazable. Al fin y al cabo,
la brecha salarial entre sexos es tan enorme
en Japón que nadie espera que este “impulso”
al mantenimiento de las mujeres en el mundo
laboral se haga por el bien de ella mismas,
cuando menos del 10% de los cargos
directivos los ocupan mujeres, así que
obviamente, los intereses de las womenomics
van más por la obtención de trabajadoras
baratas y eficientes que por la ruptura del
binarismo sociogenérico. Consecuentemente,
este maquillaje institucional no ha evitado
que las polémicas se vengan sucediendo.19 Y
no sorprende, además, que las escasas
mujeres de las que se ha rodeado durante su
mandato cumplan los estándares de sexismo
y, o bien adopten el rol de pasividad asociado
a la fémina nipona, o bien formen parte del
permisivo juego que se les está haciendo a las
estructuras de desigualdad social, sexual,
económica y racial. No por nada, a la
encargada del Ministerio de Seguridad Eriko
Yamatani (que tiene bajo sus órdenes a
policía y fuerzas de autodefensa) ha sido
fotografiada con el líder de la organización
racista Zaitokukai y, aprendida la técnica de
la tradición política de su país, negó conocer a
aquella persona.
Todas estas experiencias ayudaron al primer
ministro a estar preparado para el bloqueo de
información sobre la actual situación en
Fukushima y para marcar otro orwelliano
paso en su política: el pasado 10 de diciembre
entraba en vigor Ley de Secretos de Estado,
con la oposición de dos tercios de la población
y la desaprobación de todas las
19 Hemos tenido en el último año sucesos de acoso institucional hacia las escasas mujeres que forman el parlamento, siendo apeladas a volver a los trabajos “propios de su género”, y por primera vez también, el inicio de acciones legales contra el sexismo institucional. Para más información: TOMOHIRO, O., Female civil servant sues over „institutional sexism‟ in her ministry, 2014 The Japan Times.
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organizaciones humanitarias y de
comunicación dentro y fuera país (desde el
Alto Comisionado por los DDHH de la ONU
hasta, al parecer, la asociación de dentistas
japoneses), de inspiración tan terrorífica
como su nombre puede sugerirnos, y que
establece una nueva etapa en la censura y la
represión política japonesa. El problema de
esta ley no es ya lo sumarísimo de las
sentencias que puede acarrear o lo arbitrario
de sus planteamientos, es que los acusados
bajo esta ley, que pierden inmediatamente el
estatus jurídico de presunción de inocencia,
se enfrentan hasta 10 años de cárcel por
revelar información que el gobierno, en
cualquier momento, pueda considerar como
“secreto”. Dado que los “secretos” de estado
son “secretos”, hasta el momento en que la
información sea dada a conocer, las fuentes
no podrán saber hasta qué punto estarán
incumpliendo esta nueva ley, lo cual nos sitúa
en un escenario de terror absoluto para los
periodistas e investigadores que metan sus
narices en asuntos peliagudos. Reservándose
el derecho a decidir lo que es secreto y lo que
no, la mayoría de los japoneses teme que esta
ley se emplee, sobre todo, para encubrir
escándalos y casos de corrupción, disciplinas
en las que ni el PLD ni el propio Shinzo Abe
son precisamente neófitos. El siniestro
paralelismo con la Ley Para la Preservación
de la Paz de 1925, que fue ampliamente
empleada en el período de entreguerras para
eliminar toda oposición política ya ha
desatado las alarmas entre abogados y
juristas.
Pero, por encima de todo, con gran diferencia,
la gota que ha colmado el vaso, la estrategia
maestra sobre la que Abe ha centrado todos
sus esfuerzos desde su llegada al poder ha
sido el intento por abolir el artículo 9 de la
Constitución. No lo ha logrado (aún), pero sí
ha echado hacia adelante reformas que van
erosionando más y más el resquebrajado
pacifismo institucional al mismo tiempo que
devuelven la crispación a las calles. Y también
ha conseguido ha sido sacar pecho en la pelea
de gallos asiática que están llevando a cabo
China, Rusia y Corea del Norte, y en la que
Abe está convencido de un modo casi
mesiánico de que su país tiene que interpretar
un papel principal. De todos modos, este
movimiento en falso no sitúa a Japón tan por
encima de sus competidoras económicas y
territoriales, si no que, por el contrario,
vuelve a postrar al país a los designios del
Imperio: a EE.UU. le sigue interesando que
en Oriente sus rivales se pisen unos a otros
(Japón al fin y al cabo es tan vasallo como
rival en el plano monetario), y la virtual
independencia militar que las reformas de
Abe intentan establecer de momento sólo han
conseguido que se vuelva al negocio de la
venta de armas (lucrativo para muchos
zaibatsu que ya hicieron su agosto en la IIGM
y la Guerra Fría) y a que su estado tenga la
potestad de interceptar misiles o buques que
amenacen territorio americano (las cercanas
Guam o Hawái) y de rastrear minas en el
estrecho de Ormuz, por no hablar de la nueva
base militar planeada para las tropas de
Washington en Futenma, en la que la traición
del gobernador de la prefectura de Okinawa
(que ganó las elecciones diciendo en su
programa que haría exactamente lo contrario
de lo que ahora está haciendo) hace que las
veteranas luchas por echar a los marines de
suelo nipón se intensifiquen. Como vemos, el
músculo que saca el PLD vuelve a ser
únicamente para levantar la pesa de los
intereses del dólar.
La obediencia y lealtad de los japoneses ya ha
sido probada con todo tipo de mecanismos de
control social a lo largo de siglos. También su
irascibilidad. Las últimas respuestas
populares han abordado desde
manifestaciones pacíficas que cubrieron toda
la geografía de norte a sur, hasta los intentos
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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de suicidio ritual al más puro estilo bonzo
(con todas las connotaciones que ello tiene en
Japón) por parte de un ciudadano en
Shinjuku el pasado junio y 11 de Noviembre
en Hibiya, parque central de la capital. Si bien
el primero fue detenido por los bomberos, el
segundo cumplió con su objetivo de protesta
contra el militarismo institucional y murió en
el acto.
Si bien el primer incidente fue cubierto por la
prensa internacional dadas las imágenes
virales en la web, el segundo no ha tenido
cobertura algun, casi igual que el reciente
lanzamiento de un cohete en Saitama,
prefectura vecina de Tokio, cuya autoría ha
reclamado un, desconocido hasta ahora,
Kakumeigun (literalmente, “ejército
revolucionario”) y cuyo objetivo parecía ser el
edificio de cierta empresa ligada a trabajos en
la susodicha nueva base de operaciones
militares estadounidenses de Okinawa.
En manos de las autoridades japonesas está el
cambiar de rumbo. En manos de sus
ciudadanos, retomar su autonomía y decidir
qué futuro quieren para su país y, por ende,
para gran parte del resto de Asia y del mundo.
Las cartas están sobre la mesa. Nadie quiere
más militarismo gratuito, nadie quiere más
justificación de la violencia. Ahora queda por
ver hasta qué punto el susodicho pacifismo
japonés es una máscara o, tras tantos años de
“aceptar lo insoportable y soportar lo
insufrible” (como les pidió Hiro Hito a sus
súbditos tras perder la guerra), aún quedan
tiempos duros para ser japonés.
Efigie del general Tôjô venerada en el Santuario Yasukuni. Fuente Universidad de Viena.
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[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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En un artículo anterior,
nos centramos en el
primer intento de
invasión de Corea
emprendido por el
dirigente japonés
Toyotomi Hideyoshi, cuya
invasión no suponía más
que el primer paso en sus
planes por hacerse con el
control de la China de los
Ming. En esta ocasión, nos centraremos en
exponer la segunda invasión de la península
coreana, ocasionada tras un largo periodo de
negociaciones fallidas entre China y Japón,
que desembocó en el año 1597 en un nuevo
ataque por parte de los japoneses.
En este segundo intento, Hideyoshi parecía
haber aprendido de sus errores pasados.
Desestimada desde el principio la conquista
de China, envió un nuevo ejército que,
sumando las tropas que ya se encontraban en
suelo coreano, ascendía a más de 140.000
hombres. La corte coreana tampoco
permaneció ociosa y, analizando cómo el caos
y la desorganización de su ejército durante los
primeros compases de la pasada guerra
habían permitido a los japoneses avanzar
profundamente en su territorio, el rey Seonjo
(1567-1608) y los principales generales, a
través de una serie de medidas destinadas a la
construcción y mejora de las fortificaciones,
así como otras encaminadas a lograr una
mejor organización del ejército, hicieron que
Corea se encontrara en mejor disposición
para esta segunda contienda. Del mismo
modo, la respuesta de China en esta ocasión
fue instantánea, enviando a un poderoso
ejército además de una fuerza naval con los
que poder repeler a los invasores.
La estrategia de las fuerzas japonesas fue
distinta a la de la primera invasión. Los
japoneses se dividieron en dos enormes
contingentes, el Ejército de la Izquierda y el
Ejército de la Derecha, pero pronto
comprobaron que las circunstancias habían
cambiado respecto al año 1592,
encontrándose a un ejército coreano y chino
mejor organizado, lo que hizo que los
japoneses se concentraran en defender los
territorios conquistados.
The Admiral, Roaring Currents
(2014) y la segunda campaña
japonesa en Corea Por David Lacasta
La flota japonesa desembarca en Corea durante los inicios de la segunda invasión.
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Es en este punto en el que se inicia
la película coreana The Admiral,
Roaring Currents (2014), que
narra parte de estos últimos
compases de la segunda invasión y
el papel destacado que el almirante
Yi Sun-sin jugó en la contienda.
Como vimos con anterioridad, Yi
Sun-sin ya había destacado como
un avezado estratega al mando de
la flota coreana, a la que había
guiado a la victoria a través de numerosos
enfrentamientos contra los japoneses, hasta
el punto de ser el principal causante del
fracaso de la primera invasión. El film
arranca en un momento crítico para los
coreanos: Yi Sun-sin, mediante una serie de
artimañas, ha sido relegado del mando,
siendo dirigida la flota por el incapaz Won
Gyun (1540-1597), quien, haciendo caso
omiso de los consejos de sus oficiales, se
enfrentó con la totalidad de la flota coreana y
sin planificación previa a los japoneses en la
batalla de Chilcheollyang, en el sur del país,
resultando en una aplastante derrota en la
que murió el propio Won Gyun y de la que
solamente consiguieron escapar doce barcos
coreanos.
Tras el fracaso, el monarca coreano restituyó
a Yi Sun-sin en su puesto y, contando
solamente con los doce barcos que escaparon
del desastre bajo su mando, trató de
reorganizar sus maltrechas defensas. Después
de la derrota de la flota coreana, los generales
japoneses decidieron que lo más conveniente
sería bordear con sus naves la península de
Corea por el oeste y transportar una gran
cantidad de tropas con las que atacar Seúl
sorpresivamente desde el mar. Yi Sun-sin y su
exigua flota son, por tanto, lo único que se
interpone entre la capital y el ejército japonés.
El largometraje dirigido por el coreano Kim
Han-min, quien ya había abordado el género
histórico en War of the arrows, del año 2011,
nos presenta una superproducción en la que
se narra el que es considerado como el mayor
éxito de Yi Sun-sin, en el que, contando con
una exigua fuerza, logró contener al enemigo
y salir victorioso de su enfrentamiento con los
japoneses. El film arranca con los
preparativos para el futuro enfrentamiento:
Yi Sun-sin, interpretado por el veterano actor
Choi Min-sik, se hace cargo de la situación,
preparando la estrategia y buscando el mejor
emplazamiento por donde hacer frente a los
japoneses. No hemos de olvidar que
estamos ante un largometraje de
producción coreana, por lo que
conoceremos las atrocidades
realizadas por las tropas japonesas,
en concreto por las capitaneadas por
Kurushima Michifusa (Ryu Seung-
ryong), quien se nos presenta como
principal antagonista del almirante
Yi.
El almirante Yi Sun-sin (Choi Min-sik), es restituido al frente de la flota coreana y deberá urdir un plan con el que derrotar a la poderosa armada japonesa.
La flota japonesa estará encabezada por Kurushima Michifusa (Ryu Seung-ryong), quién hará todo lo posible por derrotar a Yin Sun-sin.
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La película muestra la
delicada situación que
atraviesa el ejército coreano y
su desesperación ante la
supremacía marcial de los
japoneses. Tanto es así que Yi
Sun-sin tendrá que hacer
frente a deserciones e incluso
a un intento de asesinato por
parte de un oficial que no
confía en el criterio de su
superior, llegando incluso a prender fuego al
único barco tortuga con el que cuentan, una
embarcación acorazada y fuertemente
armada que ayudó en numerosas ocasiones a
los coreanos a hacerse con la victoria en los
enfrentamientos navales. Será tal la
superioridad numérica de los japoneses que
Yi Sun-sin se verá abocado a hacerles frente
en el peligroso estrecho de Myeongyang, en el
que son frecuentes los remolinos y los
cambios de corriente. El enfrentamiento,
denominado por los coreanos como “el
milagro de Myeongyang”, tuvo lugar el 26 de
octubre de 1597 y supuso un punto de
inflexión en la guerra, donde las exiguas
fuerzas de Yi Sun-sin, haciendo valer su
conocimiento del terreno y la astucia de su
comandante, contuvieron a la armada
japonesa formada por 133 naves, causándoles
innumerables bajas y forzándoles a retirarse.
El film se centra en el enfrentamiento entre
las dos armadas, comprendiendo el combate
naval más de la mitad de la narración. La
labor de producción y de la puesta en escena
es encomiable, presentando unas
reconstrucciones fidedignas tanto de las
naves como del armamento de la época.
Podremos observar como los japoneses,
siendo conscientes de la superioridad de sus
arcabuces, optaban por aproximarse a las
naves enemigas realizando salvas de disparos
para, posteriormente, abordarlas con el
consiguiente enfrentamiento cuerpo a cuerpo.
Por su parte, los coreanos disponían de una
mejor artillería en sus barcos, valiéndose de
ella para evitar que los japoneses se les
aproximaran, así como un mejor
conocimiento del terreno y de las corrientes,
usándolos a su favor e imposibilitando las
maniobras japonesas.
The admiral, de un marcado cariz patriótico,
ensalza las cualidades de uno de los mayores
héroes militares coreanos. Se nos presenta a
un Yi Sun-sin como poseedor de los valores
del perfecto caballero confuciano, cuya
lealtad hacia su país y a su soberano, a pesar
de las afrentas pasadas, están por encima de
cualquier duda. También se nos muestran a
los otros responsables de la victoria frente a
las fuerzas invasoras: los marinos coreanos
responderán heroicamente ante los mejor
armados japoneses y la ayuda prestada por la
población y los monjes guerreros budistas se
verá fundamental para lograr la victoria.
La victoria de Yi Sun-sin supuso un poderoso
revés a las aspiraciones japonesas de este
segundo intento de conquista, en el que, a
pesar de salir victoriosos en numerosas
ocasiones frente al combinado de tropas
coreanas y chinas, los comandantes japoneses
fueron realizando paulatinamente el desalojo
de Corea, el cual sería completamente
ordenado por un moribundo Hideyoshi desde
su lecho de muerte el 18 de septiembre de
1598. El almirante Yi Sun-sin murió el 17 de
diciembre del mismo año debido a un disparo
El desigual enfrentamiento entre las dos armadas se produjo en el estrecho de Myeongyang, emplazamiento que resultaría vital para la victoria coreana.
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en el pecho en la batalla de Noryang, uno de
los últimos enfrentamientos de la contienda
mientras se enfrentaba a las tropas japonesas
en retirada. Tras su muerte fue reconocido
inmediatamente como uno de los grandes
héroes de la contienda, siendo considerado en
la actualidad como uno de los más geniales
estrategas de todos los tiempos.
Las campañas de Corea supusieron una
enorme cantidad de bajas para los
contendientes y población civil: cálculos
actuales estiman que se perdieron más de un
millón de vidas humanas, quedando la
península coreana completamente arrasada,
perdiéndose innumerables extensiones de
tierra cultivable, construcciones, documentos
y obras de arte. Además, muchos coreanos
fueron tomados cautivos y conducidos
forzosamente a Japón, donde fueron los
responsables de numerosas producciones
artesanales, caso de la cerámica y la
porcelana, las cuales no se habrían podido
desarrollar sin intermediación de los
maestros coreanos.
Esperamos haber acercado al lector a uno de
los episodios más destacados de la historia de
Extremo Oriente, el cual, a la vez, resulta
particularmente desconocido en Occidente.
Para ello, nos hemos valido del excelente
largometraje de Kim Han-min y de la historia
de Yi-Sun-sin como un medio para estudiar
este acontecimiento, por lo que no nos queda
más que recomendar encarecidamente al
lector su visualización.
Los duros enfrentamientos entre coreanos y japoneses adquieren una gran espectacularidad en la cinta de Kim Han-min, en la que se presta especial atención a la recreación de naves y armamento.
Para saber más:
- Ficha en Filmaffinity.
- TURNBULL, S., Samurai
Invasion, Japan´s Korean War,
1592-1598, Londres, Casell & Co.,
2002.
- WHITNEY, J., The Cambridge
History of Japan, Volume 4,
Early Modern Japan, Cambridge,
Cambridge University Press, 1991.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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Reflexionábamos hace poco sobre las formas
que en Occidente habíamos tenido de
entablar conocimiento con Asia, para concluir
con que nos encontramos en un momento
dulce, en el que la información y asimilación
de otras culturas (con sus más y sus menos)
llega sin que tengamos que buscarlo
activamente. De entre las muchas
manifestaciones culturales que estimulan este
conocimiento (algunas de las cuales ya
solemos tratar, tanto de manera habitual
como esporádica, en Ecos de Asia)
comenzamos, con este artículo, una serie
centrada en la animación como vehículo de
conocimiento.20
El caso con el que inauguramos esta serie de
artículos es una producción española, Las
tres mellizas. Creada por Roser Capdevilla en
1983, en origen se trataba de una colección de
cuentos infantiles inspirados en la infancia de
sus tres hijas (nacidas en 1969), a los que dos
años después se añadiría el personaje de la
Bruja Aburrida.
Desde el momento de su publicación
alcanzaron un gran éxito, de modo que en
1994 surgió la serie animada, de la mano de
Televisió de Catalunya y la productora
Cromosoma S. A. Lo que en un primer
momento iba a ser un proyecto limitado y
20 Esta serie que introducimos aquí no espera ser absolutamente regular, sino que aparecerá de manera recurrente. Tampoco pretende seguir un esquema ordenado y articulado en el que se analicen todas aquellas obras que encajen en el planteamiento aquí expuesto, sino que cada texto se centrará en un ejemplo o en un aspecto destacable, sin orden cronológico o geográfico. Su único nexo será, por tanto, la temática.
relativamente pequeño, rápidamente
comenzó a crecer a la par que su popularidad,
y así pronto la serie alcanzó los 104 capítulos,
convirtiéndose en una de las más largas de la
animación europea.
El planteamiento de cada episodio es similar:
al comienzo, las tres hermanas Ana, Elena y
Teresa aparecen en situaciones cotidianas, en
casa o en la escuela, donde en un
determinado momento realizan alguna
travesura (siempre de manera
bienintencionada o accidental, en cualquier
caso, carente de maldad). En ese momento,
aparece la temible pero entrañable Bruja
Aburrida para regañarlas, lo cual siempre
termina con un castigo ejemplar: las trillizas
son enviadas a un cuento popular, en el que
tendrán que tomar parte en la historia para
conseguir que se resuelva con un final feliz.
Aunque la Bruja les envía para ponerles en un
apuro, de cada cuento las niñas obtienen
además una lección vital.
Aprendiendo Asia I: un, dos, tres, la
bruja nos envía a Oriente Por Carolina Plou
Las tres mellizas, rompiendo la cuarta pared para interactuar con los espectadores en la introducción de los episodios de la
serie animada.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 24
A lo largo de los 104 capítulos de la serie
animada, las mellizas visitaron los cuentos
tradicionales más populares, pero también
otro tipo de historias que integraban a los
niños en la cultura general de nuestro
tiempo, de forma que conseguían de una
manera muy sutil un fuerte componente
didáctico y educativo. A este respecto, cabe
destacar episodios como el de Agatha
Christie,21 Tristán e Isolda,22 el hombre de
Mayapán23 o las adaptaciones de grandes
clásicos de la literatura (como Romeo y
Julieta, Oliver Twist o La vuelta al mundo
en 80 días), que escapan del espectro de
“cuentos tradicionales” pero tienen un papel
y una presencia similar en el imaginario
popular. La ruptura se produjo,
mayoritariamente, a partir del episodio 40,
un momento en el que la literatura universal y
la propia Historia (a través de personajes
reales, como Leonardo Da Vinci, Velázquez,
Cleopatra o Watt –el inventor de la máquina
de vapor–) comenzaron a cobrar un mayor
peso junto a los cuentos habituales.24
Este afán didáctico, que la creadora de la serie
supo introducir de una manera amena y
atractiva para la infancia (cosa que resulta
21 En el que las mellizas conocían a la prolífica escritora de novelas de misterio, cuya vida e inspiración han resultado tan fascinantes como sus propias obras. 22Inspirado en la famosa ópera wagneriana. 23 En el que las niñas viajaban al periodo postclásico maya. 24 Merece la pena destacar también cómo a partir de este momento se incrementa la referencia a historias locales de la tradición catalana. En la primera etapa de la serie, había aparecido San Jorge (la leyenda de Sant Jordi y el dragón goza de gran popularidad en Cataluña, especialmente en Barcelona), pero resultaba muy universal. A partir de esta segunda etapa, cuyo inicio se podría encontrar a partir del capítulo 25, se vuelven más frecuentes localismos, como la Cueva de Xoroi o la rondalla de La flor romanial, además de un episodio doble (el único de estas características en toda la serie) dedicado a Gaudí.
muy complicada),25 estuvo marcado además
por una notable huida del eurocentrismo.
Obviamente, la tradición europea tenía un
peso cuantitativamente mayor, por ser la más
cercana y reconocible para los niños. Sin
embargo, existió una voluntad manifiesta de
incluir también referencias culturales de otras
regiones geográficas. La historia del hombre
de Mayapán que citábamos anteriormente es
un buen ejemplo de ello, pero también Asia
tuvo una importancia destacada.26
25 Las claves de este logro son, por una parte, la construcción de historias con un ritmo adecuado al público objetivo (párvulos y niños de entre 5 y 10 años), pero también, y más allá de eso, la capacidad de Roser Capdevilla y de todo el equipo creativo para establecer una comunicación con la infancia empleando un lenguaje próximo, que los más pequeños pudieran entender, pero sin caer en simplificaciones innecesarias. Comprendían a la perfección el nivel de complejidad que los niños pueden ser capaces de asimilar, y a partir de eso, adaptaron las historias que querían contar, evitando explicaciones aburridas y tonos paternalistas o condescendientes de los que muchas veces pecan otras series dirigidas al mismo target. 26 De hecho, la presencia de historias sobre Asia o relacionadas con culturas asiáticas es sorprendentemente mayor que la de historias americanas, ya que la afinidad lingüística con América Central y del Sur, y cultural con la del Norte, parecían predisponer a un mayor protagonismo.
Escena del episodio Las tres mellizas y el Hombre de Mayapán.
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Cuentos de Las mil y una noches.
Los episodios de Las tres mellizas que tienen
su origen en cuentos de Las mil y una
noches son tres, y se concentran entre los
primeros 24 de la serie. Las historias
escogidas son (por orden): Alí Babá y los
cuarenta ladrones (4º), Aladino y la
lámpara maravillosa (15º) y El ladrón de
Bagdad (24º).27
El genio, protagonista de la historia de Aladino, muy alejado del aspecto de su homólogo en la película de Disney.
27 Las dos primeras no se encontraban en las primeras compilaciones de Las mil y una noches, fueron añadidos que datan del siglo XVIII. Sin embargo, desde una perspectiva actual, pertenecen indiscutiblemente a los cuentos de Las mil y una noches.
En el caso de Aladino…, resulta muy curioso
constatar cómo se alejan de la imagen que la
película de Disney (Aladdin, 1992) había
instaurado prácticamente como canónica.
Lógicamente, en ello tenía que ver la férrea
política de la productora respecto a posibles
plagios, pero más allá de eso, tampoco se
intentó realizar una aproximación dentro de
los límites de la legalidad, sino que se dejó
por completo de lado esa estética para buscar
una nueva, en cierta medida menos
fantasiosa.
También es significativo que se incluyan (y
con tan poca distancia) dos historias
paralelas: la de Aladino y la del Ladrón de
Bagdad, que en muchas ocasiones se han
mezclado, alternado o utilizado sin realizar
distinciones. Aunque en ambas un
protagonista humilde se enamora de una
princesa y busca casarse con ella, para la de
Aladino es fundamental el componente
mágico, en forma de genio de la lámpara, a
través del cual el protagonista finalmente
logra su objetivo. En el caso de la segunda, sin
embargo, es el protagonista quien, por sus
propios medios, obtiene la mano de la
princesa (haciéndose pasar por un príncipe,
en primer lugar, y obsequiando a la princesa
con el mejor de los presentes, que él mismo
ha ido a buscar).
Las tres mellizas descubren la cueva de los cuarenta ladrones, con una señal de prohibición en la puerta. A menudo se introducen
elementos anacrónicos para estimular la comprensión visual del público más joven.
El ladronzuelo y la princesa del Ladrón de Bagdad, si bien consiguen estar juntos gracias a poderes mágicos, en este caso
son conseguidos gracias a los méritos del protagonista y no otorgados por el azar.
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En El ladrón de Bagdad, además de una
estética arabesca siguiendo la línea que
habían trazado sus predecesoras, llama la
atención la caracterización de los príncipes
rivales del protagonista: uno es árabe,
representado de manera similar a la de los
sultanes, otro es indio y el tercero es un noble
chino.28
La India.
La India fue prácticamente el último destino
asiático al que la Bruja Aburrida envió a las
tres mellizas.29 En el episodio 54, después de
un infructuoso y muy naif intento de espiar a
la Bruja, ésta consideró que el castigo
adecuado era trasladar a las niñas al
relato Kim, de Rudyard Kipling.30 En él se da
28 La Bruja Aburrida se refiere a uno de ellos como “príncipe de Mongolia”, en un momento en el que aparecen ambos. Sin embargo, el aspecto del segundo príncipe, así como el regalo que va a buscar para intentar conseguir a la princesa (el ojo de una escultura –una diosa con múltiples brazos–, ubicada en mitad de la selva, que supuestamente deja ver el futuro) hacen pensar en su procedencia india. De este modo, el “príncipe de Mongolia” sería el de aspecto chino, relacionándose con un periodo de la historia china en el que reinaba la dinastía Yuan, que había sido instituida por el mongol Kublai Kan. 29 Después vendría una aventura en el Everest. 30 Si bien no es de las obras más conocidas del autor (y ciertamente resulta sorprendente que tanto Ana como Teresa reconozcan con tal facilidad esta historia), tampoco es una cita excesivamente erudita, gracias a la película de 1950 protagonizada por Errol Flynn (y por
protagonismo al componente de intriga y
espionaje de la historia, pero poco tiene que
ver con la narración original. Concretamente,
se relacionan los conceptos del personaje de
Kim con el espionaje (algo que también
subraya el entusiasmo al respecto de la Bruja
Aburrida, quien en esta ocasión desconoce
por completo los tejemanejes de los enemigos
de las mellizas), pero la trama se altera por
completo en la adaptación animada,
incorporando una crítica social que busca
concienciar a los niños sobre la explotación
infantil en algunas zonas de Asia.31
Sudeste Asiático.
La historia que traslada a las trillizas a los
mares de Asia por primera vez, en la segunda
etapa de la serie (aquella con referencias más
cultas) es la de las novelas de Emilio
tanto, título destacado para cualquier cinéfilo interesado en Oriente). En cualquier caso, resulta una elección un tanto extraña, existiendo otras historias ambientadas en India más populares. 31 Aunque esto se realiza midiendo la crudeza del mensaje, para que no resulte una enseñanza traumática para los niños, hay un interés en subrayar las diferencias entre los países civilizados y los menos desarrollados, para que los espectadores puedan por sí solos discernir entre el bien y el mal y, aunque en todo momento las trillizas guían y conducen esta reflexión, es el niño quien, por sus propios medios, aprehende la situación y la lección moral que se desprende.
El bazar indio en el que se desarrolla parte de la aventura de Kim de la India. Al fondo, la Bruja Aburrida aparece disfrazada de
monje budista y haciendo de fakir.
En ocasiones como la adaptación de Sandokán prima una indefinición estilística, y los creativos de la serie se valen de
tocados extraños (a medio camino entre el turbante y el sombrero), babuchas y ropajes diferentes para evocar
localizaciones exóticas.
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Salgari: Sandokán. Dibujando un personaje
más tranquilo y menos carismático que en la
serie televisiva, Sandokán se descubre como
un marino vago, cobarde y algo patoso, una
figura absolutamente antitética del original.
China.
Dos son las historias en las que aparece China
a lo largo de la serie: el capítulo 18, titulado El
dragón rojo, y el 51, dedicado a la figura de
Marco Polo. Resulta llamativo que en el
primero, perteneciente a la primera etapa de
la serie, no se haga alusión a una historia
concreta, sino más bien a toda una mitología,
la de los dragones chinos (aunque su aspecto
difiera mucho del que presentan en las
iconografías orientales); mientras que el
segundo, de la etapa más avanzada, está
protagonizado por un personaje histórico
célebre, pero tampoco hace referencia a la
tradición china.
La Bruja Aburrida parte de vacaciones a
China, y las niñas se aburren sin ella. Después
de hacer mil trastadas tratando de llamar su
atención sin éxito, las chicas empiezan a
rememorar “aquella vez en la que la Bruja nos
envió a China”, y todo el episodio se convierte
en un flashback a dicha ocasión. Con una
estructura narrativa atrevida (para tratarse de
una serie infantil) las niñas titubean en el
argumento, dudan de algunos pasajes, y en
general la mecánica presenta algunas
variaciones respecto al funcionamiento
habitual.
Marco Polo comienza con las mellizas
entretenidas ante un restaurante chino,
deseosas de probar sus manjares. Se han
entretenido y llegan tarde a casa de su abuela,
que está preocupada, así que la Bruja
Aburrida toma cartas en el asunto. Tras una
lección de gastronomía china (en torno al
término noodles y a la procedencia de los
espaguetis), las trillizas aterrizan en el barco
de Marco Polo, que se está preparando para
zarpar de Venecia. Al tener como
protagonista al viajero y comerciante, buena
parte del capítulo se centra precisamente en
el largo trayecto, y no es hasta mitad del
episodio que conocemos al Gran Kan. Se trata
del segundo viaje que realiza Marco Polo,
puesto que ya existe una amistad previa entre
ellos. La estancia de las mellizas en China se
centra en contemplar los prodigiosos logros
orientales: la Gran Muralla, la pólvora o la
propia pasta. Resulta una asociación de
conceptos un tanto simplista (especialmente,
teniendo en cuenta el tono de la serie) pero
no por ello menos efectiva.
El dragón rojo, poco tiene que ver con el aspecto de los dragones chinos.
El Gran Kan, las tres mellizas y Marco Polo, dispuestos a observar una exhibición de fuegos artificiales en el palacio del
Gran Kan.
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Japón.
Hemos dejado,
deliberadamente, la presencia
nipona para el final, ya que se
trata del ejercicio más
interesante de todos los aquí
expuestos. El episodio 16 (de la
primera etapa de la serie, y por
tanto, planificado desde el
primer momento y no fruto de
una posible improvisación) se
dedicó a una historia
japonesa: Los siete samuráis.
Una obra que se convirtió en
pilar fundamental de la
cinematografía tanto nipona
como mundial, y que ha servido
de referente para Occidente.32 Aunque se
realizan ciertas concesiones respecto a la
historia original de Kurosawa, no deja de ser
llamativa y reseñable esta voluntad de
mostrar de este modo el Japón tradicional a
los niños, recurriendo a la vez a una
ambientación japonesa y a una referencia
moderna. No es de extrañar que los creadores
se decantasen por la película nipona, ya que
otra de las enseñanzas subyacentes a lo largo
de la serie (tan sutiles y discretas como, en
general, todo su espíritu didáctico) tiene a la
Historia del Cine como protagonista: tanto a
través de arcos argumentales como de
pequeños guiños (como la alusión al final de
Casablanca, que se proyecta en un televisor
durante una trastada de las mellizas)
pretende inculcarse en los niños una
predisposición favorable hacia el cine en
general, y hacia el cine clásico en particular,
tratando de contrarrestar el rechazo al blanco
32 A destacar, por más evidentes, sus más famosas adaptaciones cinematográficas en Occidente: Los Siete Magníficos (John Sturges, 1960) y Bichos, una aventura en miniatura (John Lasseter y Andrew Stanton, 1998).
y negro que muchos niños suelen tener al
principio de su educación cinéfila.
Adelantábamos que Las tres mellizas huía del
eurocentrismo, y sin embargo, a lo largo de
104 episodios, tan solo dedicó ocho a Asia,
una cifra parecida o incluso menor a América
y más escasa todavía para África. No
obstante, aunque la proporción es pequeña y
está muy influenciada por la perspectiva
occidental (recurriendo a autores occidentales
o a historias que, aunque procedan de otras
latitudes, están muy asentadas en la cultura
occidental), dichos episodios resultan un
complemento muy apropiado para sumergir a
los niños en una educación multicultural. Y
aunque se sigue la estela de otras series
animadas con un fuerte contenido didáctico
(las sagas de Érase una vez, sin ir más lejos),
el tono empleado, así como el propio
planteamiento de cada episodio, se alejan
mucho de la etiqueta educativa que, en
numerosas ocasiones, pierde de vista la
función de entretener enseñando y se centra
en enseñar, a toda costa. No es ése el caso,
y Las tres mellizas realiza aproximaciones
correctas, justificadas y fáciles de asimilar
para su público objetivo.
Las tres mellizas reciben el rango de samuráis tras haber ayudado a los Siete a defender la aldea.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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El 8 de mayo de 2015 se estrenó en nuestros
cines Princesa33 (Han Gong-Ju, 2013),
primer largometraje
del director
surcoreano Lee Su-
jin. Habiendo de
competir con el
atractivo de Scott
Eastwood y el
regreso de
los Vengadores, la
película pasó sin
pena ni gloria por la
cartelera española.
Ni siquiera la Fiesta
del Cine podía hacer
visible el casi
siempre invisible
cine asiático. Ahora
bien, Ecos de Asia no
desaprovecha la
oportunidad de
rescatar del olvido
esta pequeña joya
del cine coreano.
Princesa es una
película de disfrute
lento, no apta para el gran público, puesto
que requiere de una sensibilidad especial y
una paciencia propia del talante oriental. El
filme nos relata el azaroso presente de Han
Gong-ju, una joven estudiante que, tras un
33 Princesa / Han Gong-Ju (2013). País: Corea del Sur. Director: Lee Su-jin. Guión: Lee Su-jin. Música: Kim Tae-Sung. Fotografía: Hong Jae-Sik. Reparto: Chun Woo-Hee, Jung In-Sun, Kim So-Young, Lee Young-Ran, KimChoi Yong-Joon.
horrible suceso, debe cambiar de escuela. Se
mudará entonces con la madre de uno de sus
profesores, el señor
Lee, que aparece
como sustitutivo de la
figura paterna ante la
aparente ausencia de
sus progenitores. Con
el discurrir de la
película, descubrimos
que su madre se ha
vuelto a casar,
dejando a su hija
fuera de esa nueva
vida, mientras que el
padre, con serios
problemas de
alcoholismo, se dedica
a aprovecharse
económicamente de la
situación de la
adolescente. El
profesor, pero sobre
todo la madre de este,
la señora Lee,
vendrán a suplir las
carencias afectivas de
Han Gong-ju. Es
especialmente interesante el cambio que tiene
lugar en el personaje de la señora Lee, que en
un primer momento muestra una oposición
evidente ante la idea de acoger a la joven,
pero su actitud evolucionará y las dudas
iniciales se tornarán en aceptación, e incluso
cariño, cuando descubra los hechos que han
provocado toda la situación.
Princesa (2013): La delicadeza de la
belleza herida Por Laura Martínez
Cartel de la película.
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La joven, al principio tímida y huraña, se va
recuperando del trauma relacionándose con
sus compañeras de clase y reencontrándose
con sus hobbies: la música y la natación. Sin
embargo, ese misterioso pasado (que durante
gran parte de la película mantiene al
espectador en vilo) volverá, no solo en forma
de recuerdos, demostrando así que no
podemos huir completamente de nuestra
propia historia.
Para tratarse de una opera prima, el filme
resulta sumamente ambicioso en su
planteamiento, puesto que se estructura en
base al uso continuo del flashback. De forma
muy fragmentaria, el espectador va
aproximándose poco a poco al pasado de la
protagonista, uniendo él mismo las piezas que
conforman este puzle de poso amargo.
Ciertamente, la intriga, el sentimiento de
absoluto desconcierto y la poca claridad de
losflashbacks, que a veces se asemejan
demasiado al tiempo real de la película,
complican en ocasiones el seguimiento del
filme, pero el esfuerzo cognoscitivo merece,
finalmente, la pena.
Entre sus puntos fuertes debemos destacar el
poderío actoral de su protagonista, la joven
Han Gong-ju, interpretada por la ya no tan
adolescente Chun Woo-hee. Esta actriz, de
escasa trayectoria profesional,34 ha sido la
auténtica revolución de un filme que promete
alzarse como una auténtica obra maestra del
panorama cinematográfico surcoreano de
todos los tiempos. Su expresión facial, apenas
cambiante, transmite toda la emoción de una
muchacha asustada pero fuerte, que se debate
entre el terror y la rabia.
El director, guionista y productor del filme,
Lee Su-jin, se estrena así en el ámbito del
largometraje con una
propuesta
arriesgada, tanto en
la temática como en
su proceder técnico.
A sus espaldas,
cuenta tan solo con
un trabajo previo
como director, el del
corto Jeogui
sagwa (2007) y
como ayudante de
dirección
en Gwoemul (2010),
de nuevo un
cortometraje. Con este escaso bagaje
profesional, Lee Su-jin sorprende creando un
drama profundo y bien trabado, con visos de
cine de autor.
La tragedia, que no desvelaremos, es el motor
central de la película, el detonante de la
acción, y Han Gong-ju representa tanto la
pérdida de la inocencia como la voluntad de
resurgir de entre las cenizas de un pasado
traumático. El espectador asiste confundido a
la resolución de este enigma: una desgracia
siempre sugerida, nunca mostrada que,
aunque presente, vemos a través de planos
34 Chun Woo-hee tal vez fuera algo conocida en su país natal por participar en la teleserie Vampire Idol (2011-2012), aunque su gran salto ha sido precisamente esta película, con la que ha conseguido reconocimiento a nivel internacional, alzándose con casi cualquier galardón para el que ha sido nominada.
La protagonista, durante un momento del filme, apoya la cabeza sobre su pupitre con la mirada perdida.
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desenfocados y un interesante uso del fuera
de campo (cosa que se agradece por lo
desagradable de los acontecimientos).
Ante esto, Han Gong-ju nos muestra su bello
rostro en primerísimos planos, en los cuales
podemos intuir el mundo interior de un
trauma llevado en silencio, con un estoicismo
que puede confundirse con un aire impasible.
Todo ello se fundamenta en la contenida
actuación de Chun Woo-hee, cuya serenidad
contrasta aún más con la personalidad de sus
compañeras de instituto: extrovertidas, dadas
a los abrazos amorosos y tan sumamente
gritonas que en ocasiones rozan la histeria.
Así es la juventud
coreana que nos
muestra la película:
una alegre explosión
de colegialas que
corretean por los
pasillos del instituto;
pero también es esa
generación que llegó
con un móvil debajo
del brazo, que
recuerda de lejos (y
con cierto
recochineo) el
mundial de fútbol de
Corea-Japón del 2002, y que vive conectada a
internet.
Es precisamente internet y el mundo de las
comunicaciones el
que aparece también
en la película como
una amenaza latente,
de la cual los
adolescentes
desconocen muchas
veces sus peligros.
Otro aspecto
interesante que
destaca el filme es el
de la violencia que se
oculta bajo una
sociedad
aparentemente ordenada y “civilizada” como
es la coreana. Esa violencia emerge a veces en
pleno día, por ejemplo cuando unas mujeres
golpean repetidamente a la señora Lee por
mantener relaciones con un hombre casado.
Pero otras veces esa crueldad permanece
invisible y no la descubrimos hasta que ya es
demasiado tarde. Es esencial, para entender
los entresijos del filme, que nos situemos
dentro de la sociedad surcoreana, con sus
particularidades y sus prejuicios, pues
Han Gong-ju, con los ojos vidriosos, mira impasible al espectador en un plano de gran belleza.
La joven, Eun-hee, amiga de la protagonista, sonríe divertida mientras graba con su videocámara
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 32
estamos ante una atmósfera de fuerte
patriarcado, donde la opinión social tiene un
peso importante, y el concepto de estigma
está a la orden del día.
Así pues, el espectador paciente irá uniendo
la línea de puntos hasta desvelar el trágico
misterio que se oculta tras el bello rostro de
una adolescente herida. Pero cuidado, porque
puede que este camino de baldosas amarillas
les lleve muy lejos de Kansas, hasta los
rincones más oscuros del alma humana. Ante
todo, sigan caminando, pues sea cual sea ese
pasado, debemos creer en que se puede
avanzar, siempre hacia adelante.
Para saber más:
- Ficha de la película
en Filmaffinity.
- Trailer en castellano (bastante
explícito) en Youtube.
Fotogramas de la película en los que la protagonista navega en internet y recibe mensajes en el teléfono móvil.
Las amigas, reunidas ante un ordenador portátil, ven en internet un video sobre la tragedia ocurrida a Han Gong-ju.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 33
En una entrada anterior tuvimos la
oportunidad de recordar cómo, durante los
momentos de imperante belicismo y
militarismo que sacudieron el Imperio
japonés durante las primeras décadas del
siglo XX, se produjo una reutilización
propagandística de algunos de los iconos
infantiles más populares -como Kintaro, el
niño de oro, o Momotaro, el niño melocotón-.
Repasando asimismo la importancia de la
temática bélica en los orígenes de la
animación japonesa –hoy una de las
industrias audiovisuales más importantes del
mundo-, tuvimos oportunidad de ver cómo
algunos episodios reales de la Segunda
Guerra Mundial –en concreto, el bombardeo
de Pearl Harbor- se trasladaron a un
hipotético escenario infantil gracias al primer
mediometraje sonoro de entidad de la
Historia del Cine japonés, Momotaro y las
águilas marinas (1943),35 dirigido por
Mitsuyo Seo.
Dos años más tarde llegaba a las pantallas el
primer largometraje animado japonés, una
pseudosecuela36 del filme anterior, que
compartía con éste director (Mitsuyo Seo),
protagonista –un embravecido Momotaro- y
el aguerrido tono propagandístico disfrazado
bajo una apariencia infantil. Momotaro, dios
de las olas (1945),37 constituyó un hito en la
35 Momotaro no umiwashi (1943). País: Japón. Dir: Mitsuyo Seo. Blanco y negro. 37 mins. Sonido. Animación. 36 Decimos esto porque la película es considerada de forma unánime como una secuela, aunque el diseño de personajes difiere completamente de la anterior. 37 Una traducción más literal del título sería “Momotaro y los guerreros divinos del mar”
animación asiática, pues aunque no se trató
del primer largometraje animado del
continente –título que ostenta la
china Princesa abanico de hierro38 (1941)-,
presentó un acabado técnico sumamente
superior a esta, que abusaba del
rotoscopiado39 y combinaba con menos éxito
imagen y narración. A pesar de sus avances,
la película todavía no llega a alcanzar la
maestría técnica de la animación
norteamericana del momento, que ya
dominaba el uso del color y del sonido, y que
por el momento había producido clásicos
como Blancanieves (1932), Dumbo (1941)
o Los tres caballeros (1944), con los que
comparte episodios musicales y animalísticos.
En este caso, la película tiene como
argumento central una maniobra militar
sorpresa en las Célebes, en la que, tras los
grandes éxitos militares en campañas como la
de Pearl Harbor o la de Java, Japón
terminaría de “liberar a Asia” –en términos
del periodo- del yugo caucásico, mediante la
(Momotaro, Umi no Shinpei (1945). País: Japón. Dir: Mitsuyo Seo. Blanco y negro. 74 mins. Sonido. Animación. 38 Sobre este film, y especialmente, sobre su importantísima secuela, ya hablamos en una ocasión. 39 La rotoscopía es una técnica de animación que consiste en re-dibujar o calcar un fotograma teniendo otro como referencia, que habitualmente era de imagen real. En los comienzos de la animación se utilizó ampliamente, especialmente en las escenas de bailes o con gran complejidad. Es decir, se grababa a una persona ejectutando las acciones o movimientos complicados de animar, y teniendo los fotogramas de imagen real como referencia, se calcaban y dibujaban los fotogramas que habían de animarse.
Momotaro va a la guerra: infancia,
propaganda y animación II Por Marisa Peiró
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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llamada Guerra del ABCD.40 La Campaña de
las Célebes, ubicada dentro de la Campaña de
las Indias Orientales (1941-1942), fue la
mayor victoria militar japonesa de la Segunda
Guerra Mundial y, como era de esperar, se
presenta en la película de una manera
tan naïf como distorsionada, con el objetivo
de enaltecer el ánimo y celebrar las victorias
de la nación, dentro de las intenciones
propagandísticas generales del Imperio
Japonés.41
Estamos, más que en
el caso de Momotaro
y las águilas
marinas, y como
sucedió con buena
parte de la
animación de la
época, ante una
película
eminentemente
musical. Es precisamente en algunos de los
números musicales donde se concretan los
elementos propagandísticos y el poderoso
mensaje que transmite, sirviéndonos además
para comentar algunas de las prácticas
coloniales, y del mensaje emitido desde los
diferentes ministerios japoneses, en las
diferentes conquistas del creciente Imperio
Japonés. Como en el caso anterior, la figura
de Momotaro es más representativa que
presencial, y apenas cuenta con escenas en el
filme, pero sirve para resaltar el simbólico
deseo (y deber divino) de luchar contra los
malvados ogros (oni), que de nuevo
representan a los extranjeros
norteamericanos.
40 Siglas mediante las que se conoció a los enemigos de Imperio de Japón: A (americanos), B (británicos), C (chinos) y D (Dutch, holandeses). 41 Para una buena aproximación a las bases de la propaganda imperial japonesa, véase Kushner, Barak. The thought war: Japanese imperial propaganda. Honolulu, University of Hawaii Press, 2007.
Igualmente, la película es protagonizada por
el grupo de animales que acompañan a
Momotaro en la historia original, y que aquí
son convertidos en un grupo de soldados de la
armada japonesa:42 un perro, un faisán, un
osezno –personaje que no aparece en todas
las versiones- y un mono. En las primeras
escenas, dotadas de un gran simbolismo
patriótico (con elementos importantes del
sintoísmo de Estado tan vigente en el periodo,
como el respeto a los antepasados en el
templo o la veneración del Monte Fuji) vemos
como regresan a casa tras el entrenamiento
militar, y cómo sus familiares y, en especial,
los niños del pueblo, glorifican dicho
entrenamiento y la participación en la guerra.
42 Fue el Ministerio de Marina quien financió y concibió la película.
De vuelta a casa, los soldados disfrutan de sus familias.
Escenario en el que se desarrolla buena parte de la película, claramente indonesio.
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Por ejemplo, la popularmente conocida como
“canción del trabajo” se ocupa de retratar
cómo los nativos de las islas desde las que se
llevará a cabo la campaña ayudan al ejército
japonés a construir una pista aérea que
facilite la invasión. Los nativos de las islas –
que por el tipo de vivienda que se muestra
son fácilmente identificables como del este de
la actual Indonesia- son representados por un
conjunto –algo dispar- de animales exóticos,
definidos así como “el Otro” ante los
personajes japoneses, representados por
animales propios del archipiélago nipón. Los
animales que conforman la nación dominada
(presentada como “colaboradora”) son en el
caso indonesio –además de por las viviendas,
explicitado por la vestimenta de chaleco y
songkok-43 un conjunto de especies
representativas de todo el archipiélago
malayo: así, encontramos desde ciervos de
Timor, rinocerontes de Java, leopardos de
Java, tigres (de Sumatra, Bali o
Java),44 elefantes indios, y diferentes tipos de
ardillas y monos, que parecen liderados por
un descomunal mono násico –especie
endémica de Borneo-.
En la secuencia a la que nos referimos, todas
estas especies colaboran en las diferentes
tareas requeridas para llevar a cabo la
construcción de la pista de aterrizaje,
mientras entonan una canción en los que se
glorifican los pesares del trabajo duro, pues
43 El songkok o peci es un tipo de sombrero habitual entre los malayos del Sudeste asiático, especialmente entre hombres musulmanes. A partir del siglo XX quedó asociado a usos nacionalistas debido a su empleo por milicias (como el Regimiento Malayo, que lo incluyó dentro de su uniforme) y por los presidentes de la República de Indonesia. Sería precisamente Sukarno el que popularizó el uso del songkok –concretamente, negro y de terciopelo-, y quien lo implantó como parte del aparato presidencial de la nación. Asimismo, se ha convertido en parte de la vestimenta protocolaria para ciertas ceremonias políticas. 44 Estas dos especies están hoy extintas pero todavía existían en el periodo en el que se realizó la película.
estos se realizan de buen grado, e incluso
sinténdose afortunados por el “privilegio”,
gracias a que –literalmemente- “Ardiendo en
nuestros pequeños corazones está el poder de
Japón”. Con este mensaje que recuerda
claramente al “Arbeit macht frei”
nacionalsocialista, y en plena consonancia
con el régimen imperialista y parafascista del
periodo en Japón, se introduce el verdadero
mensaje de culto al Emperador y a la nación
japonesa, deliberadamente explícito en las
últimas estrofas de la canción:
Con una fuerza que baila
Y una divinidad que nos guía
Nuestros corazones sinceros nos
llevarán más adelante.
La gloriosa fortaleza de nuestra nación
está ahora completa.
Si perseveramos y trabajamos juntos
Venceremos
Nuestro victorioso fin comienza aquí,
aquí mismo
Victoria para el maravilloso reino de
Oriente.45
45 Traducción de la autora.
Fotograma de la secuencia.
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Otra de las secuencias más memorables de la
película es aquella en la que los soldados
nipones enseñan a leer –en japonés- a los
nativos. En las mesas y pupitres se sientan,
además de los ya mencionados animales,
tapires malayos de Sumatra, calaos
indonesios –ave típica de algunas de las islas-
, tortugas, cocodrilos, panteras y canguros –
no olvidemos que Australia también entraba
dentro de los planes de expansión del Imperio
japonés, y que precisamente la Campaña de
Célebes era la que le servía de paso – y todos
juntos entonan, al ritmo de las armónicas de
los soldados, el AUIEO, una canción
tradicional para enseñar los cincuenta
sonidos del japonés. Debido a lo pegadizo de
la melodía, algunos de los alumnos no pueden
evitar bailar e incluso romper los pupitres;
acto seguido, mientras siguen cantando,
comienzan a realizar las duras tareas diarias
(como lavar, cocinar o incluso el
avituallamiento para la batalla), recordando
sobremanera al uso de las canciones de
trabajo de la población esclava. A pesar del
literal adoctrinamiento que se aprecia en esta
escena, lo cierto es que la política de
“japonización” y de uniformidad lingüística
no se siguió en la época de colonización
tardía, en Filipinas e Indonesia, aunque había
sido clave en las primeras fases de la
expansión colonial en lugares como Corea o
Manchuria.
En los momentos previos a la llegada al
territorio americano, aparece otra importante
e inusual secuencia, esta vez realizada en
sombras chinescas –empleadas con la
intención de relatar algo lejano y casi
legendario-, obra del muy célebre animador
Kenzo Masaoka,46 en la que se narra la
conquista de las Indias Holandesas,
presentando a los visitantes de los Países
Bajos como piratas y estafadores,
denunciando los abusos que por su culpa
sufrieron los nativos.
Además de estas escenas, la película incluye
otras manifestaciones patrióticas, como una
en la que los dirigentes locales proclaman su
respeto al recién llegado Momotaro (y se
alegran, de paso, de que esa misma noche
podrán comer sushi) y se maravillan con la
cantidad de provisiones que ha traído consigo
–el problema de la falta de alimento era uno
de los pocos que lograba minar la moral de
los soldados japoneses-, además de ciertas
marchas militares cantadas por
conquistadores y conquistados, o
46 Kenzo Masaoka (1898 – 1988) fue uno de los pioneros de la animación japonesa, autor del primer corto animado sonoro.
Fotogramas de la canción.
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enaltecedores discursos pronunciados por el
propio Momotaro.
Una vez los soldados japoneses alcanzan la
base norteamericana, que toman sin ninguna
dificultad –y, al parecer, sin derramamiento
de sangre-. asistiremos a una rápida e
inevitable rendición, gracias a un siempre
firme Momotaro, que no es capaz de dejarse
intimidar por unos nerviosos y dubitativos
ogros que, como era de esperar, hablan en
inglés, visten a la manera del ejército
americano y tienen como mascota a un perro
sospechosamente parecido a Pluto. Como ya
sucedía
en Momotaro y las
águilas marinas, los
americanos son
presentados como
humanoides
informes y deformes,
frente a lo definido y
kawaii de los
personajes japoneses
y de sus aliados.
Mientras las
negociaciones
tienen lugar, el
resto de soldados se
preparan,
literalmente, para
saltar sobre los
Estados Unidos –tal
como se aprecia en
la imagen- , antes de,
por fin, volver
victoriosos a su
patria natal.
Por el fuerte
contenido político y
anti-americano de la
película, resulta
lógico que esta se
secuestrase y
censurase durante el periodo de ocupación
norteamericana (1946-1952); llegó incluso a
correr el rumor popular de que todas las
copias habían sido destruidas.
Afortunadamente, en 1983 se encontró una
copia en negativo de la misma y la cinta se
restauró y comercializó, no sin polémica, en
VHS. A pesar de su implicación en la
dirección de las más conflictivas y patrióticas
obras del anime bélico japonés, debemos
advertir que estas no eran del gusto
ideológico de su director, Mitsuyo Seo, quien
en 1949 realizó el filme pro-
democrático Ōsama no Shippo, el cual fue
Fotogramas de la secuencia, en la que se aprecia el delicado y singular estilo de animación.
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considerado como demasiado izquierdista por
la productora y se quedó sin estrenar,
llevando a Seo y a su compañía a la
bancarrota.
A pesar de los innegables y polémicos valores
militaristas de Momotaro, dios de las olas, el
valor de la cinta trasciende el contenido
propagandístico, pues no solo fue una obra
clave en la evolución técnica de la animación
japonesa, sino que fue contemplada y sirvió
para inspirar a toda una generación de
dibujantes y cineastas que, como Osamu
Tezuka, son considerados los padres
del anime y, por ello, responsables de buena
parte del conocimiento y entretenimiento que
hoy nos llega de Japón.
Para saber más:
Como en muchos otros casos,
recomendamos al lector que vea la
película y que esto le anime a extraer
sus propias conclusiones. La película
completa, en japonés con subtítulos
en inglés, puede verse en YouTube.
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En otros números de
la revista, nos
adentramos en las
curiosas producciones
cinematográficas
hispano-japonesas
del actor, director y
guionista conocido
como Paul Naschy.
Tras una
introducción a su
biografía y su
contribución al cine
fantástico español,
hablamos
pormenorizadamente
de la primera película
de su filmografía con
participación
japonesa: El carnaval
de las bestias (1980). Decíamos de este film
que es una de las más crueles y personales
contribuciones que realizó este cineasta.
Realizadas, por tanto, todas las aclaraciones
pertinentes sobre estas producciones, sólo
nos queda adentrarnos en la última película
hispano-japonesa de Naschy: La bestia y la
espada mágica (1983). En ella, Naschy
retoma al personaje que lo hizo famoso y que
interpretó más de una decena de veces47 a lo
47 La saga Daninsky se compone de: La marca del hombre lobo (Enrique López Eguiluz, 1968), Las noches del hombre lobo (René Govar, 1968) (desaparecida), Los monstruos del terror (Tulio Demicheli, 1970), La noche de Walpurgis (León
largo de su vida: el hombre lobo Waldemar
Daninsky. Inspirado por el terror gótico de la
Hammer y el personaje de Lon Chaney Jr. en
la Universal, Waldemar es un hombre
atormentado, siempre buscando la cura para
su maldición. Aunque las películas de la saga
Daninsky son independientes unas de otras,
si tienen algo en común es que suele haber
Klimovsky, 1971), La furia del hombre lobo (José María Zabalza, 1972), Dr. Jekyll y el hombre lobo (León Klimovsky, 1972), El retorno de Walpurgis (Carlos Aured, 1973), La maldición de la bestia (Miguel Iglesias, 1975), El retorno del hombre lobo (Jacinto Molina, 1981), La bestia y la espada mágica (Jacinto Molina, 1983), El aullido del diablo (Jacinto Molina, 1987), Licántropo (Francisco Rodríguez, 1996) y Tomb of the werewolf (Fred Olen Ray, 2004).
Un hombre lobo español en Japón:
la aventura de Paul Naschy en el
País del Sol Naciente III Por Elísabet Bravo
Dos páginas de El origen de la maldición (2008), la novela gráfica basada en esta película.
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una historia de amor con una mujer, una
relación siempre frustrada por su maldición.
Nuestro hombre lobo se ha enfrentado a todo
tipo de conflictos, pero, en este caso, se las
tendrá que ver con una bruja temible en el
Japón medieval. Destacamos también que La
bestia y la espada mágica suele ser una de
las favoritas de los seguidores de Naschy,
tanto de la saga Daninsky como de su
filmografía en
general. Prueba de
ello sería la novela
gráfica de Javier
Trujillo titulada El
origen de la
maldición (2008) y
basada en esta
película.
Tras el rodaje
de Latidos de pánico,
Masurao Takeda y
Paul Naschy
regresaron a Japón.
Naschy tenía
preparada una nueva
entrega de la saga
Daninsky
ambientada en el
Japón del siglo XVI,
llamada La bestia y los samuráis.
Contactaron con Shigeru Amachi (a quien
Paul había conocido a través de Julia Saly),
un actor de renombre y famoso por su
participación en la saga Zatoichi, que aceptó
coprotagonizar la película y asumió la mitad
del presupuesto. Gracias a él, se pudieron
rodar algunas escenas en los estudios de
Toshiro Mifune, que Naschy recordaba tan
grandes como los de TVE.48 Mifune y Naschy
se reunieron para hablar del proyecto y surgió
un problema: el material del que disponían
48 Agudo, Ángel; Gómez, Ángel. Paul Naschy: la máscara de Jacinto Molina. Vilagarcía de Arousa, Scifiworld, 2009. P. 246.
era del siglo XVII y la película estaba
ambientada en el siglo XVI. El problema se
resolvió y Mifune decide reconvertir el
material. Naschy recordaba la escrupulosidad
de los japoneses con la ambientación
histórica y la fidelidad con la que se tomaron
el guión, pues hicieron una katana de plata,
tal y como se señalaba en el mismo.49
La película pasó a llamarse La bestia y la
espada mágica. Para el aspecto del hombre
lobo se buscó un aire más oriental inspirado
en el ôkami japonés y Naschy acudió a una
representación de teatro kabuki en busca de
inspiración. A pesar de la escasa repercusión
que tuvo esta película en nuestro país,50 en
Japón el rumor de que un occidental estaba
haciendo una película de samuráis (jidaigeki)
circuló entre los japoneses y Naschy
49 Ibídem. P. 247. 50 A pesar de ello, hay que señalar que El País publicó una noticia el 25 de agosto de 1981 sobre los documentales que hizo este director para los japoneses, que puede leerse aquí.
Shigeru Amachi como el sabio Kian, junto con Akane.
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recordaba que en una escena que rodaron en
un exterior había público japonés congregado
para verle, lo que le bloqueó en un principio.51
El estreno de la película fue un éxito. Se
proyectó en el barrio de Ginza y entusiasmó a
Toshiro Mifune y al mismísimo Akira
Kurosawa, quien le felicitó y le regaló un
casco de samurái a la llegada del hotel.52 En
España, por otro lado, se presentó el 24 de
noviembre de 1983 en el cine Gran Vía en un
estreno al que acudieron el embajador
japonés y Shigeru Amachi. La película,
además, consiguió ganar el premio del XIII
Festival Internacional de Cine Fantástico en
Bruselas.
La bestia y la espada mágica se rodó entre
España (Talamanca del Jarama y Castillo de
Chinchón) y Japón (fundamentalmente en los
estudios de Toshiro Mifune). La película
comienza en el siglo X en Centroeuropa, con
una secuencia que funciona a modo de
prólogo de lo que luego acontecerá más
adelante. Ireneus Daninsky derrota en
combate a un malvado tirano, trasunto de
Vlad el Empalador. Una bruja y compañera
sentimental del cruel asesino, lanza una
terrible maldición para vengarse de Ireneus:
“[…] Que la eterna maldición del señor de la
noche caiga sobre la estirpe de los Daninsky.
Que jamás los espíritus de los que llevan su
sangre encuentren la paz […]”. Para
completar el ritual, utiliza el cráneo de un
lobo y transmite la maldición por medio de
un mordisco al bebé no nato de la esposa de
Ireneus: “Todo hijo varón que nazca en
séptimo lugar y durante la primera noche de
plenilunio se transformará en una bestia
carnicera que extenderá la muerte por
doquier. Los Daninsky seréis una estirpe de
asesinos, odiados y perseguidos para
51 Agudo, Ángel; Gómez, Ángel. Paul Naschy…, op. cit. P. 248-249. 52 Ibídem. P. 250.
siempre.” Como vemos, este primer prólogo
se asemeja a El retorno de Walpurgis (Carlos
Aured, 1973).53
La acción se traslada al siglo XVI. Waldemar
Daninsky es un hombre de condición noble
que lucha contra la maldición que cayó siglos
atrás sobre su estirpe. En las noches de luna
llena se convierte en una terrible bestia
incontrolable: un hombre lobo sediento de
sangre. Buscando desesperadamente una
cura para su maldición, llega a Toledo a la
casa de un sabio judío llamado Salom Jehudá,
pero la superstición de la gente provoca su
asesinato. Antes de morir, le confía la tutela
de su sobrina Esther y aconseja a Waldemar
que se traslade a Japón en busca de un sabio
llamado Kian.
53 Nos referimos al comienzo de esta película, que funciona también a modo de prólogo y que está ambientado en la Edad Media. En este caso, el inquisidor Ireneus Daninsky, antepasado de Waldemar, condena a Elizabeth Bathory a morir en la hoguera por practicar la brujería. Antes de que las llamas la devoren, la condesa maldice a la estirpe de los Daninsky: “[…] Algún día, y cuando uno de los tuyos derrame la sangre de un primogénito de mis descendientes, las desgracias más terribles se abatirán sobre los que lleven tu apellido maldito y ya sus almas no tendrán reposo y vivirán un eterno infierno.” En el siglo XIX, la amenaza se cumplirá cuando Waldemar Daninsky mate por accidente a un descendiente de la condesa y sufrirá la maldición del hombre lobo. Al igual que en La bestia y la espada mágica, utilizan un cráneo de un lobo sobre el que han realizado un ritual, cuyo mordisco transmite esta maldición.
El hombre lobo sembrará el terror en Japón.
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Llama la atención en esta película la
estupenda mezcla de leyendas de diversa
procedencia. La maldición del hombre lobo
cae sobre el séptimo hijo y sospechan que la
cura podría estar en una planta tibetana.
Como es habitual, el hombre lobo es
vulnerable a las armas de plata, pero también
Kian consigue repelerlo haciendo la señal de
la cruz, como si de un vampiro se tratase.
La katana de plata, la espada mágica
mediante la cual Waldemar conseguirá
librarse de la maldición, se asemeja, además,
a la leyenda de Excalibur; precisamente se
han señalado influencias de la película de
John Boorman titulada Excalibur (1981),
sobre todo en la secuencia en la que Kian
derrota a la hechicera y aparece la katana de
plata. Naschy mezcla el folclore europeo,
como vemos, pero también el japonés. Sin
duda, era conocedor del cine nipón,
especialmente del de terror, y habría
estudiado leyendas y cuentos populares
cuando creó a la bruja Satomi. En un
momento de la película, Kinga está
desesperada porque Kian no parece hallar la
cura para la maldición y lleva a Daninsky al
castillo de una hechicera de más poder. Ella,
sin embargo, quiere utilizar a Waldemar para
sus propios fines. Cuando consiguen salir del
castillo y llegan hasta Kian, él les revela que
Satomi murió hace más de doscientos años,
pero la herida real de Waldemar parece
sugerir otra cosa. Kian viaja al castillo para
conseguir la katana de plata, el arma final, y
se encuentra con la edificación en ruinas y
habitada tan solo por fantasmas. Es tan
similar a ciertos cuentos de terror japoneses
que necesariamente tuvo que haber algún
tipo de influencia.
Esta mezcla de leyendas y elementos
fantásticos podría haber resultado un
completo desastre, pero están bien enlazados
entre sí y, como hemos señalado, esta película
suele destacarse en la saga Daninsky como
una de las mejores. Además, se introducen
nuevos elementos que enriquecen la saga, que
ya se volvía repetitiva. En este caso, se
suprime la carga erótica y la dualidad de
personajes femeninos (amante o villana) es
más natural. Eso sí, el amor entre un
occidental (Waldemar) y una japonesa
(Akane, la hermana de Kian) vuelve a estar
presente, reviviendo así la historia
de Madama Butterfly y las películas
americanas de reconciliación, como El
bárbaro y la geisha (The barbarian and the
geisha, John Houston, 1958). De hecho, es
Akane la que tendrá que asesinar a
Waldemar, pues sólo una mujer de corazón
puro que ame al hombre lobo podrá librarle
de la maldición con un arma de plata. Como
vemos, la redención por el amor es un
ingrediente indispensable en las películas de
la saga Daninsky.
Dentro del reparto, cabe destacar la
interpretación del equipo japonés,
especialmente de Shigeru Amachi,
coprotagonista de la historia y coproductor de
la película con su empresa Amachi Films.
Naschy lo recuerda como un dandi japonés y,
a pesar de un ataque de “divismo” (según sus
palabras) que tuvo en el film, el rodaje se
desarrolló sin inconvenientes.54 A veces la
54 Ibídem. P. 246.
Satomi, la malvada bruja, sostiene la katana mágica.
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interpretación en este tipo de películas resulta
sobreactuada, pero Shigeru Amachi destaca
notablemente por su actuación.
En su contra, La bestia y la espada mágica
tiene algunos
errores. La
ambientación
histórica
resulta más o
menos correcta
y destacamos,
en ese sentido,
la secuencia en
la que el tío de
Kian se quita la
vida para
recobrar su
honor
mediante el
suicidio ritual
(seppuku).
Incluir en una
misma
película épocas y ambientes tan diferentes
podría haberle salido mal a Naschy, pero el
resultado es muy notable. Sin embargo,
resulta llamativo que todos los personajes
hablen el mismo idioma, sin problemas de
entendimiento ni de acento. Recordemos que
en El carnaval de las bestias, los actores
japoneses se aprendieron sus frases en
español, por tanto, se señala que los
personajes a los que interpretan pueden
interactuar con Bruno Rivera sin dificultad.
Aquí, sin embargo, un centroeuropeo se
desplaza sin problemas (especialmente en el
idioma o en las costumbres) a España y luego
a Japón. Otro error que resulta evidente es la
ausencia de sangre en escenas en las que sería
indispensable, por ejemplo, en las luchas con
armas blancas.
A pesar de todo lo comentado, resulta una
película muy interesante y a redescubrir por
los admiradores del cine japonés. Aparte de la
interpretación de Shigeru Amachi,
destacamos las secuencias en el castillo de la
bruja, especialmente la batalla del hombre
lobo contra el tigre, por su complicación, y el
combate entre
Kian y los
fantasmas para
ganar la katana
de plata.
Todos estos
elementos son
los que hacen
de La bestia y la
espada mágica
una película que
todo admirador
del cine de terror
español debería
conocer, y se
trata, a su vez, de
una de las
mejores
producciones de la carrera de Naschy, un
hombre que siempre navegó contracorriente y
que luchó por el género fantástico toda su
vida.
Para saber más:
- Ficha en Imdb
- Ficha en Filmaffinity
- Tráiler en Youtube, en el que se
pueden ver fragmentos de las
escenas más importantes a las
que hemos aludido.
Akane deberá sacrificar su amor por Waldemar.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 44
Es una verdad universalmente aceptada que
todo clásico literario debe “sufrir” continuas
adaptaciones y revisiones; sirva de ejemplo la
reciente actualización realizada sobre las
inmortales palabras de Cervantes por Andrés
Trapiello. Las obras de Jane Austen han
experimentado un similar destino, siendo
objeto de precuelas, secuelas y
versiones de lo más heterodoxo
(incluyendo algunas de
tinte sobrenatural), sobre todo su
tríada más destacada compuesta
por Sentido y Sensibilidad
(1811), Orgullo y Prejuicio (1813)
y, la novela que ahora nos
ocupa, Emma (1815).
Las adaptaciones al medio
audiovisual de esta obra de
Austen son numerosas, aunque
entre ellas destaca (por su
repercusión, más que por su
calidad) la versión protagonizada
por Gwyneth Paltrow, o la
magnífica miniserie de la
BBC donde Romola Garai interpreta a la
heroína romántica. Entre las versiones
modernizadas de este clásico atemporal,
encontramos la comedia teen Clueless (Fuera
de onda, 1998), que trasladaba la acción de la
campiña inglesa de la Regencia, a un
prototípico instituto de Beverly Hills.
Más recientemente, la industria
de Bollywood ha decidido retomar el
argumento de Emma con un twist oriental
en la comedia romántica Aisha (2010),55
ambientando la historia original en la Delhi
actual. A pesar de los más que evidentes
cambios, producto de las diferencias tanto
geográficas como históricas, Aisha es una
adaptación bastante fiel de la novela de Jane
Austen, salvando todas las distancias.
La novela original nos relataba las aventuras
de Emma, una celestina posh que, a
diferencia de la protagonista ideada por
Fernando de Rojas, lo único que “hace y
deshace” son compromisos matrimoniales
por puro divertimento. Guiada por un
espíritu bienintencionado, si bien no siempre
acertado, la bella y adinerada heroína
55 Aisha (2010). País: India. Director: Rajshree Ojha. Guión: Devika Bhagat. Música: Amit Trivedi. Fotografía: Diego Rodriguez. Reparto: Sonam Kapoor, Abhay Deol, Amrita Puri, Cyrus Sahukar, Arunoday Singh. Productora: PVR Pictures.
Cuando Emma se puso el sari:
Aisha (2010) Por Laura Martínez
Poster promocional del filme.
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austeniana se empeña en manejar
los corazones ajenos sin
verdaderamente conocer el suyo
propio. Emma tomará bajo su
protección a la joven Harriet Smith,
una muchacha de orígenes
desconocidos y sin ningún
patrimonio, moldeándola a su
imagen y semejanza, y ejerciendo
sobre ella una enorme influencia.
Tras varios desencuentros,
motivados por el joven y atractivo
Frank Churchill, Emma sufrirá
humillaciones públicas, conociendo
los celos y la desesperación, antes de
asumir que su verdadero amor
siempre ha sido el maduro amigo de
la familia: el siempre caballeroso
Mr. Knightley.
Como hemos comentado, la
versión bollywoodense de este clásico inglés
se aleja bien poco del guión marcado por
Austen, manteniendo la premisa general de
una joven y adinerada celestina: Aisha
Kapoor, que aconseja en temas amorosos a su
nueva amiga Shefali, mientras mantiene un
tira y afloja con el amigo de su padre: Arjun
Burman.
La presentación del personaje de Aisha es
convencional, puesto que es la voz de la
protagonista en off la que nos va
introduciendo a cada uno de sus amigos y
familiares durante un enlace que ella misma
ha contribuido a realizar. Es esta boda la que
desencadena toda la trama pues, al ver
cumplido su objetivo como casamentera,
decidirá proseguir con esta tarea. Si en el
texto original era su institutriz la afortunada,
aquí es su tía, la cual celebra una boda por
todo lo alto al estilo hindú: con saris, flores y
exóticas decoraciones. En ambos casos se
trata de una figura femenina de mayor edad y
que ejerce, a todos los efectos, como madre.
Durante la ceremonia, Aisha conocerá a la
joven Shefali y la convertirá en su próximo
gran proyecto. La máxima aspiración de una
muchacha inglesa a principios del siglo XIX
era, sin duda, contraer un matrimonio
ventajoso y, desgraciadamente, no parece que
la alta sociedad de Delhi en el siglo XXI
difiera en demasía de esta premisa. De esta
forma, Shefali, una muchacha de clase media
y no muy agraciada, llega a la gran ciudad
para encontrar un esposo y satisfacer así a su
familia.
Se inicia de esta forma un proceso de “cambio
radical” orquestado por la siempre estilosa
Aisha que, a golpe de tarjeta de crédito,
convertirá a su nueva amiga en una copia de
sí misma. Tras elegir para ella un
pretendiente apropiado, se desvivirá para
forzar el amor entre ambos, fracasando en sus
desesperados intentos por manejar a la joven
pareja.
Aparece entonces de forma casual el atractivo
Dhruv, hijo pródigo del coronel
(recientemente esposado con la tía de Aisha),
Shefali antes (arriba, centro) y después (abajo) de su cambio de estilismo.
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que regresa a casa para regocijo de toda la
familia, pero especialmente de nuestra
protagonista, con la que coquetea
insistentemente. Los fans de Austen ya
adivinarán los derroteros que seguirá la
historia de Aisha/Emma entre Dhruv/Frank
Churchill y Arjun/Mr. Knightley, pero
tampoco desvelaremos los muchos
malentendidos y enredos del filme.
Los paralelismos entre la película y su
antecedente literario son más que evidentes
tanto a nivel argumental como en pequeños
detalles, dispuestos a modo de guiños para el
espectador avezado. Algunas de estas
referencias intertextuales tan numerosas
vinculanAisha con la adaptación de Emma de
1996, por ejemplo cuando las dos amigas
protagonistas charlan mientras juegan con
unos adorables cachorritos, mostrando una
vez más las buenas cualidades y el gran
corazón de la heroína.
Otros guiños nos remiten a la versión de la
BBC de 2009, como cuando Aisha, pensativa,
se ocupa de cuidar las plantas del jardín
paterno, en una escena muy similar al final de
la citada miniserie, cuando Mr. Knightley
descubre a Emma escondida entre los
arbustos. En esta
secuencia, las
similitudes son, si cabe,
más evidentes, puesto
que la caracterización
de Aisha se aleja de la
que utiliza a lo largo del
metraje del filme (como
una mujer moderna y
estilosa), para
mostrarnos una versión
más cándida, con los
cabellos recogidos y una
delicada blusa de
estilo naif y estampado
floral; más propia de la
Regencia que de la
cosmopolita Delhi.
Al margen de estos
“calcos”, lo habitual
en el filme es que
encontremos
trasposiciones de la
ficción original. Así por ejemplo, los juegos de
criquet son sustituidos por una competición
de polo, las excursiones campestres por el
descenso de unos rápidos, y las
habituales soirées decimonónicas se tornan
en alocadas noches de pubs y cócteles, con
bailes que combinan la danza tradicional
india con rutinas de salsa.
Dos fotogramas de la película en los que vemos a Aisha con Dhruv (arriba) y Arjun (abajo).
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Uno de los argumentos principales de la
novela de Austen, es sin duda el de las
diferencias de clase, y sobre todo la necesidad
de tener unas buenas conexiones sociales, así
como un amplio patrimonio, para conseguir
un enlace conveniente. Para la actualización
de este problema, se trata de diluir la cuestión
eludiendo las diferencias económicas y de
clase social y banalizando sobre el tema. Así,
cuando Randhir (el pretendiente seleccionado
por Aisha) rechace a Shefali, aducirá que no
tiene tanto “estilo” como Aisha, evitando de
esta forma la
cuestión monetaria, y
es que la muchacha
pertenece a una clase
social inferior.
Aunque no estemos
ya en un sistema de
castas estricto, la
India no parece
alejarse demasiado
de los estándares de
la encorsetada sociedad decimonónica
inglesa, en la cual era imprescindible un
matrimonio entre iguales. Para el
espectador resulta evidente que no es
solo la escasa clase (en términos de
moda y maquillaje) de Shefali lo que la
convierte en una esposa poco deseable,
sino que su escaso patrimonio juega un
papel más que fundamental.
Sin embargo, como todas las historias
de Jane Austen, las tribulaciones de las
protagonistas no impiden su realización
final, y el desenlace está por ello repleto
de bodas y uniones felices. Por tratarse
de una adaptación en
clave bollywoodense, las citadas bodas
son sumamente coloristas, llenas de
preciosos saris, exóticos tocados e
impresionantes coreografías grupales
que ponen punto y final a todas las
historias románticas.
Si algo podemos reprochar al filme, en cuanto
a adaptación cinematográfica, sería su
exagerado afán por asegurar el happy
ending para todos y cada uno de los
protagonistas, dulcificando en exceso cada
personaje para que consiga el amor, a costa
de desvíos argumentales fuera de todo
sentido. Así mismo, la película se regodea en
su romanticismo, ofreciendo escenas de
empalagoso amor, con eternas declamaciones
Arriba: Aisha podando; abajo: fotograma de Emma (2009) con la protagonista realizando la misma labor.
Fotograma de la película que recoge una de las coreografías grupales.
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tanto de Aisha como de Arjun.
Mr. Knightley decía, en la novela de Austen:
“I cannot make speeches, Emma… If I loved
you less, I might be able to talk about it
more”.56 Pues bien, todo el romanticismo que
encierra esta declaración apenas
pronunciada, sucumbe en la adaptación
cinematográfica ante la sobreexplotación de
unos sentimientos que, no por ser
verbalizados, son más profundos que los del
personaje literario.
En términos generales, la película está bien
realizada, con una banda sonora que combina
el pop con la música tradicional de la India,
ofreciendo una interesante mezcla entre
modernidad y folclore, presente a lo largo de
todo el filme. El propio personaje de Aisha
bascula entre la moda de diseño y haute
couture, y los abigarrados saris que luce en
las ocasiones especiales. Una sugerente
mezcla que otorga un aire vigorizante a todo
un clásico de la literatura universal.
56 “No soy hombre de muchas palabras, Emma. Si te amara menos, sería capaz de hablar más de ello.”
Las fans de Jane Austen disfrutarán
con Aisha, reconociendo los personajes,
argumentos y pequeños detalles de la obra
original, pero también aquellos que se
acerquen por primera vez a esta historia,
podrán pasar un rato entretenido de la mano
de esta caprichosa aunque adorable niña
bien.
Para saber más:
- Ficha de la película en IMDb.
A la izquierda Aisha (en el centro) con ropa moderna; a la derecha Aisha, en otro momento del filme, luciendo la vestimenta tradicional.
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Bruno Oro es uno de los comediantes que
integran el elenco del programa de humor
político catalán Polònia. Es, de hecho, una de
las estrellas del programa, por su imitación
(ya casi con vida propia) de una figura clave
en la política catalana de los últimos años:
Artur Mas, además de otros personajes de
aparición regular, como puede ser el ministro
de Economía y Hacienda, Cristóbal Montoro.
Sin embargo, la gran versatilidad imitativa y
vocal de Bruno Oro no solo están al servicio
del programa en particular (su habilidad para
el canto se pone de manifiesto
frecuentemente en la sección de vídeos
musicales) y del humor en general, sino que
también se ha adentrado en otro tipo de
proyectos, más personales, entre los que
destaca la publicación de tres
discos: Napoli (2008), Tempus Fugit (2011)
y Viatge de l’Home que Esturnuda (2014).
El que centra nuestra atención en esta
ocasión es el segundo, un disco plurilingüe
(recoge temas en catalán, castellano e
italiano) de influencias eclécticas
abiertamente demostradas, en el que se
combinan los ritmos y lugares comunes de
los crooner norteamericanos, al más puro
estilo de Frank Sinatra o Bing Crosby, con
melodías más cercanas al swing, coqueteos
con el italo disco, y temas intimistas a ritmo
de jazz.
Además de las influencias en el plano
estrictamente musical, las letras poseen
también interesantes referencias a la cultura
popular contemporánea, y algunas de ellas,
como veremos, son evidencia viva de la
afinidad y cercanía cultural que Cataluña
Influencias orientales en la faceta
musical del polifacético Bruno Oro
Por Carolina Plou
Bruno Oro caracterizado como Artur Mas, en una imagen promocional del programa Polònia (fuente: elperiodico.com).
Bruno Oro, en su faceta como músico (fotografía: Anahí Montfort, fuente: rottanopina).
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posee con Asia en general.57
Tempus Fugit abre con una canción divertida,
que tiene al futbolista Lionel Messi como
protagonista. Le sigue Descalza por París,
una canción amable con un deje melancólico
que podría encajar perfectamente dentro de
la esfera indie.
El tercer tema, New York, posiblemente sea el
más influenciado por los pop
standards norteamericanos. Geloso, por su
57 Lo hemos podido ver en Ecos de Asia a través del festival de cine Casa Asia Film Week, celebrado en Barcelona, así como otros eventos, como un concierto de la Pochen Municipal Art Company, exposiciones como la de Tokyo Blur del barcelonés César Ordóñez; el Festival Asia o el protagonismo de distintas culturas asiáticas en el engalanamiento de las calles durante las Fiestas de Gràcia. Y más allá de nuestras páginas, la fuerte presencia de instituciones culturales (con Casa Asia, la Japan Foundation y el Instituto Confucio a la cabeza), de comunidades asiáticas y de comercios y negocios de hostelería (destinados a todo tipo de públicos, tanto emigrados como locales).
parte, juega con la esencia del italo disco en
un tema muy bailable (con un videoclip, por
otra parte, muy divertido, en el que mezcla
influencias de la estética del italo disco –y la
imagen de Pino d‟Angio– con ambiente
inspirado en los gángsters durante la Ley
Seca, con una dosis de humor e irreverencia
alentada por sus compañeros del Polònia, que
aparecen en el vídeo,
dándole una apariencia
de sketch del
programa). A partir
de Sr. Silenci, el disco da
un giro, adquiriendo una
dirección marcadamente
más personal e intimista,
que no aburrida: Sono
Incazzato y Risotto en Fa
Menor recurren a las
raíces más tradicionales
de la música
italiana, Quina Mandra
y, sobre todo,
Cadaqués, son dos
temas profundamente
melódicos. Pero sin
duda, los que nos
resultan de mayor interés
son Buda s’ha
enamorat y Narayama.
Buda s’ha enamorat construye una historia
de amor trascendente con referencias
modernas y mundanas (el –omnipresente–
Fútbol Club Barcelona y el gin-tonic). La
figura abstracta y divina de Buda se ha
enamorado de una chica, normal y corriente,
que le resulta fascinante y le hace descuidar a
sus feligreses. Cuando éstos le recriminan su
abandono de la meditación, Buda les replica
que hay otras cosas en la vida: que la creencia
de una persona no tiene por qué ser mística,
sino que puede existir fervorosa devoción
hacia asuntos mundanos. Todo el canto de
Buda hacia la belleza de los gestos cotidianos
Portada de Tempus Fugit.
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de su amada habla también de la iluminación
(en el sentido budista) de las cosas cotidianas,
un alegato a favor de las cosas más pequeñas
de la vida, que otorgan una mayor felicidad y
una mayor conexión con el universo que un
rígido conjunto de normas religiosas. A través
de frases poéticas y poderosas, con un
lenguaje muy cotidiano, Bruno Oro defiende
una vuelta al mensaje búdico más puro y
aplicado a una vida contemporánea y
aconfesional.
Resulta muy interesante, precisamente, esta
adopción intuitiva de esos principios búdicos:
no se habla estrictamente de budismo, sino
que se toma a Buda y a los monjes budistas
como personajes de una historia corriente.
iés tan màgic, que ho tinc al davant
i sembla que ho estigui somniant
i és tan màgic que ho tinc al davant…
i ho estic enyorant.
En esta frase, que significa “y es tan mágico
que lo tengo delante / y parece que lo esté
soñando / y es tan mágico que lo tengo
delante… / y lo estoy añorando”, se describe
una sensación cercana a la trascendencia
mística de la iluminación búdica o satori,58
sin llegar a abandonar del todo el plano
mundano. Esta frase acompaña a una
referencia sobre el viento de tramuntana,
viento del norte al que tradicionalmente se ha
asociado una connotación enloquecedora.59
El otro tema, Narayama, es el que cierra el
disco. Resulta un cierre más que adecuado, ya
que alude a una supuestamente antigua
costumbre del Japón medieval en la que, en la
aldea situada a los pies del monte Narayama,
los hijos debían
abandonar a sus
padres ancianos,
cuando éstos se
convertían en una boca
que alimentar y
dejaban de poder
ayudar a la familia
(momento que se
marcaba,
simbólicamente, en el
70 cumpleaños), para
que les sobreviniera la
muerte en las nieves
del invierno. Esta
historia proviene en
realidad de una novela
que en 1957 publicó Fukasawa Shichiro, cuya 58 Nombre que recibe la iluminación en el budismo zen desarrollado en Japón. 59 Es un viento que suele soplar en la zona del Ampurdán, en Gerona. El mito de que resulta enloquecedor fue alentado, a lo largo del siglo XX, por figuras como el escritor Josep Pla o el artista Salvador Dalí, ambos nacidos y criados bajo este viento (en Palafrugell y Cadaqués, respectivamente). El primero por sus referencias literarias a la tierra de su infancia y el segundo por sus excentricidades contribuyeron a crear una leyenda que se ha mantenido viva en el imaginario popular a través de referencias cultas, en la literatura, y más populares, como por ejemplo en el rock catalán, con el tema L’Empordà de Sopa de cabra: “Nascut entre Blanes i Cadaqués/ molt tocat per la tramuntana/ d´una sola cosa pots estar segur / quan més vell més tocat de l´ala”, es decir, “nacido entre Blanes y Cadaqués, muy tocado por la tramontana, de una sola cosa puedes estar seguro, cuanto más viejo, más tocado del ala”.
Bruno Oro, interpretando al piano Buda s'ha enamorat, en el programa Els matins de TV3. Click aquí para ver el vídeo.
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dureza causó un fuerte impacto social,
otorgándole al autor diversos
reconocimientos, y adaptándose en distintas
ocasiones a televisión, radio y cine. La versión
más popular es la película La Balada de
Narayama, dirigida por Shohei Imamura,
ganadora de la Palma de Oro en el Festival de
Cannes de 1983.
La canción se centra en una evocación de un
final plácido, una muerte dulce y poética bajo
una nieve que todo lo cubre y que acaba con
todo el sufrimiento. Una experiencia dura,
cargada de onirismo, en la que letra y música
se unen para construir unas poderosas
imágenes visuales de un frío que cala hasta
los huesos, un frío real que deja entrever algo
de metafórico en su existencia.
Si bien Narayama responde a una influencia
más cotidiana, a través de una obra
audiovisual galardonada y reconocida
internacionalmente, Buda s’ha enamorat
evidencia una sensibilidad muy en
consonancia con la espiritualidad asiática, y
una aplicación práctica de sus principios en la
vida moderna. Ambas canciones, que aúnan
estas referencias cultas con unos arreglos
musicales muy cuidados, se convierten en dos
gratísimas sorpresas para el amante de lo
oriental, que se aparecen al oyente en un
contexto en el que no podría esperarse estas
influencias. Ambos temas, más allá de todo
esto, reflejan el eclecticismo de un disco que
posee una multiplicidad de referencias, de las
cuales aquí solo hemos mencionado algunas,
pero invitamos al lector a que se deje llevar y
profundice, descubriendo las suyas propias.
Uno de los múltiples diseños de carátula de La balada de Narayama, de Shohei Imamura (fuente: sensacine.com).
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Si comprendemos los gustos estéticos como la
búsqueda de lo armónico y la buena
apariencia a la vista desde un punto de vista
del análisis de la belleza debemos tener en
cuenta que cada cultura combina conceptos
determinados para establecer su estética y su
concepto de belleza, siendo este concepto el
que hace de la publicidad japonesa algo
completamente diferente a lo concebido como
tal en occidente, ya que parte de una filosofía
de valores ancestrales modernizados que
termina por mezclarse con un modelo
económico capitalista, introduciendo ideas
visuales que van desde el wabi-sabi60 hasta
el kawaii.61
Por ello, al hablar de los inicios de la
publicidad japonesa debemos desprendernos
en gran medida de la imagen que actualmente
conocemos. La historia de la publicidad en el
archipiélago nipón, al menos de manera
regulada, aparece ya en el siglo VIII, cuando
en el año 701 se publica el código Ganshiryô,
considerado como la primera normativa de
comunicación comercial, algo que se adaptó
posteriormente a nuevas legislaciones y que
indicaba la forma en que los signos utilizados
para publicitar un negocio debían ser
60 Concepto japonés que describe objetos o ambientes que destacan por una simplicidad rústica, combinando el minimalismo con la calidez de la naturaleza del propio objeto. 61 Gusto estético en el que lo mono y lo bonito predomina por encima de lo bello y lo refinado, llegándose a considerar como algo frívolo en ocasiones.. Este término se ha integrado en la cultura popular contemporánea de Japón.
mostrados al comercio, vinculándose todavía
con las enseñas empleadas con anterioridad a
esta normativa. Este código incluía también
prohibiciones acerca de la venta de productos
de dudosa calidad y promovía una pequeña
descripción sobre el elemento que se estaba
vendiendo junto a él. Este tipo de
indicaciones se hicieron realmente populares
alrededor del siglo X, especialmente las
cortinas que cubrían las puertas de los
comercios con su nombre o una imagen del
producto a vender, significado de buena
reputación y calidad en el sector.
Poco más de medio siglo después, en el año
764, aparece la que sería una primera
muestra publicitaria en el ámbito comercial
De la cartela a YouTube: un
acercamiento a la publicidad
japonesa Por Pablo Begué
Ejemplo de empleo del código Ganshiryô.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 56
japonés: los mokkan62 de Nara. Éstos eran
pequeños tacos de madera donde se escribían
algunos mensajes o textos literarios que
aprovechaban para difundir, según la nueva
normativa, el producto a vender,
convirtiéndose en un símil sobre madera de
los posteriores folletos donde se habla incluso
de convivencia ciudadana.
Esta idea se mantendría más o menos hasta el
período Edo, momento en el que
encontramos un gran auge de la publicidad
japonesa, ya que a mediados del siglo XVII
surgen los hikifuda, una suerte de panfletos
reproducidos mediante litografía a color cuyo
éxito fue rotundo y perduró hasta bien
entrado el siglo XIX, coincidiendo con el auge
del ukiyo-e, con el cual compartía formatos,
técnicas o incluso representaciones gráficas,
pudiendo considerarlo una variante de
carácter estrictamente publicitario. A esto
debe sumarse una fuerte promoción del
teatro Kabuki y la fuerte influencia que éste
generaría, ya que estos actores serían
utilizados para dotar de voz a los primeros
anuncios “audiovisuales” emitidos en directo
62 Los mokkan tuvieron numerosos propósitos como el de servir a modo de amuleto, de cuaderno de notas o para practicar caligrafía. Sin embargo, el uso más extendido sería el de atender a cuestiones comerciales y económicas para controlar el movimiento de bienes y la cesión de permisos dentro del recinto de palacio, contando, por tanto, con una alta carga administrativa, logística y mercantil.
entre los actos de la propia obra, encontrando
el caso de la tienda Wakamidori-ikioisoga,
cuyo anuncio para la venta de uirô, una
medicina para la tos, tenía una
representación sobre el escenario de unos
cinco minutos de duración.
Sin embargo, aunque ya en el siglo XVII
encontramos en Inglaterra la primera
entidad publicitaria del mundo, The Publicke
Register for General Commerce, que llevaba a
cabo algunos anuncios de labor estatal, el
oficio de publicista no aparece en Japón hasta
el año 1883 con la aparición de Kûkido Gumi,
la primera agencia comercial especializada en
los anuncios impresos, aunque respondiendo
a cualquier tipo de aviso. Sin embargo, una
primera entidad destinada exclusivamente a
la publicidad como agencia fue Nihon
Kôkokushaen, establecida en 1884 y
relanzada tras la II Guerra Mundial,
momento en que fue renombrada como
Kohôdo.
Al igual que sucedió en el resto del planeta, a
partir de la segunda mitad del siglo XIX la
publicidad evolucionó rápidamente y la
modernización de la era Meiji facilitó la
importación de tecnología y conceptos que
contribuirían al avance de ésta. Así, el
Mokkan conservados en el Palacio Heijô. Hikifuda del Período Meiji protagonizado por actores de teatro
Kabuki.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 57
dominio de los zaibatsu63 desempeñó un
papel fundamental en este sentido debido al
crecimiento de un fuerte sentimiento
nacionalista desde principios de siglo XX y
que desembocaría en cierta medida en el
período de entreguerras.
En este momento encontramos que ocupa
gran parte de la industria el comercio de las
empresas tabacaleras, atendiendo, al igual
que en Europa, a los símbolos de
masculinidad, de vigor, de fuerza… Siendo el
producto ideal para la imagen a exportar de
los soldados de un Japón imperial. En ella se
incluyen todavía algunos elementos
característicos de la representación de
los ukiyo-e o incluso de la pintura sumi-
e como la representación del monte Fuji, las
aves de presa, la vegetación, el mar… todo ello
como símbolo de la fuerza y el vigor nipón.
63 Grupos empresariales que, especialmente en la era Meiji, dominaron la economía y el comercio japonés.
Sin embargo, tras el enfrentamiento bélico y
la ocupación norteamericana todo cambió.
Debemos aceptar que es complicado
comparar los anuncios comerciales nipones
más contemporáneos con las prácticas
publicitarias de gran parte del resto del
mundo, ya que mientras en América o en
Europa se busca un alto grado de información
y fiabilidad, la mayoría de spots japoneses
son diseñados únicamente para el
entretenimiento puro y duro. Gran parte de
esto tiene relación con las teorías de la
psicología aplicadas al mundo de la
publicidad, buscando siempre comprenderse
los patrones de compra y comportamiento
que siguen los consumidores de cada
producto, además de buscar convencer de que
una marca ha sido fabricada exclusivamente
para ellos. Así, bajos grandes dosis de
divertimento, se busca ubicar un producto o
una marca como la óptima para cada
espectador. Esto viene dado por la idea de
que cada persona escoge sus marcas
basándose en las emociones positivas que se
experimentan mientras ven cada anuncio, de
manera que si alguien se siente feliz durante
su visualización van a tender a comprar dicho
producto, surgiendo así como principal
objetivo el entretener y hacer feliz a cada uno
de los consumidores.
Así, la nueva estética publicitaria japonesa
debe concebirse con un carácter utópico en el
que los anuncios buscan, por lo general,
presentar un entorno idílico alcanzado o
alcanzable a través del consumo de un
producto o servicio, al igual que la publicidad
occidental. Sin embargo, al contrario que en
ésta, la estética japonesa extrae algunas ideas
esenciales de la religión o del ámbito ritual
como la transitoriedad, la celebración de la
naturaleza o la belleza de la imperfección y la
sencillez, siendo algunas de las características
que podrían asociarse ya con esa publicidad
primaria del código Ganshiryô. Sin embargo,
Anuncio de 1900 de cigarrillos Chûyû.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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con la llegada de la contemporaneidad
van a promoverse nuevas
características como lo espontáneo del
ser humano, el ritmo cambiante de la
vida, lo misterioso, lo absoluto o lo
adorable a través del kawaii,
componiendo con ello lo que en
ocasiones se conoce en internet como
el factor WTF? (What The Fuck?).64
Sin embargo, la diferencia se debe no
sólo a una identidad cultural diferente,
sino también a cuestiones de corte
empresarial, algo que viene
incentivado por el control de más del 90% de
la producción publicitaria nipona por parte de
uno de los seis grandes grupos comerciales a
nivel mundial: Japan Advertising Ltd. and
Telegraphic Service Co., actualmente
conocido como Dentsu. Este grupo controla el
40% de los medios de comunicación
japoneses y tiene una cartera que supera los
cinco mil clientes habituales.
Dicha empresa fue fundada en 1901 y ya en
1906 estableció un departamento destinado
exclusivamente a la publicidad y
comercialización de sus bienes, algo que no
ha hecho sino reforzar con el paso del tiempo,
permitiendo que sobreviviera tras la
ocupación norteamericana del país,
adaptándose así a nuevas tendencias y teorías
publicitarias unidas a la psicología que ya
para entonces estaba en pleno auge en
relación con este campo, siendo un punto
clave de inflexión el del año 1955, cuando
cambia su nombre a Dentsu y parece dar una
vuelta de tuerca a todo este ámbito,
adaptando todos estos nuevos conceptos y
contenidos a una sociedad que necesita algo
64 Un factor que ayuda a cualquier tipo de producto audiovisual a convertirse en potencialmente viral a través de internet gracias a conceptos como lo confuso, lo terrorífico, lo inesperado o lo absurdo.
más allá de spots que puedan ser descriptivos
pero efímeros.
Comienza así a recurrirse a músicas
algo estridentes, colores llamativos, efectos
digitales… Todo ello apoyado por personajes
que van desde las celebridades del momento
en cualquiera de los ámbitos audiovisuales
hasta kanjis animados o personajes de
colores, informando de manera cada vez más
escasa de temas como el precio, el modelo o
incluso el producto y sus características,
intentando generar en el espectador un factor
sorpresa o de duda que supere las
necesidades de vender el producto de manera
directa. En ocasiones se recurre a actores
occidentales de reconocimiento internacional
o a viejas glorias de Hollywood para anunciar
productos que van desde tallarines bajo la
figura de Schwarzenegger hasta cintas TDK
amparadas por Andy Warhol.
Estas características de la televisión y la
publicidad japonesas quedan representadas
en series nacionales e internacionales
como Doctor Mateo o Friends, donde se
ensalza la idea de la “absurdez”, en relación
con un sentido paródico que permite que
estos fragmentos promocionales encajen a la
Póster promocional de la marca TDK protagonizado por Andy Warhol en 1980.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 59
perfección dentro de las tramas de ciertas
emisiones. También puede verse algo similar
en el largometraje Lost in Translation, donde
Bill Murray interpreta a una vieja gloria del
cine americano que pasa unos días en Japón
para publicitar whisky de arroz bajo la marca
Santori. En ella también podemos ver un
reflejo de la televisión japonesa, que en
ocasiones recurre a las mismas características
visuales de la publicidad con la intención de
crear segmentos televisivos llamativos y
perdurables en la memoria.
No obstante, a pesar de internet y la posible
“viralización” de cualquier material, a día de
hoy continuamos viendo estos anuncios como
algo extraño en el buen sentido de la palabra,
un breve vídeo curioso, entrañable y
anecdótico de un país que cada día está más
cerca. Por ello, desde el canal de
YouTube TheFineBros, los hermanos Rafi y
Benny Fine realizan de manera constante
grabaciones de reacciones por parte de
diferentes sectores de la población ante
diferentes realidades, siendo un recurso más
o menos habitual el de los anuncios
japoneses. Por ello, más allá de lo cómico de
la interacción del espectador, aprovechan
para mostrar testimonios de algunas
celebridades japonesas que reconocen
constantemente los anuncios, igual que en
occidente podría suceder con
muchas de los intro de series
televisivas, e incluso se
sorprenden al saber que
algunos de estos spots no son
comprensibles fuera de sus
fronteras, en muchas
ocasiones debido a la barrera
lingüística.
Así, podemos ver cómo, a
pesar de vivir en un mundo
globalizado, la visión de lo
exótico y lo curioso que
nuestros antepasados tenían
por el lejano oriente ha llegado hasta nuestros
días cambiando únicamente el soporte sobre
el que posar nuestra mirada. A pesar de ello,
la evolución de la historia de la publicidad
japonesa no ha sido demasiado diferente a la
de muchos otros lugares del mundo, siendo
su punto a favor el de convertirlo en un medio
a través del cual, además de vender, se quiere
entretener a un público que recordará
sentimientos y marcas.
Para saber más:
- “La estética japonesa y su
influencia en la publicidad”,
en cooljapan.es.
- “Publicidad japonesa”,
en ionlitio.com.
- “Los orígenes de la publicidad
japonesa”, en deculture.es.
- “La publicidad japonesa”,
en conexioncentral.com.
Anuncio del pintalabios para hombresIchiban protagonizado por Joey Tribbiani.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 60
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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La fascinación por lo exótico y la
representación y contacto con el otro se
remonta al siglo XVI, momento en el que
españoles y portugueses inician los primeros
contactos con China y Japón, estableciendo
unas primitivas relaciones entre ambos donde
primaba una vocación evangelizadora a
manos de órdenes como jesuitas, dominicos y
franciscanos, pero también comercial; si bien,
Japón terminó por cerrar sus fronteras,
considerando la presencia extranjera como un
peligro para su seguridad.
Durante las épocas del Barroco y el Rococó
podemos hablar de la presencia del estilo
artístico conocido como Chinoserie, cuyo
origen se encuentra en el coleccionismo de
objetos de lujo chinos -en realidad, eran
objetos creados especialmente para la
exportación, satisfaciendo en gran medida el
gusto occidental- como son porcelanas,
muebles lacados, tejidos y marfiles, entre
otros. Considerando su valoración y éxito,
estas piezas fueron imitadas por talleres
occidentales; a título de ejemplo, podemos
mencionar toda una serie de objetos de
porcelana que emulan las formas y motivos
propios de estas chinerías -elementos
vegetales, florales, animalísticos o incluso
paisajísticos, mostrando exóticos escenarios-.
Siguiendo este breve recorrido, debemos
mencionar el Japonismo, presente durante la
segunda mitad del siglo XIX y las primeras
décadas del XX. Esta segunda etapa nos habla
de la seducción del público por parte de
Japón dentro del ámbito de las Bellas Artes,
dando lugar a todo un género artístico65 y a
un importante fenómeno de coleccionismo de
piezas procedentes del País del Sol Naciente.
En este caso, uno de los centros de mayor
importancia en este nuevo período fue París,
lugar al que acudían apasionados
coleccionistas en busca de objetos orientales,
así como toda una serie de artistas
interesados en Japonismo.
Actualmente, se podría decir que estamos
viviendo un renacimiento de la etapa
anterior, un Neojaponismo donde los
aspectos apreciados por el público han
cambiado notablemente. Los grabados Ukiyo-
e han dejado paso al manga o cómic japonés,
de modo que en nuestro país y en todo el
mundo cada vez son más las obras que se
traducen a varios idiomas. Los quimonos se
han modernizado y están presentes en
muchas tiendas, al alcance de cualquiera; a
pesar de que pueden preservar ese matiz
exótico y diferente, lo que nos llama la
atención realmente son las modas populares
que a día de hoy se encuentran en las calles de
Japón. Grandes novelistas japoneses como
65 Consistente en la utilización de objetos y temas japoneses, como la flora y fauna, atuendos tradicionales y decoraciones de interiores, para la configuración de diversas obras de arte, siempre subrayando su carácter exótico.
El reflejo del otro I: La
interpretación de Oriente a través
de la muñeca popular occidental
Por María Gutiérrez
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 62
Murasaki Shikibu han dado paso a las nuevas
estrellas de las letras japonesas, como es el
caso de Haruki Murakami. Y estos son sólo
algunos de los ejemplos que podemos
mencionar, dejando de lado campos como la
música, el kawaii o toda una serie de artistas
japoneses contemporáneos.
A pesar de estos cambios, hay toda una serie
de elementos que no varían, como es el caso
de la representación del otro: en
algunas novelas occidentales
aparecen personajes japoneses o
se intenta conseguir una
ambientación nipona, ya sea
actual o histórica; otros
dibujantes intentan plasmar
tanto estilos como personajes
que nos remiten al archipiélago
nipón; músicos, o poetas, por
ejemplo, que buscan su
inspiración ya sea en
instrumentos tradicionales, o
bien en la sobriedad de
los haikus creados por los
maestros antiguos. Pero en esta
serie de artículos nos vamos a
centrar en un campo muy
diferente, como es el caso de las
muñecas.
Lo que en Occidente se presenta
mayoritariamente como un
banal juguete infantil sin apenas
valor, por otro lado es apreciado
por una legión de apasionados
coleccionistas que saben
apreciar estas pequeñas figuras.
Las empresas correspondientes
han sabido aprovecharse de lo
que hemos comentado, poniendo
a la venta piezas más cuidadas y
estéticas que muchas veces son
un reflejo de Oriente y su
exotismo. Por otro lado, no
podemos descartar el papel de las muñecas
como juguete infantil, quizás alguno de
nuestros lectores haya tenido durante su
infancia una pequeña japonesita o chinita, ya
sea una fashion doll o muñeca de vestir -
como puede ser el caso de Barbie-, muñecas
que representan a bebés de todo tipo de razas
u otros tipos de figuras. Considerando esta
función preeminente como juguetes se
consigue acercar al público infantil a
Oriental Barbie (1981), uno de los primeros modelos de Barbie que se centró en la representación de Oriente, dando lugar a una imagen con ciertos tópicos, como es el caso
del abanico o el corte del vestido.
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personajes de países diferentes, fomentando
la tolerancia y ampliando el conocimiento del
niño; si bien, esto puede convertirse en un
arma de doble filo, promoviendo imágenes
arquetípicas -tanto positivas como negativas-
que lleven a una idealización e identificación
de Oriente mediante una serie de tópicos.
A través de los artículos pertenecientes a esta
saga, analizaremos algunas de las muñecas
producidas por firmas occidentales que han
dejado una cierta huella en la sociedad. Este
es el caso de la eterna muñeca Barbie, las
menos conocidas y apreciadas Bratz y, a día
de hoy, las múltiples Monster High. Mediante
estos tres modelos se nos han dado a conocer
costumbres y culturas de todo el mundo -
algunas en mayor y menor medida, como
veremos más adelante-, que muchas veces
han pasado desapercibidas por ese matiz que
tienen de juguetes que resulta muy limitativo,
mediante una serie de elementos que serán,
en la mayoría de los casos, tópicos, pero que
en ocasiones van mucho más allá.
Hemos de tener en cuenta que estos tres
ejemplos de muñecas pertenecen al ámbito de
las fashion dolls o muñecas para vestir y
peinar a la moda, por lo que el elemento que
las caracteriza es la ropa y accesorios que las
acompañan, prendas sobre las que recaerá la
inspiración oriental, sobre todo este es el caso
de Barbie -a pesar de que en ella podemos
destacar algunos cambios en la morfología del
rostro, según la antigüedad del modelo-
yBratz, que ya de por sí presenta una mirada
de ojos rasgados. Las muñecas pertenecientes
a la serie Monster High han dado un paso
más allá al modificarse, según el modelo, su
anatomía y su rostro, presentando diferentes
cuerpos y moldes según el personaje que
analicemos. Un ejemplo de ello que
comentaremos en posteriores entregas es el
modelo Jinafire Long, como representante de
Imagen promocional de la línea de Bratz Tokyo a Go-go (2004) con una no tan clara inspiración en la cultura popular japonesa, destacando las tendencias del barrio de Harajuku.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
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la cultura china, cuyos progenitores son los
dragones, con un cuerpo modificado para
darle a la piel una apariencia escamosa,
dotada de garras e incluso con una larga cola.
Tras esta primera introducción, esperamos
que el lector nos acompañe en este recorrido
por el reflejo de Oriente a través de las
muñecas occidentales, poniendo de relieve de
nuevo, como en el principio de este primer
artículo, la fascinación por el mundo oriental
por parte de Occidente, así como ese interés
que sigue presente a día de hoy y que se
refleja, como es el caso, en aquellos objetos de
lo más comunes.
Para saber más:
- Almazán, David. “La seducción
de Oriente: De la Chinoserie al
Japonismo”, Artigrama, nº18,
2003, pp. 83-106.
Primera edición (Scaris, 2013) de la Monster High Jinafire Long, hija de los dragones chinos, con una evidente inspiración en la cultura del Imperio Celeste. Destaca en ella la existencia de una mezcla chino-
japonesa de elementos.
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La editorial Satori -y
más concretamente
el sello denominado
Satori ficción- nos
trae una nueva e
interesante obra
titulada La katana
del lamento, de Fubo
Hayashi. Esta novela
abre una nueva serie
protagonizada por el
personaje de Tange
Sazen, un samurái
tuerto y manco que
se verá envuelto en
toda una serie de
intrigas tras hacerse
con una catana
legendaria conocida
como la Kenunmaru.
Partiendo del
argumento de esta
primera entrega, nos
encontramos con una
competición
organizada por
Tessai, un maestro
de la espada que
insta a sus alumnos a
retarse entre ellos
cada año para conseguir la pareja de espadas
legendarias, conocidas como Kenunmaru y
Konruymaru, de modo que la primera le
corresponde al ganador y la otra al que quede
en segundo lugar, si bien ese año también
está en juego la
mano de su hija
Yayoi. Sin
embargo, los
vencedores en los
duelos siempre
devuelven ambas
espadas, ya que
existe una leyenda
que afirma que si
quedan separadas
estallará el caos.
Durante la
competición
aparecerá un
extraño en la
escuela, un
hombre manco y
tuerto que quiere
enfrentarse al
ganador del
torneo, Tessai
decide
permitírselo y es
así como Tange
Sazen se hace con
una de las
espadas como
ganador. Durante
la ceremonia
posterior es
costumbre que los participantes devuelvan las
armas para que la leyenda no se cumpla, sin
embargo, Sazen desaparece en la oscuridad
llevándose consigo a la Kenunmaru y
Reseña literaria. La katana del
lamento, de Fubo Hayashi
Por María Gutiérrez
Edición publicada por la editorial Satori. Destaca la ilustración de portada a manos de Tomiya Oda.
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desatando el caos entre los aprendices de
Tessai. A partir de este momento se iniciarán
las intrigas en contra de Tange Sazen, con el
objetivo de arrebatarle la catana y acabar con
su vida. Amor, sangre y un ritmo trepidante
se combinan para dar lugar a la primera
entrega de una saga adictiva y ligera.
Como denota el argumento que comentamos
anteriormente, la trama resulta algo
enrevesada, característica que dota de interés
a la novela y mantiene al lector atento a cada
uno de los acontecimientos que tienen lugar.
En su favor, destaca el hecho de que siempre
nos vamos a mover entre un mismo grupo de
personajes, por lo que terminarán por
resultar fácilmente reconocibles. El ritmo de
la historia es bastante ligero y dinámico,
constantemente ocurren diversos
acontecimientos que se entrecruzan unos con
otros dando lugar a una historia llena de
enigmas que, hasta el momento, no llegan a
resolverse. No podemos dejar de destacar el
final de esta primera novela, donde la acción
se acelera de forma frenética, aportando a la
historia tensión gracias a los cambios de
punto de vista del narrador -es decir, en el
relato los escenarios van cambiando, de modo
que el narrador nos acerca a determinados
personajes y sus acciones, sin llegar a
desvelar los puntos fundamentales, dejando
al lector con la miel en los labios- en los
momentos más importantes. La conclusión de
esta novela nos deja confusos, sin entender
que ha ocurrido en apenas diez páginas, de
modo que la segunda entrega se hace
completamente imprescindible para conocer
una nueva etapa en las aventuras de este
curioso personaje.
Además de la historia propiamente dicha,
destaca un epílogo por parte de Jesús Palacios
que nos acerca a la figura de Tange Sazen y
sus apariciones en otros medios como es el
caso del cine, entre otros. También, no
podemos dejar de destacar la portada que se
ha escogido para esta edición con una
ilustración a manos de Tomiya Oda que
representa al protagonista de la novela.
A modo de conclusión, no podemos sino
poner de relieve otra vez lo intenso y
dinámico de esta historia, con una trama que
atrapa al espectador protagonizada por una
serie de personajes sin escrúpulos ni reparos
a la hora de salvar su propia vida y satisfacer
sus necesidades.
Retrato de Kaitarô Hasegawa, escritor que se esconde bajo el pseudónimo de Fubo Hayashi.
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Quaterni, a finales de 2014, nos obsequió con
una edición en castellano de El Castillo de los
Búhos, novela escrita por Ryôtarô Shiba
(1923-1996), uno de los principales autores de
literatura histórica japonesa. Ryôtarô Shiba
empezó trabajando como periodista, pero ya a
la edad de treinta años sopesaba la idea de
publicar una novela. Confeso admirador de la
literatura rusa y de los clásicos chinos, en el
año 1956 publicó El Mago de Persia,
galardonada con el prestigioso premio
Kôdansha Bunraku, que le granjeó un gran
reconocimiento. Su producción posterior hizo
que se le comparara con Yamada Futarô, el
gran maestro de la épica histórica japonesa.
La publicación por entregas de El Castillo de
los Búhos, entre abril de 1959 y febrero de
1960, su posterior buena acogida y
galardonada con el premio literario Naoki
Sanjûngo, le hizo abandonar el periodismo
para centrarse en su carrera literaria. A lo
largo de su vida produjo una gran cantidad de
novelas y de relatos cortos que fueron
editándose en distintas recopilaciones.
Muchos de sus grandes títulos versaron sobre
temas históricos, estando la mayoría
ambientados en el periodo Sengoku (1467-
1615), durante el shogunato Tokugawa (1616-
1868), o en la Era Meiji (1868-1912), épocas
caracterizadas por fuertes transformaciones
políticas y sociales.
En el Castillo de los Búhos el autor nos
traslada a finales del periodo Sengoku, un
momento especialmente convulso de la
historia japonesa. Las cruentas guerras civiles
entre los belicosos señores feudales han
quedado atrás, vislumbrándose ya la unidad
de la nación que traerá consigo la ansiada
paz. Japón está gobernado por
el Taiko Toyotomi Hideyoshi (1537-1598),
quien ha completado la labor emprendida por
su señor, el fallecido Oda Nobunaga (1534-
1582), y ha logrado someter a la totalidad de
los señores feudales del país. Sin embargo,
el Taiko presenta una edad avanzada y su
heredero es extremadamente joven, por lo
que los distintos poderes y facciones
empiezan a moverse con el fin de estar lo
mejor posicionados una vez Hideyoshi muera.
En este juego de intrigas y traiciones
desempeñarán un papel fundamental
los ninja o shinobi de la región de Iga.
El castillo de los búhos Por David Lacasta
Portada del libro reseñado.
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La antaño poderosa región de Iga, hogar de
una de las escuelas más célebres de ninja, fue
arrasada por Nobunaga durante sus
conquistas. Los ninja supervivientes, caso de
nuestro protagonista, Tsudzura Jûzô,
malviven ocultos en las montañas. Tsudzura
Jûzô se trata de un experimentado
maestro ninja que jugó un papel destacado
en el convulso periodo de guerra civil, y que
gracias a sus excepcionales cualidades supo
salir triunfante de innumerables misiones. Un
día su antiguo maestro, Shimotsuge
Jirôzaemon, acude a él para comunicarle un
último encargo, se les ha pedido que
Toyotomi Hideyoshi, el hombre más
poderoso de la nación, debe morir.
Con este apasionante planteamiento el autor
nos guiará por un recorrido en el que
acompañaremos a Tsudzura Jûzô a través de
todos los preparativos para llevar a cabo esta
difícil misión, veremos cómo valiéndose de su
perfecto entrenamiento y maestría es capaz
de infiltrarse en inexpugnables mansiones y
castillos, seremos testigos de las artimañas
empleadas por los ninja para confundirse
entre la población y, como gracias a su total
conocimiento de la naturaleza, se valían de
esta para enmascarar sus actividades. Para
llevar a cabo satisfactoriamente el encargo,
nuestro protagonista contará con la ayuda de
distintos personajes, así como con la
oposición de un antiguo compañero, Kazama
Gohei, un experimentado maestro ninja y
antiguo compañero de Jûzô quién, cansado
de la vida de mercenario y ante la
imposibilidad de progresar en la férrea
sociedad feudal japonesa, cambia de bando y
sirve como samurái bajo las órdenes del
comisario de Kioto. También entrará en
escena Kohagi, una misteriosa
mujer ninja que ayudará a Jûzô pero cuyos
intereses y motivaciones se nos presentan
ambiguos.
La novela, perfectamente ambientada, nos
hace partícipes de este periodo de la historia
japonesa, seremos testigos de la pasión de
Hideyoshi por la ceremonia del té y el teatro
Nô, de las desiguales relaciones que
mantenían los samurái con el resto de la
sociedad, así como de la compleja situación
de la mujer, personificado en los personajes
de Kohagui y Kisaru, quienes se rebelaran
ante la frustrante subordinación a los
intereses familiares. La erudición del autor
queda de manifiesto en la recreación de cada
pequeño matiz de la historia, como por
ejemplo en la descripción de las vestimentas,
edificios y jardines de la época, así como en
los entresijos de algunos oficios del Japón
tradicional, los cuales nos describe con todo
lujo de detalles a través de los distintos
disfraces de los que se valdrá Jûzô para pasar
desapercibido. A todo lo dicho añadir las
difíciles relaciones entre unos personajes que,
movidos por distintas motivaciones, en
ocasiones totalmente contrapuestas, como es
el caso de Jûzô y Gohei, que perseverarán por
alcanzar sus objetivos.
El Castillo de los Búhos se trata de una
lectura indispensable y totalmente
recomendable no solo para el interesado en la
cultura japonesa, sino para cualquier lector
de novela histórica y de aventuras, a quien a
buen seguro conquistará con sus
extremadamente bien narradas escenas de
acción e infinidad de desafíos a los que se
deberá enfrentar Tsudzura Jûzô.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 70
Aunque cueste
hacerse a la idea
debido a su
prácticamente nula
repercusión en
España (de hecho la
película no ha llegado
ni siquiera a dicho
país), When Marnie
was there (2014) se
alza como otro de los
muchos impecables
productos nacidos
del Studio Ghibli.
Con el título Omoide
no Marnie en
japonés, se trata de
un largometraje
basado en la novela Cuando Marnie estuvo
allí (1967) de la escritora británica Joan G.
Robinson. La misma fue además ilustradora
de libros para niños, publicando su primer
ejemplar en 1939. A su vez, y precisamente a
partir de la ya citada obra, comenzó con una
serie de novelas para adolescentes.
Tanto la obra literaria como el largometraje
cuentan la historia de Anna, una joven
muchacha que no tiene amigos. Sumida en la
soledad y sus fantasmas familiares, su madre
adoptiva decide enviarla durante la
temporada de verano a Norfolk con sus tíos.
Allí, recorriendo las dunas cercanas al mar,
conoce a Marnie, una misteriosa chica con la
que pronto comenzará una intensa amistad.A
su vez, establece una extraña, y al mismo
tiempo familiar, relación con la Casa del
Pantano; lugar donde se hospeda su nueva
amiga. Un día, sin embargo, ésta desaparece,
y se instala en la casa una nueva familia, los
Lindsay. Anna empieza a relacionarse con
ellos, especialmente con la hija, mientras, de
forma paralela, va descubriendo nuevos datos
sobre Marnie.
Dirigida por Hiromasa Yonebayashi (segundo
largometraje del mismo en Studio Ghibli
tras Arrietty y el mundo de los diminutos, de
2010), se trata de la última película del
estudio japonés después del anuncio del cese
temporal de producciones de largometrajes.
La decisión parece ser que no solo fue debida
a las escasas recaudaciones de When Marnie
was there, sino que otros factores también
influyeron en la misma (retirada de Hayao
Miyazaki, estudio de animación con plantilla
de trabajadores fija).
Crítica: When Marnie was there
(2014) Por Ana Asión
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 71
En cuanto a la
película, se trata de un
impecable drama, a la
altura sin duda de los
mejores trabajos
anteriores de sus
creadores (desde El
castillo en el cielo de
Miyazaki en 1986
hasta El cuento de la
princesa Kaguya de
Takahata en 2013).
Si bien es verdad que
en ciertos instantes
puede resultar algo
pausada, e incluso
lenta, logra al mismo
tiempo que el
espectador empatice de inmediato con el
personaje de Anna. Su dulzura, su aire
melancólico son componentes que exhibe
desde el inicio del largometraje, y que la
acompañarán en todo momento a lo largo de
su evolución personal. La trayectoria de la
misma, y con ello el propio argumento, dan
un giro radical en el momento que conoce a
Marnie. En esos instantes la película se vuelve
algo más tópica, edulcorada, al contar los
encuentros esporádicos y misteriosos entre
ambas jóvenes.
La animación por su parte resulta impecable.
La magia del Studio Ghibli vuelve de nuevo a
aparecer en este largometraje a través, no
solo de sus deslumbrantes paisajes, sino en
cada uno de los escenarios donde se
desenvuelven sus protagonistas.
Por otro lado, la banda sonora alcanza un
nivel más que óptimo, logrando convertirse
en un perfecto acompañamiento de cada una
de las escenas. Sin embargo actúa sobre las
mismas de un modo mimético, sin restarles
protagonismo, algo que hace que no se pueda
rescatar ninguna canción de la película por su
sobresaliente papel.
Para concluir, solo queda mantener la
esperanza en que la despedida de Studio
Ghibli con When Marnie was there no sea en
realidad un “adiós” sino un cercano “hasta
luego”. De hecho son muchos los que ansían
que esta espera sea lo más corta posible.
Para saber más:
- Tráiler When Marnie was there.
- Web oficial.
- Ficha en IMDb.
- Ficha en Filmaffinity.
- Ficha en Sensacine.
Escena de When Marnie was there.
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El escepticismo nos invade ante el reinicio de
una saga conocida. Siempre queda patente el
temor de los más adeptos a que su adorada
serie se convierta en un desastre. Sin
embargo, parece que la opinión general ha
sido más que favorable para este videojuego.
No era un reboot necesario pero lo cierto es
que les ha salido muy bien. La idea de
conocer los inicios de Lara Croft, uno de los
personajes más queridos de los juegos de
aventuras, tiene sin duda su
atractivo.
La dinámica es un poco diferente a
los anteriores Tomb Raider, pero
lo básico sigue ahí: tenemos ante
nosotros a Lara Croft, eso sí, más
joven y con menos experiencia. En
ella, ya podemos ver la fuerte
personalidad de la Lara que
conocemos, la arqueóloga
incansable y mucho más seria que
Indiana Jones, de quien siempre se
ha comentado que es su
inspiración directa. Resolver
misterios y encontrar reliquias va
a seguir siendo el objetivo
principal, y lo interesante en este
caso es que el juego se ha
modernizado de acuerdo a las
tendencias actuales: ya no se
trata de un juego en el que se van
sucediendo distintos niveles, sino
que Lara puede moverse por un
mundo abierto.
La historia comienza con la
primera expedición en la que participa. El
barco en el que viajan se aventura
peligrosamente por el Triángulo del Dragón,
al Este de Japón, donde naufraga,
cumpliendo así su objetivo: encontrar la
mítica isla de Yamatai. Ésta, hoy en día, sigue
siendo un misterio, pues a pesar de los
numerosos escritos sobre su existencia no se
ha conseguido encontrar su localización real.
En el videojuego, la isla está habitada por una
violenta secta formada por supervivientes, y
por los samuráis que guardan un antiguo
Crítica: Tomb Raider: Definitive
Edition Por Marina Royo
Nuevo diseño de Lara Croft con su aspecto más juvenil.
Escenario en el que podemos ver la arquitectura típica japonesa.
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 73
monasterio. Estos guerreros son los
llamados Oni, criaturas del folclore japonés.
Han sido representados como enormes
personajes que portan una típica armadura
samurái así como una terrorífica máscara. Su
misión es proteger el cuerpo donde está
atrapada el alma de Himiko, a la que llaman
Reina del Sol. Himiko fue en realidad una
reina chamán que aparece documentada en
los registros históricos chinos del siglo III. Su
nombre significa “hija del sol”, por lo que ha
sido puesta en relación con la diosa
Amateratsu, y efectivamente se cree que reinó
en la tierra de Yamatai.
Evidentemente las licencias que se toman son
grandes, sin embargo toda la ambientación de
carácter oriental crea la atmósfera
perfecta. Su estilo podría
asemejarse al de “Indiana Jones y
el Templo maldito”, donde la
búsqueda de reliquias está
impregnada de algo mucho más
turbio.
Los diferentes espacios creados
para el juego son muy variados, y
en ellos podremos ir encontrando
todo tipo de objetos. En primer
lugar, documentos de distintas
personas que han vivido en un
momento o en otro en la isla,
que nos ayudarán a ir
descubriendo secretos; y
también reliquias, que Lara irá
guardando, cada cual más
interesante que la anterior.
Podemos toparnos con una
máscara tradicional de
teatro Noh, abanicos del
periodo Edo, monedas de
distintas épocas, jarrones
funerarios y dagas chinas, e
incluso una cerámica Satsuma
y varios inro del periodo Edo.
Conforme vamos abriendo el
mapa y avanzando en la historia, adquirimos
experiencia, lo que nos permite mejorar las
habilidades de Lara así como sus armas.
En resumidas cuentas, es un juego
sumamente disfrutable: dinámico,
entretenido, lleno de acción y una estética a la
altura de los juegos anteriores. Toda la trama
en torno a Yamatai y Himiko está muy bien
elegida, pues descubrir lugares perdidos y
coleccionar objetos antiguos es una de las
especialidades de Lara Croft.
Lara dentro de un monasterio donde podemos ver como las imágenes de Himiko están claramente influenciadas por las de Amateratsu.
Caballo de jade de la dinastía mongol Yuan.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 74
La película The Pirates (2014), nos
traslada al turbulento momento de
la historia coreana a finales del
siglo XIV. La dinastía de los
Goryeo, que había gobernado el
país durante más de quinientos
años, se ha desmoronado como
consecuencia de las guerras
internas y de la larga ocupación
mongola. El general Yi Seonggye,
llevó a cabo un golpe de estado y se
proclamó como nuevo rey de Corea
con el nombre de Taejo. Su primera
intención fue la de continuar bajo el
nombre de la antigua dinastía
Goryeo, en la que simplemente
sustituiría la línea real sucesoria
por la suya propia, manteniendo así
la fachada de continuación y
tradición. Sin embargo, después de
numerosas amenazas de rebelión
por parte de ciertos sectores de la
nobleza, que veían peligrar sus
privilegios con el nuevo dirigente,
se llegó a la conclusión en la corte
de que era necesario un nuevo
título dinástico. Así, con el fin de
representar el cambio, se declaró
una nueva dinastía en 1393 con el
nombre de Joseon (nombre que
intentaba revivir la dinastía coreana
más antigua, conocida también
como Joseon, legendariamente fundada
cuatro mil años antes), y se cambió el nombre
del país por el de “Reino de Gran Joseon”.
En este turbulento periodo de cambio, un
barco con emisarios de la corte coreana
retorna a su país tras mantener una audiencia
con el emperador Ming de la vecina y
poderosa China. El emperador ve con buenos
ojos la instauración de la nueva dinastía en
Corea, por lo que les hace entrega de un sello
real, que simboliza la legitimación del nuevo
Crítica: The pirates (2014)
Por David Lacasta
Cartel promocional de The Pirates (2014).
[REVISTA ECOS DE ASIA / Nº 17] Junio de 2015
REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 75
gobernante Joseon, quién a partir de
entonces pasará a convertirse en vasallo del
imperio Ming, al que deberá rendir tributo
todos los años venideros mediante el envío de
doncellas y eunucos. Durante el viaje, el
oficial al mando del barco da la orden de
disparar a un joven ballenato que se
interpone en la trayectoria de la nave, acción
que desencadenará el ataque de su furiosa
progenitora. La descomunal ballena no
solamente se contentará con hundir el barco y
acabar con la mayor parte de la tripulación,
sino que se tragará el sello real, dando al
traste con las aspiraciones de legitimación del
nuevo reino.
Para recuperar el sello, la corte ofrecerá una
más que generosa recompensa, haciendo que
distintos grupos de mercenarios y militares
partan a la caza del animal. Entre estos
encontraremos a un grupo de piratas
comandados por Yeo-wol (Ye-jin Son), una
joven capitana famosa por sus asaltos a lo
largo de los mares de todo Extremo Oriente.
A la búsqueda de la ballena se unirá también
una curiosa banda de bandidos de las
montañas, (entre cuyos miembros
encontramos a un orondo monje budista, en
clara alusión a los bandidos más famosos de
Sherwood), cuyo líder, Jang Sa-Jung (Kim
Nam-Gil), un antiguo desertor del ejército
coreano, verá en la jugosa recompensa una
salida a su más que precaria situación, ya que
los asaltos perpetrados contra las tropas del
gobierno no son todo lo efectivos que
deberían. Tras una serie cómicas y absurdas
situaciones en las que se demostrará el total
desconocimiento por parte de los bandidos
del medio marino, terminarán aunando sus
fuerzas con los piratas de Yeo-wol. Ambos
líderes, en la búsqueda del sello real, además
de intentar dar con la ballena, se deberán
enfrentar a sus antiguos jefes, el peligroso y
curtido pirata So-Ma (Lee Kyoung-Young),
bajo cuyo mando Yeo-wol actuaba en el
pasado, así como con el despiadado oficial del
ejército coreano Kim Tae-Woo(Mo Hong-
Gab), antiguo superior de Jang Sa-Jung.
El cine de temática histórica con ciertas dosis
de fantasía representa un género
tremendamente atractivo para el público
coreano, prueba de ello son las más que
buenas cifras obtenidas por The Pirates en
Corea del Sur, donde fue capaz de congregar a
más de siete millones de espectadores en las
salas del país. La cinta dirigida por Seok-hoon
Lee, se trata de un producto tremendamente
entretenido gracias a su marcado carácter
aventurero, en el que no faltarán
persecuciones, explosiones y complejas
coreografías acrobáticas, así como una
cuidada puesta en escena, además de una
espectacular fotografía, especialmente en lo
referido a las escenas submarinas. La
película, ambientada en un periodo histórico
casi del todo desconocido en Occidente,
podría en un primer momento plantear dudas
al espectador, por lo que desde Ecos de Asia
esperamos haber acercado al lector esta más
que interesante propuesta del cine
surcoreano.
Para saber más:
- Ficha en IMDB.
- Ficha en Filmaffinity.
- Tráiler en Youtube.
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REVISTA ECOS DE ASIA / revistacultural.ecosdeasia.com / JUNIO 2015 Página 76
Podríamos considerar a Sailor Moon como
una de las heroínas más conocida por los
seguidores de los mangas y series animadas
japonesas. Recientemente, la justiciera
uniformada ha celebrado su veinte
aniversario, y a modo de conmemoración -
además de toda una serie de productos y
réplicas basadas en los objetos que aparecen a
lo largo de la obra que se ponen al alcance de
los seguidores- se ha abordado una nueva
versión del anime bajo el título Sailor Moon
Crystal,66 que empezó su andadura el pasado
verano. Desde Ecos de Asia queremos reseñar
66 Más información acerca de esta serie aquí.
el primer arco de la serie mencionada,
valorando diferentes aspectos como la
estética de los personajes y la fidelidad a la
obra de Naoko Takeuchi -creadora de este
personaje y de todo el universo que
comprende- en esta nueva adaptación.
En cuanto al argumento, en los primeros
capítulos de este arco asistiremos al
descubrimiento por parte de Usagi Tsukino
de sus poderes y su identidad secreta como
Sailor Moon, igualmente, la protagonista se
reunirá con algunas de sus compañeras, las
guerreras del Sistema Solar: Sailor Mercury,
Sailor Mars, Sailor Jupiter y, por último,
Sailor Venus. Esta parte de la serie se centra
en la recuperación de sus recuerdos pasados,
su vida como habitantes de la Luna así como
la batalla que se desencadenó, llegado el
momento, con el planeta Tierra, que trajo
consigo la reencarnación de todos los
personajes en el Japón contemporáneo.
Actualmente, este anime continúa
emitiéndose, llegando al culmen de la
segunda parte de la serie, cuyo escenario
principal nos remite al Tokio del año 3000.
Como adaptación, no podemos dejar de
destacar el especial cuidado que se ha puesto
en la misma. Esta nueva serie se centra en el
argumento propio del cómic, sin añadir
ningún tipo de contenido o capítulo extra con
el fin de alargar la duración de la misma. La
fidelidad llega hasta tal punto que en
ocasiones se rescatan viñetas del manga para
pasarlas a la pantalla, dando lugar a una
narración ágil y amena. Personalmente,
considero como algo positivo el hecho de que
el argumento se haya centrado y esté
Crítica: Sailor Moon Crystal
Por María Gutiérrez
Cartel o imagen oficial de esta nueva versión de la obra de Takeuchi. Una de las primeras imágenes de la serie que
estuvo al alcance de sus seguidores.
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condicionado por una serie de
acontecimientos, de modo que la serie no
puede alargarse hasta los extremos que
alcanzó su predecesora, llegando a un total de
200 capítulos y contando con bastantes
historias sin relevancia a modo de relleno.
Igualmente, el hecho de que se prescinda de
subtramas y enredos entre los personaje
resulta satisfactorio, ya que lo que realmente
nos presenta es la obra íntegra y original de
Takeuchi.
Por otro lado, la estética ha traído consigo
seguidores y detractores a partes iguales. Por
un lado, se destaca el hecho de que los
personajes, las chicas protagonistas, resultan
demasiado estilizadas, dando lugar a cuerpos
imposibles y extremadamente delgados. Si
bien no podemos dejar de lado el estilo de
dibujo de Naoko Takeuchi, cuya estética
resulta bastante similar a lo que nos está
presentando la nueva versión animada,
destaca el hecho de que el diseño se ha
actualizado siguiendo los cánones y estilos
que a día de hoy priman -hemos de tener en
cuenta que los medios a la hora de animar
han experimentado su particular evolución,
así como el gusto por parte del público-. A
pesar de que las comparaciones son odiosas,
no podemos evitar referirnos a la adaptación
anterior de este anime, donde, a pesar del
éxito que supuso, se dejaron de lado
pequeños detalles presentes en el manga que
esta nueva versión sí que ha respetado. Un
cambio bastante importante que queremos
reseñar es el hecho de que las
transformaciones de sus personajes se han
animado en 3D, algo quizá menos acertado,
en este caso, ya que por un lado deforma el
aspecto de los personajes además de rebajar
la calidad de la serie, al tratarse de una
animación de no demasiada calidad.
A modo de resumen, sólo podemos
recomendar a todos aquellos seguidores de la
justiciera de la Luna que vean esta nueva
adaptación y juzguen por ellos mismos,
considerando tanto el argumento como la
estética del mismo.
Para saber más:
Tráiler oficial de la serie
subtitulado en inglés.
Aquí podemos ver una comparación entre el diseño de personajes del anime y el estilo de dibujo de Takeuchi. El lector puede apreciar toda una serie de semejanzas entre ambas imágenes.
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Hong Kong se ha convertido poco a poco en el
equivalente asiático de Los Ángeles, con
permiso de la sólida industria bollywoodense.
En “la Meca de la cinematografía” a este lado
del Pacífico se producen anualmente gran
cantidad de filmes de calidad y relevancia
muy variable. Hoy en Ecos de Asia
recogemos una producción hongkonesa de
cine comercial que llega ahora a España para
su distribución en DVD: Firestorm,67
traducida al castellano como Fuego cruzado y
estrenada nada menos que hace dos años.
La cinta, dirigida por Alan Yuen (quien
cuenta con más experiencia como guionista
que como director), está protagonizada por
Andy Lau, al que ya vimos en la intimista Una
67 Firestorm / Fung bou / Fuego cruzado (2013). País: China (Hong Kong). Director: Alan Yuen. Guión: Alan Yuen. Música: Peter Kam. Fotografía: Chan Chi-Ying. Reparto: Andy Lau, Yao Chen, Lam Ka-Tung, Hu Jun, Ray Lui, Philip Keung, Kenny Wong, Oscar Leung, Vincent Sze, Michael Wong, Lo Hoi-Pang. Productora: Coproducción Hong Kong-China;Edko Films / Focus Films / Sil-Metropole Organisation.
vida sencilla (2011). El talento dramático que
derrochó Lau en ese filme queda aquí
desaprovechado con la poco exigente
interpretación de un agente policial en caída
libre.
Firestorm es, al fin y al cabo, el
típico thriller policial que ofrece altas dosis de
acción con escasos chispazos de análisis
introspectivo. La película vincula la
inminente llegada de un tifón a la
cosmopolita y moderna Hong Kong, con la
irrupción de una banda de ladrones
organizados y sumamente violentos. El
protagonista, que se encuentra en el centro de
esta tormenta, es el inspector de policía Lui,
que dirige la unidad de inteligencia de la
ciudad. Lui, al que da vida Andy Lau, tiene
conexiones personales con algunos
delincuentes pertenecientes al grupo de
atracadores, pero sobre todo domina en él un
espíritu de cruzada llevada al límite. No es
fácil la labor de Lui, que ve cómo los
delincuentes se le escapan entre vericuetos
Crítica: Firestorm (2013) Por Laura Martínez
Cartel promocional de la película.
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legales mientras los inocentes mueren en las
calles. Ante estas injusticias, Lui deberá hacer
frente a un dilema moral: permanecer fiel a la
ley o tomarse la justicia por su mano.
La historia opta por un enfoque sumamente
convencional, mostrando espectaculares
efectos especiales, explosiones y
persecuciones de alta velocidad, empleando
más balas que talento interpretativo.
Pudiendo profundizar en la caída del héroe y
el lado oscuro de la moral policial, Yuen opta
en su guión por una oda a la violencia, la cual
va escalando hasta la hecatombe final,
incluyendo un pequeño twist sorpresivo.
Aunque peca de comercial, cierto es que la
fotografía de Chan Chi-Ying ofrece en ciertos
momentos algunos planos interesantes y un
tono de calma tensa que puede recordar al ya
clásico policíaco Flores de fuego (Hana-bi,
1997), de Takeshi Kitano, o incluso a la
ficción televisiva de True Detective (2014-).
El peor defecto del filme lo compone sin duda
la música, de tintes melodramáticos, que en
ocasiones llega a arruinar por completo las
secuencias de cierta intensidad emocional.
Pese a todo, Firestorm ofrece lo que propone:
persecuciones, infiltrados y armas
automáticas, que harán las delicias del
espectador que busque un divertimento de
pura acción y adrenalina.
Para saber más:
- Ficha en Filmaffinity.
- Tráiler en Youtube.
Dos fotogramas de Firestorm que ofrecen interesantes contrapicados.
Dos fotogramas de la película en los que se aprecia una atmósfera similar a True Detective.
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La última
incorporación a la
colección Maestros del
Haiku publicada por
Satori Ediciones
consiste en un
recopilatorio de
Kobayashi Issa (1763-
1827), uno de los
grandes nombres de
esta modalidad de
poesía nipona. Con la
incorporación de
Kobayashi, ya son tres
de las cuatro figuras
fundamentales del
haiku las que se
incluyen en esta serie,
de una cuidadísima
labor editorial, junto
a Matsuo Bashô y
Masaoka Shiki
(faltaría Yosa Buson,
pero de seguro en un
futuro próximo será
incorporado a esta colección), que comparten
colección con autores más contemporáneos
de notable relevancia, como son Natsume
Sôseki o Akutagawa Ryûnosuke.
Nuevamente, como viene siendo habitual
dentro de Maestros del Haiku, Fernando
Rodríguez-Izquierdo ha realizado una
cuidadosa selección de setenta poemas breves
que, hasta el momento, permanecían inéditos
en castellano. Así, esta nueva incorporación
viene a enriquecer no sólo
el fondo editorial de
Satori, sino también el
conocimiento y el acceso a
las letras y la cultura
niponas por parte de
lectores hispanohablantes.
Y es que, aunque en la
edición Fernando
Rodríguez-Izquierdo
figura de manera
secundaria, podría
reconocérsele
perfectamente como
coautor de estas
antologías, ya que las
obras no están completas
sin su labor, que va mucho
más allá de la selección y
traducción: además de sus
anotaciones lingüísticas
(de gran interés,
igualmente), realiza los
excepcionales comentarios
que acompañan a cada
poema. De este modo, no se ofrece al lector
un mero compendio de versos sino que,
conscientes de la diferencia cultural entre
emisor (el poeta) y receptor (el lector
castellano contemporáneo), se le otorga a este
último una herramienta fundamental para
imbuirse del espíritu y de la sensibilidad que
este tipo de poesía posee, enriqueciendo la
experiencia tanto a los lectores que se
Reseña literaria: Mi nueva
primavera, de Kobayashi Issa
Por Carolina Plou
Portada de la cuidada edición de Satori.
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aproximan por primera vez al haiku como a
aquellos que ya están familiarizados con ellos.
Adentrándonos ya en la obra, encontramos,
como es habitual, una breve pero certera
introducción, que pone en contexto a
Kobayashi Issa, definiéndolo como el autor de
haikus más querido de Japón, así como
equiparando su sensibilidad poética a
ejemplos occidentales que permitan una
mejor asimilación: su sencillez y atención
hacia la naturaleza más pequeña e íntima
hace que Rodríguez-Izquierdo le ponga en
relación con san Francisco. Tras estas
pinceladas, hace una breve reseña biográfica,
en la que recoge los hitos personales que
marcaron la trayectoria del poeta, entre los
que destaca la muerte de su padre, que le
produjo honda huella, así como sus tres
matrimonios y el episodio de su fallecimiento,
en el incendio de su casa en 1827.
La propuesta poética que se encuentra al
avanzar las páginas combina el protagonismo
absoluto de la naturaleza (como es obligatorio
dentro del haiku), una naturaleza sencilla, al
alcance de la mano, con el fascinado elogio a
la infancia, a través de haiku dedicados a las
travesuras de los muchachos («¡Ya llegó la
cigarra!» / él gritaba, y sin más / se le ha
orinado encima68) o a la inocencia de sus
obligaciones (El niño mira y mira / la
naranja: ese premio / de su primer escrito69).
Con todo ello, y aunque los haiku aluden a las
distintas estaciones del año, en conjunto se
sirven de los estados de la naturaleza para
dejar un poso de reflexión sobre el paso del
tiempo, el nacimiento y la muerte son hitos
que marcan el desarrollo y el sentir humano.
68 Haiku 31, página 75. 69 Haiku 63, página 139.
Retrato de Kobayashi Issa (fuente: wikipedia).
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En este número colaboran: Ana Asión ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte. Actualmente realizan el Máster en Gestión del Patrimonio Cultural, así como el Doctorado en Historia del Arte, con una tesis sobre cine español del tardofranquismo. Pablo Begué. Graduado en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y estudiante del Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte por la misma universidad. Sus intereses giran alrededor de los cuentos de hadas clásicos, su ilustración en el siglo XIX y la influencia de estas imágenes en la cultura popular y de masas, especialmente en la creación audiovisual. Elísabet Bravo ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza. Actualmente cursa el Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte con especialidad en Lenguaje y Cultura audiovisual. Está interesada e investiga cine fantástico y de terror. María Gutiérrez ([email protected]). Graduada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, cursando el máster de Estudios Avanzados con el objetivo de especializarse en arte asiático. David Lacasta ([email protected]). Licenciado en Historia del Arte y actualmente estoy cursando el máster de estudios avanzados, en la modalidad de Asia Oriental. Estoy trabajando en la cerámica Satsuma, y el fenómeno de su coleccionismo en Occidente. También me interesa mucho todo lo relacionado con las armas y armaduras de los samurái, así como la historia militar de Japón. Laura Martínez Rodríguez ([email protected]). Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza, actualmente cursa el Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte de la misma, especializándose en Cine. Marisa Peiró ([email protected])es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza y Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte por esta misma universidad. Se especializa en el Arte y la Cultura Audiovisual de la primera mitad del s. XX, y en las relaciones artísticas interculturales. Actualmente, está realizando su tesis doctoral. Carolina Plou ([email protected]). Historiadora del Arte, japonóloga, prepara una tesis doctoral sobre fotografía japonesa. Marina Royo. Licenciada en Historia del Arte y Máster de Estudios Avanzados en Historia del Arte por la Universidad de Zaragoza. Se especializa en Cine, y particularmente en adaptaciones literarias británicas del siglo XX. Actualmente, participa en el curso-taller "Hablando de cine". Héctor Tome. Se licenció en Historia por la Universidad de Santiago de Compostela, afincado ahora en Barcelona, donde colabora con diversos proyectos literarios, periodísticos y políticos.
Para la realización de este número, agradecemos además a María Galindo, Claudia Sanjuán y
muy especialmente, a los doctores Elena Barlés y David Almazán.
GRACIAS A TODOS LOS COLABORADORES
POR SU TRABAJO Y ENTUSIASMO, Y A GRACIAS A USTED, LECTOR POR SU TIEMPO
E INTERÉS. NOS LEEMOS EN EL PRÓXIMO NÚMERO.
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